现代艺术博物馆里的小电影
⑴ 关于电影史的
第一部电影影拍摄描述的是：日常生活
第一位伟大导演：麦利逊
早期电影经典演员：卓别林、范伦铁诺
早期的电影都是“无声电影”。然而，电影发行商发现，在播放电影时有一个讲评人来叙述故事、补上角色间的对话，可以更吸引观众。没过几年，播放的电影都会在下边附上字幕，这样就可以在演员“说话”时，表示出他说的内容。这使得讲评人的必要性大打折扣。
早在1829年，比利时着名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。
摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。
在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片《一杯可口的啤酒》。1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。
1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易卢米埃尔兄弟，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片《卢米埃尔工厂的大门》获得成功。同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有《火车到站》、《水浇园丁》、《婴儿的午餐》、《工厂的大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。史学家们认为，卢米埃尔兄弟所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。
你若问美国电影界的人，他们会异口同声地回答：“是爱迪生发明的。”但你如果去问法国人，他们则会说：“是卢米埃！”那么谁才是电影真正的发明者呢？答案：两个人都是！根据记载：在1888年，爱迪生开始研究活动照片，而当伊斯曼发明了连续底片后，爱迪生立刻将连续底片买回来，请威廉甘乃迪和罗利狄克生着手进行研究。到了第二年的十月，迪克生提出研究的结果，他将之拍摄成会活动的马，这就是电影史上最早摄影的成功。成功之后的迪克生，继续埋首更深的研究，一八九〇年，他用能活动的图片申请到专利，这些活动图片每秒钟能拍四十张，这就是现代影片的鼻祖。一八九一年，托马斯·阿尔瓦·爱迪生申请影像映出管和摄影装置的专利权，这是“西洋镜”电影的鼻祖。托马斯·阿尔瓦·爱迪生发明“西洋镜”电影的想法是，由于西洋镜一次只能由一个人去”窥看”，藉着人们的好奇心，如此便可以增加利益，于是这种电影在一时间非常流行。不久，托马斯·阿尔瓦·爱迪生又创造了世界最早的摄影棚，大有助于电影的发展。起初，在欧洲，也有人在对这些活动照片作研究。一八九五年，伦敦有两位名叫巴德艾卡和R.W.保罗的人，把初步的摄影棚改良后，在大庭广众之前举行表演。同时间，在法国有两位名叫路易卢米埃和奥古斯特卢米埃的兄弟，他们将照片映射在布幕上，因而吸引了大批好奇的观众。放映电影就此展开序幕。卢米埃兄弟接着巴黎工业奖励学会上试映了一部名叫“卢米埃工厂了大门”影片，同年十二月，在巴黎布辛奴街“大咖啡馆”的地下大厅，正式公开上映十二部影片，并出售门票。同年九月，在美国亚特兰大所举行的世界博览会，放映这种射映式影片时，也出售门票。如此可知，早在电影产生的同时，就已和营利结下了不解之缘。先驱 （卢米埃）法国化学家，与其北路易共同发明电影摄影机和放映机，为电影实验的先驱。
奥斯卡终身成就奖
1936年 - D·W·格里菲思（D. W. Griffith） - 为他作为导演和制片人对电影艺术长期的杰出的贡献。
1937年 - March of Time - 为它开创了电影的一个重要分支-新闻影片
1937年 W·霍华德·格林(W. Howard Greene)、哈罗德·罗森（Harold Rosson） - 为塞尔兹尼克国际电影公司出品的《阿拉的花园》(The Garden of Allah）的彩色摄影技术。
1938年 - 现代艺术博物馆电影馆 - 为它收藏了从1895年至今的电影资料，确定电影是艺术的重要部分，并向公众开放从而让更多的人了解电影的历史。
1938年 - 埃德加·伯根（Edgar Bergen) - 为他卓着的喜剧天才。
1938年 - 马克赛·纳特（Mack Sennett） - 为他对喜剧电影持久的贡献，学院提出一个特别褒奖给这位充满了乐趣、挖掘新人，富有同情心的喜剧天才。
1938年 - W·霍华德·格林（W. Howard Greene） - 为他在《一个明星的诞生》（A Star Is Born）的彩色摄影技术。
1939年 - 亚瑟·保尔（Arthur Ball） - 为他在彩色电影摄影中的杰出贡献。
1939年 - 哈里·M·华纳（Harry M. Warner） - 为他记录了美国人早期为自由而奋斗的历史。
1939年 - 华特·迪士尼（Walt Disney） - 为《白雪公主》开创了一个新的娱乐领域。
1939年 - 高登·詹宁斯（Gordon Jennings，特别效果）、简·多梅拉（Jan Domela，特别效果助理）、德弗罗·詹宁斯（Devereaux Jennings，特别效果助理）、艾尔明·罗伯特（Irmin Roberts，特别效果）、阿特·史密斯（Art Smith，特别效果）、法乔特·埃多特（Farciot Edouart，透明效果）、洛亚尔·格里格斯（Loyal Griggs，透明效果助理）、洛伦·L·里德（Loren L. Ryder，声效）、哈里·D·米尔斯（Harry D. Mills，声效助理）、路易斯·梅塞科普（Louis Mesenkop，声效助理）、沃特·奥伯斯特(Walter Oberst，声效助理） - 为《Spawn of the North》里杰出的画面和声音效果。
1939年 - 奥利弗·T·马什(Oliver T. Marsh)、艾伦·M·戴维（Allen M. Davey） - 为米高梅公司出品的电影《甜心》（Sweethearts）的彩色摄影技术。
1940年代
1940年 - 吉恩·赫肖尔特（Jean Hersholt，总裁）、拉尔夫·摩根（Ralph Morgan，主席）、拉尔夫·布洛克（Ralph Block，第一副总裁）、康拉德·内格尔（Conrad Nagel）、美国电影电视基金会 - 表彰基金会卓越的工作推动了电影的发展。
1940年 - 特艺七彩公司 - 为它成功地将三色技术应用到银幕上。
1940年 - 道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks） - 作为第一位美国电影艺术与科学学院主席，道格拉斯·范朋克为全球电影的发展做出卓越的贡献。
1940年 - 威廉·卡梅隆·曼泽斯（William Cameron Menzies） - 为表彰他在《乱世佳人》中成功运用彩色技术。
1941年 - 鲍勃·霍普（Bob Hope） - 为他对电影事业无私的奉献。
1941年 - 内森·莱文森（Nathan Levinson） - 为他过去9年来为电影事业和军队的服务，从而可以方便地拍摄军队题材的电影。
1942年 - 华特·迪士尼（Walt Disney）、威廉·E·格雷提（William E. Garity）、J·N·A·霍金斯（J. N. A. Hawkins）、RCA制造公司 - 为表彰他们在《幻想曲》中运用声音的先进技术。
1942年 - 列奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）和他的同事 - 为表彰他们在华特迪士尼公司公司出品的电影《幻想曲》中充满创造力的音乐。
1942年 - 斯科特·雷（Scott Rey） - 为他在艰难危险的环境下用16毫米的胶片摄制了一部关于中国战争的纪录片《Kukan》。
1942年 - 英国信息部（United Kingdom Ministry of Information） - 纪录片《今夜的轰炸目标》（Target for Tonight）逼真地呈现了英国皇家空军的勇气。
1943年 - 米高梅公司 - 为出品的Andy Hardy系列电影中展现了美国人的生活。
1943年 - 查尔斯·博耶（Charles Boyer） - 为他在洛杉矶成立了法国研究基金会所作的贡献。
1943年 - 诺埃尔·科沃德（Noel Coward） - 为影片《与祖国同在》（In Which We Serve）的所付出的努力。
1944年 - 乔治·佩尔（George Pál） - 为他在电影木偶片的制作采用新颖的方法和技术。
1945年 - 鲍勃·霍普（Bob Hope） - 为他为学院所作的贡献（美国电影艺术与科学学院终身会员）。
1946年 - 丹尼尔·J·布卢姆伯格（Daniel J. Bloomberg）、合众录音室（Republic Studio）、合众音效部门（Republic Sound Department） - 为他们建立了一个出色的音乐录音室，将各种声音元素完美得融合在一起。
1946年 - 沃尔特·万格（Walter Wanger） - 为他六年来作为美国电影艺术与科学学院主席所作的贡献。
1946年 - 弗兰克·罗斯（Frank Ross）、莫文·里罗伊（Mervyn LeRoy） - 为短片《The House I Live In》和同名歌曲。
1947年 - 恩斯特·卢比西奇（Ernst Lubitsch） - 他为电影艺术做出了独一无二地贡献。
1947年 - 哈罗德·拉塞尔（Harold Russell） - 他在《黄金时代》（The Best Years of Our Lives）的表演给其他退伍老兵带来希望和勇气。
1947年 - 劳伦斯·奥利维尔（Laurence Olivier） - 在电影《亨利五世》（Henry V）中集演员、导演和制片于一身。
1948年 - 威廉·塞利格（William Selig）、艾伯特·史密斯（Albert E. Smith）、托马斯·阿马特（Thomas Armat）、乔治·K·斯波（George K. Spoor） - 电影的先锋小组之一，他们为电影的发展贡献了毕生的心血。
1948年 - 电影《Bill and Coo》 - 将小说的艺术性和电影的娱乐性完美地结合起来。
1948年 - 意大利电影《擦鞋童》（Sciuscià） - 这部优秀的电影把我们带入了处于饱经战争创伤的国家中的悲惨生活，它向世界证明了面对灾难，精神的力量可以取得最后的胜利。后来衍生出奥斯卡最佳外语片奖。
1948年 - 詹姆斯·巴斯克特（James Baskett） - 他在迪士尼第一部长篇真人与动画合演的影片《南方之歌》（Song of the South）饰演的雷姆斯大叔受到全球孩子的喜爱。
1949年 - 西德尼·格劳曼（Sid Grauman） - 剧院之王，提高了电影院的建造标准。
1949年 - 阿道夫·朱克（Adolph Zukor） - 一个四十年来致力电影事业，被称为美国电影之父的人。
1949年 - 沃尔特·万格（Walter Wanger） - 他制作的电影《圣女贞德》（Joan of Arc）给全球观众带来道德的高度境界。
1949年 - 法国电影《文森特先生》（Monsieur Vincent） - 1948年在美国发行的最佳外语片。
1950年代
1950年 - 弗雷德·阿斯泰尔（Fred Astaire） - 为他独一无二的艺术性和在音乐片卓越贡献。
1950年 - 赛西尔·德米尔（Cecil B. DeMille） - 杰出的电影的先锋者，37年来光辉的表演历程。
1950年 - 吉恩·赫肖尔特（Jean Hersholt） - 为他对电影产业巨大的贡献。
1950年 - 意大利电影《偷自行车的人》（Ladri di biciclette） - 1949年美国发行的最佳外语片。
1951年 - 路易·B·梅耶(Louis B. Mayer) - 为他对电影产业巨大的贡献。
1951年 - 乔治·墨菲（George Murphy） - 他演绎的电影影响了全国。
1951年 - 意法合拍电影《马拉帕加之墙》（Au-delà des grilles） - 1950年美国发行的最佳外语片。
1952年 - 金·凯利（Gene Kelly） - 表彰他的多才多艺，作为导演、演员、歌手和舞者对电影的巨大贡献。
1952年 - 日本电影《罗生门》（Rashômon） - 1951年美国发行的最佳外语片。
1953年 - 梅里安· C·库珀（Merian C. Cooper） - 为他对电影艺术的很多创新和贡献。
1953年 - 鲍勃·霍普（Bob Hope） - 他为全球观众带去笑声。
1953年 - 哈罗德·劳埃德（Harold Lloyd） - 喜剧大师和好公民。
1953年 - 乔治·艾尔弗雷德·米契尔（George Alfred Mitchell） - 为他对摄像机的革新和发展，并在摄影领域持续的努力。
1953年 - 约瑟夫·申克（Joseph M. Schenck） - 为他长期对电影事业的服务。
1953年 - 法国影片《禁忌的游戏》（Jeux interdits） - 1951年美国发行的最佳外语片。
1954年 - 二十世纪福斯影片公司 - 表彰他们创新了西尼玛斯柯普系统宽银幕电影。
1954年 - 贝灵巧公司（Bell and Howell）- 为他们发明的电影基础设备促进了电影产业发展。
1954年 - 约瑟芬·布林(Joseph Breen) - 为他对美国电影制作规范严谨而开放的管理。
1954年 - 佩特·史密斯（Pete Smith） - 为他创作的《Pete Smith Specialties》系列短片里幽默敏锐的风格。
1955年 - 博士伦公司 - 为他们对电影产业发展的贡献。
1955年 - 葛丽泰·嘉宝（Greta Garbo） - 为她精湛的表演。
1955年 - 丹尼·凯（Danny Kaye） - 为他的才能和多年来对学院，电影产业和美国人民的贡献。
1955年 - 肯普·尼弗（Kemp Niver） - 为他对美国国会图书馆恢复收藏电影资料的努力。
1955年 - 乔恩·怀特利（Jon Whiteley） - 为他在电影《小拐骗者》里出色的表演。
1955年 - 文森特·温特（Vincent Winter） - 为他在电影《小拐骗者》里出色的表演。
1955年 - 日本电影《地狱门》（Jigokumon） - 1954年美国发行的最佳外语片。
1956年 - 日本电影《宫本武藏》（Miyamoto Musashi） – 1955年美国发行的最佳外语片。
1957年 - 埃迪·坎特（Eddie Cantor） - 为他对电影产业多年的贡献。
1958年 - 电影和电视工程师协会 - 为他们对电影产业的推动和贡献。
1958年 - 布朗乔·比利·安德森（Broncho Billy Anderson） - 电影的先锋者，对电影成为大众娱乐作出贡献。
1959年 - 查尔斯·布拉克特（Charles Brackett） - 为他对美国电影艺术与科学学院的服务。
1959年 - B·B·卡亨（B. B. Kahane） - 为他对电影产业的贡献。
1959年 - 莫里斯·切瓦力亚（Maurice Chevalier） - 为他半个多世纪以来对全球娱乐业的贡献。
1960年代
1960年 - 李·德·福雷斯特（Lee De Forest） - 为他的创造性发明给电影带来了声音。
1960年 - 巴斯特·基顿(Buster Keaton) - 为他独一无二的喜剧才华。
1961年 - 贾利·古柏（Gary Cooper） - 他在银幕上留下了很多令人难以忘记的形象，受到全球观众的肯定。
1961年 - 斯坦·劳雷尔（Stan Laurel） - 为他在喜剧电影领域的创新精神。
1962年 - 弗雷德·L·梅茨勒（Fred L. Metzler） - 为他对美国电影艺术与科学学院的服务。
1962年 - 杰洛姆·罗宾斯（Jerome Robbins） -为他对电影编舞艺术的杰出贡献。
1962年 - 威廉·亨德里克斯（William L. Hendricks） - 他编剧并监制的描写海军陆战队的电影《一支准备就绪的军队》（A Force in Readiness）给学院和电影产业带来荣誉。
1963年 - 空缺
1964年 - 空缺
1965年 - 威廉·塔特尔（William Tuttle） - 为他在影片《劳博士的七张脸孔》（7 Faces of Dr. Lao）中展现的高超化妆技巧。
1966年 - 鲍勃·霍普（Bob Hope） - 为他对电影产业巨大的贡献。
1967年 - 亚基马·坎纳特（Yakima Canutt） - 为表彰他作为特技演员所获得的成就和创造了安全的设备以保护全球特技演员。
1967年 - 弗兰克·弗里曼（Frank Freeman） - 为他在好莱坞30年来对学院的巨大贡献。
1968年 - 阿瑟·弗里德（Arthur Freed） - 为他对学院的服务，制作了六次最受欢迎的颁奖电视节目。
1969年 - 奥纳·怀特（Onna White） - 为她在《雾都孤儿》(Oliver!）里的编舞艺术。
1969年 - 约翰·钱伯斯（John Chambers） - 为他在影片《决战猩球》（Planet of the Apes）中出神入化的化妆技术。
1970年代
1970年 - 加里·格兰特（Cary Grant） - 为他在高超的演技赢得了同事的尊敬。
1971年 - 莉莲·吉许（Lillian Gish） - 为她精湛的艺术性和对电影发展的贡献。
1971年 - 奥森·威尔士（Orson Welles） - 他制作的电影艺术性强，类型多变。
1972年 - 查理·卓别林（Charlie Chaplin） - 为他整个世纪以来对电影产业无可估量的贡献。
1973年 - 查尔斯·博伦（Charles S. Boren） - 38年来作为电影业代表，为改善劳资关系和消除种族歧视贡献良多。
1973年 - 爱德华·罗宾逊（Edward G. Robinson） - 一个伟大的演员，一个为艺术献身的人。
1974年 - 亨利·朗格卢瓦（Henri Langlois） - 为他多年来对电影艺术的执着和大量的贡献。
1974年 - 格劳乔·马克斯（Groucho Marx） - 表彰他的创造力和马克思兄弟在喜剧电影上无与伦比的成就。
1975年 - 霍华德·霍克斯（Howard Hawks） - 一个美国电影制作大师，在全球电影史上留下他的篇章。
1975年 - 让·雷诺阿（Jean Renoir） - 一个天才的演员，从无声电影到有声电影，从故事片、记录片到电视都有他的完美的演出，得到全球影迷的爱戴。
1976年 - 玛丽·毕克馥（Mary Pickford） - 表彰她为电影独一无二的贡献并发展了电影艺术的表现手法。
1977年 - 空缺
1978年 - 本·伯特（Ben Burtt） - 为影片《星球大战》杰出的声效。
1978年 - 玛格丽特·布斯（Margaret Booth） - 为她对电影剪辑艺术的贡献。
1979年 - 现代艺术博物馆电影馆 - 为它对公众接受电影作为艺术形式之一的贡献。
1979年 - 沃特·蓝兹（Walter Lantz） - 他创作的动画片为全球带来快乐和笑声。
1979年 - 劳伦斯·奥利维尔（Laurence Olivier） - 他的一生都献给了电影艺术。
1979年 - 金·维多（King Vidor） - 作为电影的改革者，贡献巨大。
1980年代
1980年 - 哈尔·埃利亚斯（Hal Elias） - 为他多年来为美国电影艺术与科学学院的辛勤工作和卓越贡献。
1980年 - 亚历克·吉尼斯（Alec Guinness） - 为他高超的演技，在银幕上塑造了众多难忘且个性鲜明的人物。
1981年 - 亨利·方达（Henry Fonda） - 一个演技精湛的演员，为电影艺术作出光辉长久的贡献。
1982年 - 芭芭拉·斯坦威克（Barbara Stanwyck） - 她演技高超，富有创造力，为电影艺术作出独一无二的贡献。
1983年 - 米基·鲁尼（Mickey Rooney） - 为表彰他50年来在银幕上塑造了丰富多彩的人物。
1984年 - 哈尔·罗奇([Hal Roach) - 为表彰他为电影艺术的卓越贡献。
1985年 - 美国国家艺术基金会（The National Endowment for the Arts）- 基金会成立20周年，一直为各个艺术领域的项目提供支持。
1985年 - 詹姆斯·史都华（James Stewart） - 为他50年来令人印象深刻的表演，为他银幕上下都是完美的典型，影响了合作过的人，并得到了他们的敬重。
1986年 - 保罗·纽曼（Paul Newman） - 他为人正直，献身于自己的事业，塑造众多令人信服的银幕形象，。
1986年 - 阿莱克斯·诺斯（Alex North）- 为表彰他在众多不同的影片中精彩的配乐。
1987年 - 拉尔夫·贝拉米（Ralph Bellamy） - 为他卓越的艺术才能以及为表演献身的精神。
1988年 - 空缺
1989年 - 伊士曼柯达公司 - 为100年来对电影的贡献。
1989年 - 加拿大国家电影委员会 - 委员会成立50周年，对电影制作的各个领域提供支持。
1990年代
1990年 - 黑泽明（Akira Kurosawa） - 为他在电影上的成就鼓舞了全世界的观众，并影响了全球的电影人。
1991年 - 索菲亚·罗兰（Sophia Loren） - 为她的一生演绎了众多令人难忘的角色。
1991年 - 茂娜·罗埃（Myrna Loy） - 为她银幕上下非凡的美德。
1992年 - 萨蒂亚吉特·雷伊（Satyajit Ray） - 为他精湛的电影表现手法和人道主义的观，影响了全球观众。
1993年 - 费德里柯·费里尼（Federico Fellini） - 为他在电影上的成就鼓励了全球观众。
1994年 - 狄波拉·嘉（Deborah Kerr） - 一位完美优雅的艺术家，一个献身于表演的演员，她的作品总是完美无缺。
1995年 - 米开朗基罗·安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni）
1996年 - 柯克·道格拉斯（Kirk Douglas） - 为他50年来对电影事业持续的创新精神。
1996年 - 查克·琼斯（Chuck Jones） - 为他半个世纪以来创造了很多经典的卡通角色为大家带来了欢乐。
1997年 - 迈克尔·基德（Michael Kidd） - 为他编舞的高超技术。
1998年 - 斯坦利·多南（Stanley Donen） - 感谢他终身为电影的奉献，他的作品优雅风趣、大胆创新。
1999年 - 伊利亚·卡赞（Elia Kazan） - 感谢他长期卓越的工作，他在电影上革新影响了电影界。
2000年代
2000年 - 安杰伊·瓦依达(Andrzej Wajda) - 为他对电影的巨大贡献。
2001年 - 杰克·卡迪夫（Jack Cardiff）
2001年 - 欧内斯特·莱曼（Ernest Lehman） - 集多种角色于一身，对电影贡献巨大。
2002年 - 西德尼·波蒂埃（Sidney Poitier） - 为他的非凡表现力。
2002年 - 罗伯特·雷德福（Robert Redford） - 演员、导演和制片，影响了全球的电影人。
2003年 - 彼得·奥图尔（Peter O'Toole） - 一个天才的演员，一生演绎了众多令人记忆深刻的角色。
2004年 - 布莱克·爱德华（Blake Edwards） - 表彰他在编剧、导演和制片多方面的才能。
2005年 - 希德尼·鲁迈特（Sidney Lumet） - 为他编剧和表演的才华。
2006年 - 罗伯特·奥特曼（Robert Altman） - 为表彰他一生为电影事业的贡献。
2007年 - 埃尼奥·莫里康内（Ennio Morricone）为他在电影音乐做出杰出贡献。
2008年 - 罗伯特-博伊（Robert Boy） - 为他杰出的美术设计 2009年 - 空缺
2010年 - 劳伦-白考尔（Lauren Bacall）罗杰-考曼（Roger Corman）高登-威利斯（Gordon Willis）
⑵ 纽约现代艺术博物馆的馆藏文物
现代艺术博物馆目前已拥有馆藏超过15万件个人作品、2万多部电影以及4百万幅电影剧照。其中最着名的作品包括：
梵高：《星月夜》
毕加索：《亚威农的少女》
达利：《记忆的永恒》
莫奈：《睡莲》
马谛斯：《舞》
蒙德里安：《百老汇爵士乐》
塞尚：《沐浴者》
卡萝：《断发的自画像》
该馆亦有不少美国现代艺术家的经典作品，如杰克森·波洛克、格鲁吉亚·欧姬芙、辛迪·雪曼、爱德华·霍普、安迪·沃荷、尚·米榭·巴斯奇亚、岑克·克罗斯、雷夫·巴格许与贾斯培·琼斯。
现代艺术博物馆同时也是将摄影艺术纳入馆藏的重要机构。在第一任摄影部主任爱德华·史泰钦的主持下，收入了不少新闻摄影与艺术摄影的杰作，并由约翰·札考斯基扩大规模，将电影、电影剧照等也纳入收藏，使得此馆成为美国电影与影片收藏的重镇。
该馆也针对设计作品开始典藏，包括有野口勇的设计产品、乔治·纳尔逊、保罗·拉兹罗、埃姆斯夫妇等设计的椅子、灯具。收藏品范围相当广，小到第一个能自动调整角度的滚珠轴承，大至一台贝尔47D1型的直升机。
2000年之后，现代艺术博物馆由于馆藏扩充甚多，原馆址亦需整修，遂开始了新建物的计划。该馆在2002年5月21日关闭，将部份馆藏迁往皇后区长岛市的一个旧钉书针工厂继续展览，称做MoMA QNS。2004年11月20日，由日本建筑师谷口吉生设计的新馆开幕，门票从美金12元调涨到20元，引起了不少争议。使它成为纽约市中最昂贵的博物馆之一。幸而该馆经美国Target连锁店赞助后，保持于每周五下午四点后，开放访客免费参观。谷口吉生的作品也在开馆时广受评论，除批评外观不过是一个中规中矩的现代建筑外，亦有不少人对馆内动线感到不满。
在新馆的花岗岩与玻璃建物外观都完成后，该馆一年的访客数约为250万人次，比往年约150万人数增加了许多，现任馆长葛兰·罗瑞希望保持访客数在210万人次。
2000年，现代艺术博物馆宣布与英国泰德美术馆联盟，共同投资设立以现代艺术为主的大型网站。
⑶ 《方形》这部电影有哪些看点
近日，万众期待的2017年金棕榈大奖得主《方形》（又译《魔方》、《自由广场》）几天前，在北大百年讲堂举行了全京唯一一场公映。在我们因2015、2016年的金棕榈奖得主（《流浪的迪潘》、《我是布莱克》）粗粝的现实主义而惊讶的时候（毕竟金棕榈一向以艺术电影的桂冠而自傲），《方形》可谓是一个不大不小的折返点。
饱满的画框、精湛的运镜、意味十足的调度，无不宣示着“形式”的折返，然而，这折返却是以一种自嘲的姿态呈现的。在这部作品的形式特征中，最引人注目的，莫过于从标题开始，到影片的每一个角落，都随处可见的square（方形）。这部层次丰富的作品，为我们展现了一个变形、叠化、碰撞的方块组成的世界。
⑷ vr电影有什么/vr电影有什么
《生命之初》：这部由大卫·爱登堡解说的纪录片将你带回到5亿年前的海底世界。由伦敦自然历史博物馆制作。
《Stonemilker》：由Rewind工作室为现代艺术博物馆的比约克展而制作，这部在冰岛沙滩上拍摄的虚拟现实MV彰显了环绕声（以及多位比约克）的感染力。
《亨利》：Oculus Story Studio制作的第二部电影，这部由前皮克斯导演制作的动画短片的主角是一只讨人喜欢的小刺猬。需使用Oculus Rift观看。
《像鸟一样飞翔》（Birdly）：与其说是一部电影，更像是一种体验，《像鸟一样飞翔》将你固定在鸟型仿真器上，辅以风机让你体验飞翔在旧金山上空的感觉。
《锡德拉头顶上的云朵》（Clouds Over Sidra）：盖博·阿罗拉和克里斯·米尔克拍摄的第一部联合国纪录片，镜头跟随12岁的叙利亚难民锡德拉（Sidra）。
⑸ 在美国《娱乐周刊》评选的“有史以来最KB的25部电影”
有史以来最恐怖的25部电影： 1 驱魔人
The Exorcist 1973
导演：威廉·弗雷德金
一只猫突然从摄影镜头后方扑出来是够吓人一跳的，但《驱魔人》的惊吓会让你几个月都不得安宁。因渎神而备受争议的驱魔人稳居有史以来最能搅动人内脏的影片位置，不仅是因为它敢于质疑上帝的存在，还因为它竟然将撒旦置于一个12岁女孩体内。当女主角琳达·布莱尔在牧师身上呕吐绿豆汤时，观众简直真要晕倒了。在一连串灾祸后，弗雷德金让一个教士执行了驱魔咒语。“许多人都说这部电影太诡异了。”女主角琳达.布莱尔说,“可那时我太小,他们不许我看。
2 德克萨斯链锯杀手
The Texas Chainsaw Massacre 1974
导演：托比·胡伯
真实的故事往往比虚构更为奇诡，它是充满恐怖的地狱。基于埃德·盖恩可怖的祭祀性杀戮的犯罪情节，该片很象一部粗糙的低成本纪录片，却会压得你喘不过气来。影片的开场是一个冷冰冰的声音在描述一个噩梦般的疯狂杀人行径,然后随着闪光灯的声响出现一个个瞬间的流血场面，最后是“皮脸”——一个精神错乱嗜杀成性的狂人，穿着屠夫的围裙，戴着人皮面具。导演胡伯说在他定下片名时：“我失去了好几个朋友。但我想他们如此剧烈的厌恶这个标题,它一定能出大名堂。”结果一份《链锯杀手》的拷贝被收入了现代艺术博物馆。
3 异形
Alien 1979
4 沉默的羔羊
The Silense of The Lambs 1991
5 万圣节
Halloween 1978
导演：约翰·卡朋特
忘掉那一连串半生不熟的无聊的续集，别管那些毫无灵感的讨厌的仿制品，比如《十三日星期五》。《万圣节》曾经是，现在也是甚至将来仍可能是鬼怪电影的佼佼者。它还是历史上最能赚钱的独立制作影片之一——以30万美圆得到 了5500万美圆票房。《精神病患者》对它的影响随处可见，从最细小的枝节到有杰米·李·柯蒂斯扮演的在险境中尖叫的临时保姆。“我们都是《精神病患者》的影迷。”卡朋特承认。
6 大白鲨
Jaws 1975
7 精神病患者
Psycho 1960
导演：阿尔弗雷德·希区柯克
所有恐怖片之母（可别由格斯·文森特的翻拍版来判断）。它的许多着名的要素现在已经昭然若揭：那些惊人的剪接（仅在淋浴一场戏里就有50多次），安东尼·博金斯扮演的神经质的儿子，伯纳德·赫尔曼尖厉的小提琴曲谱。但最暗藏的技法是更微妙的展示的。例如希区柯克决定在珍妮特·雷那场被杀戏中使用几把不同的匕首。“他不停的换刀，于是观众不可能将目光集中到母亲身上，”花了七天冲淋浴的雷说，“他们边看边想，可能是装成托尼的人，或者可能是一个女人，但想不到是托尼。”这一招现在仍然管用。
8 七宗罪
Seven 1995
导演：大卫·芬奇
从影片开始时抖动的带刮痕的胶片中，《七宗罪》渗透出比任何一部布拉德.彼特的电影都多的末日预示和疯狂的创造力。在这部电影之前，暴食、贪婪、懒惰、嫉妒、愤怒、傲慢和纵欲。都只是在主日学校才会出现的言之无物的单词。而随着电影的推进，这七宗死罪成了宣讲神启般的连环杀手可怕的动机。他是如此疯狂，以至为了避免留下指纹而剥去了指尖的皮肤。从它凄冷、阴郁的场景到无比残酷的结局，《七宗罪》是如此的虚无和困扰，很难理解它如何得以通过审查。
9 闪灵
The Shining 1980
导演：斯坦利·库布里克
库布里克改编了斯蒂芬·金的这部关于托伦斯一家在科罗拉多州积雪的冬季里轻率地陷入疯狂的小说。电影更多地因为片中写在打字机纸上的话（“只用功不玩耍，会把你别傻瓜”，“乔奥奥奥尼埃埃埃啦！”）知名，而不是因为它是一部美丽而愉快的恐怖片。阴森的音乐,美妙的,几乎无休止的固定镜头伴随着杰克.尼克尔森进入疯狂的杀气,这是历史上最有艺术气息的恐怖片。当然并不是所有人都这么认为。斯蒂芬·金对它的唾弃是众所周知的，他说：“我认为他是想用这部电影来伤害大家。”（他在1997年制作了自己的6小时电视版本。）
10 罗斯玛丽的婴儿
Rosemary’s Baby 1968
11 猛鬼街
A Nightmare on Elm Street 1984
导演：韦斯·克拉文
该片推出了孩子们最害怕的鬼怪弗雷迪,它会在他们入睡时潜入。克拉文把玩的是少年梦魇中最老套的一面，不论是将纯洁的儿童卧房成了谋杀现场,还是电话中伸出了魔鬼的舌头。弗雷迪后来还玩笑般地变成了自己的影子。当然在他的这部首演影片里弗雷迪可不是什么好玩的东西。另外还有一个惊喜：年轻的约翰尼·德普在该片里活活地被一张床给吃掉了。
12 怪形
The Thing 1982
13 活僵尸之夜
Night of The Living Dead 1968
导演：乔治·罗密欧
这部电影里僵尸的
怪异行为启发了好多后来者。这是一部10万美圆成本的黑白片，据说其资金的一部分是主演罗素·斯特雷纳出的。尽管这部关于受到放射性物质辐射的死尸猎取鲜
活人体的影片造价低廉（糟糕的录音里几乎全是蟋蟀的鸣叫），有人估计它的票房收入约5000万。由于与发行商之间的法律问题，制作人只看到了票房收入的一
小部分，于是在1990年又重拍该片。至于原片，它就象那个年代的《女巫布莱尔》。
14 凶兆
The Omen 1976
15 凶灵
Carrie 1976
16 连环杀手亨利
HenryPortrait of a Serial Killer 1990
17 幻影
Phantasm 1979
导演：唐·科斯卡雷里
影片的叙述详尽得就象《芝麻街》里的故事，而且鹌鹑尾巴似的发型古怪得分散了人们的注意力。但这部停尸房惊悸片的两个部分-——名叫“大个子”的诡异的总
统守墓人和飞舞的,能变成血水四溅的颅钻的铁球,在20年后仍然令人毛骨悚然，尽管当时的技术很落后。“我们想尽一切办法让铁球飞起来，用钢琴弦和鱼线什
么的都不行,”导演科斯卡雷里说,“最后找了个预科学院棒球队的外野手从摄象机后面把它投出去。”
18 阴风阵阵
Suspiria 1977
导演：达里奥·阿金图
只要挺过头十分钟你就会象在家里一样平安无事。这部非常风格化的影片是意大利恐怖片大师柯金图的开山之作。讲述一个跳芭蕾舞的学生（《意外之喜》的杰西卡·哈珀）怀疑她的舞蹈学校是一场女巫大聚会。影片中利刃刺入被害者跳动的心脏的特写被人们一致认为是最恶毒的谋杀场景。而哈珀的遭遇就好多了。“那些在我头发里爬动的其实是米粒,”她回忆道,“它们是蛆的特技替身。”
19 搭车人
The Hitcher 1986
导演：罗伯特·哈门
“妈妈说永远别这样做。”年轻的司机（托马斯·豪威尔）为英俊的搭车人打开车门时说。不听老人言吃亏在眼前的老话再次应验：这个有魅力的搭车人在以后的
90分钟里不断的惊吓着男孩和他的同伴，美丽金发的詹尼弗·杰森·雷。“人们说这是一部暴力电影，真不知他们怎么想的。”豪威尔说。他说这话时忘了他在片
中的台词：“真想知道眼球被戳穿了是什么样子。”《搭车人》会让你重新考虑穿越美国的度假计划。
20 夺命索
Dead Ringers 1988
21 黑暗边缘
Near Dark 1987
导演：凯瑟琳·彼格罗
很难找到一部恐怖而不至于愚蠢的僵尸电影，但导演彼格罗很好的填补了空白。由比尔·帕克斯顿主演坏透了的僵尸，与他的一群嗜血的制造屠杀的僵尸们游荡在美国中部。剧本是彼格罗和《搭车人》的剧作者埃瑞克·瑞德合写的。“掉下来了,你的脸,全掉下来了。”这已经不是父辈时代的吸血鬼了。
22 继父
The Stepfather 1987
23 妖夜荒踪
Lost Highway 1997
导演：大卫·林奇
不知明年二月我们是否能在《妖夜荒踪》的三周年庆上听到惊呼声。即使在起居室看它也不能减轻恐惧。一对洛杉矶嬉皮夫妇发现有人在他们入睡时拍摄他们的录象。影片最吓人的一场戏是罗伯特·布雷克扮演的阴森无眉男子在一个派对上，他告诉男主角他此时此刻正站在数英里之外他的家中。当我们不信邪的英雄用手机证实了那人不是开玩笑时，你得笑两声才不致失神。
24 怪胎
Freaks 1932
25 逝影惊心
The Vanishing 1988
⑹ "云雾"之中的“草船借箭”——纽约现代艺术博物馆（5）
"云雾"之中的“草船借箭”——纽约现代艺术博物馆（5）
我们最后参观三楼和二楼的展室，这里展出的是更为后来的各种类别的现代艺术品，包括影音、灯光作品，工业和时装设计等，艺术风格上也是更为先锋、新锐和极端。其中许多艺术品非常抽象深奥，让人有“如坠五里云雾”之感。一些作品干脆就是在几块大木板上刷上颜色，摆在展厅里。这些艺术品有何“艺术价值”，不敢妄议，也许是我的智力水平和审美能力不足，只能老老实实承认自己看不懂。(据说这些我们看不懂的艺术品，也能在艺术拍卖行拍出几千万美元的高价！）
但在二楼的展品中，倒是有一作品让人眼前一亮：——蔡国强的《草船借箭》。蔡是一位旅美华人艺术家，曾在2008北京奥运会开幕式上，创作出在北京夜空沿中轴线向鸟巢大步走去的29个焰火大脚印。《草船借箭》是他1998年的创作。有意思的是，这件作品也是馆内重点介绍的作品，但现场语音解说器只提供英语解说，——因为“草船借箭”是小学课本上的历史故事，家喻户晓，中国人一眼就能看明白。
⑺ 微型家具的电影
美国电影《 微型家具》
基本信息
片名： 微型家具
英文片名： Tiny Furniture
更多片名： 微型家私
导演： 莉娜·杜汉(Lena Dunham)
制片： 凯莉·马汀(Kylie Martin)
编剧： 莉娜·杜汉(Lena Dunham)
主演： 莉娜·杜汉(Lena Dunham)
类型： 剧情
地域： 欧美
国家： 美国
片长： 98分钟
发行公司： 独立电影频道
出品年份： 2010
上映日期： 2010-11-12 美国
剧情介绍
22岁的奥拉(莉娜·杜汉 饰演)刚从中西部文理学院毕业，带着对未来的一片迷茫回到了母亲的翠贝卡工作室。她几乎身无长处，可以拿出来说的寥寥无几：只有一个看起来毫无用处的电影理论学位，一颗没有方向感的大脑，一共357次点击量的Youtube页面，一名离她而去寻找自我的男友，和一只时日无多的仓鼠。算得上幸运的是，她童年的好友还住在这里，想找工作时恰逢饭馆招聘，单身的她还邂逅了几段浪漫。奥拉很快就把艺术专业抛到脑后，投身全新的生活，其中包括：一个没前途的主妇工作、在东村派对上冻得要死、从她母亲的普拉达钱包中偷走20块钱、参加在布鲁克林举办的可悲的“艺术展”、画了一个难看的纹身、喝光酒柜里所有的葡萄酒、与妹妹闹得翻天覆地。面对这些令人啼笑皆非的生活琐事，她只不过想知道自己是谁……
幕后花絮
本片的导演、编剧兼主演莉娜·杜汉，是一名与女主角身世相仿的新晋电影人。她在1986年出生，是一个典型的纽约女孩，于两年前毕业于欧柏林大学的创新写作专业。也就是那一年，她开始了这部电影的筹备工作。与片中过得非常辛苦，却依旧一事无成的奥拉不同，莉娜的生活多姿多彩：在2007年便制作了自己的第一部短片《Dealing》，参加了当年斯拉丹姆电影节的展映；在2009年创作了第一部长片《Creative Nonfiction》，电影讲述了一个大学女孩艾拉，试图分清将剧本创作与现实生活区别开来。本片受邀在西南偏南电影节放映；此外，她还制作了两部网络系列剧“Tight Shots ”和“Delusional Downtown Divas”，内容均与艺术系的大学生活息息相关；同一年，她还被委任为古根海姆举办的首届年度艺术奖进行创作。因为她的出色表现，《电影人杂志》评选她为“25个独立电影新面孔”之一。迄今为止，她已经制作了10部短片。除了电影制作外，她还撰写了许多与电影有关的文章。在《访谈杂志》、《Onion A/V Club》、《This Recording》和《Paper Magazine》等多本杂志上都能看到她的作品。
在《微型家具》中，不仅女主角的生活很贴近莉娜本人，剧中母亲和妹妹的扮演者均由她现实中的家人所扮演。她的母亲劳瑞·西蒙斯是一位具有国际知名度的艺术家、摄影家。在上个世纪七十年代，她的作品得到广泛的受到关注。其拍摄对象主要是布娃娃、口技玩偶、时装假人模特，极少的情况下会拍摄人。她用这些模特创造出极富心理潜台词的图像。这些作品大多数被收藏在纽约大都会博物馆、现代艺术博物馆、古根海姆，以及当代艺术博物馆等多家着名艺术殿堂。在2006年，她制作了自己第一部电影《The Music of Regret》。莉娜的妹妹格蕾丝·杜汉，正如片中的设定，比她小6岁，曾就读于纽约圣安学校，在学校中，除了学生的身份外，她还是编剧和戏剧导演，她创作的诗歌还曾获得大奖。今年秋天，格蕾丝将正式进入布朗大学学习。
这部由三位才华横溢的一家人主演的电影，受到了许多评论家的赞誉。
⑻ 走进艺术大师专栏｜007“卢梭-寻找梦的宝藏”
推荐指数 : ★★★★★
主题 : 艺术大师
《ルソーの絵本・梦の宝さがし》(日)
《卢梭-寻找梦的宝藏》(中)
作者: [日]结诚昌子
《卢梭-寻找梦的宝藏》是《你好，艺术》这套书中的一本。
本书主要介绍了法国周日画家亨利·卢梭的代表作，着重展示了卢梭的“天真”绘画风格和他异想天开如梦境般的自然场景。
"大自然就是我最好的老师。"
—— 亨利 · 卢梭
不得不说这本《卢梭-寻找梦的宝藏》名字起的很好，虾虾对亨利・卢梭的作品不是很熟悉，但是很早以前看过《沉睡的吉普赛人》，对这副画有印象，感觉是一个静谧而又诡异的梦境，类似某些杂志的插图，但又让人记忆深刻。
亨利·卢梭，法国后印象派画家。他是艺术史上很特别的存在，不像大部分的知名艺术家那样受过专业教育，亨利几乎完全是自学成才的。尽管他承认从 Félix Auguste Clément 和 Jean-Léon Gérôme 这两位学术风格的画家那里得到了一些“建议”。然而，在很大程度上，他的艺术作品都来自他的自我训练。由于他的风格缺乏当时其他艺术家的一些精致技巧，导致他被贴上“天真”画家的标签，并经常被评论家鄙视。
虽然卢梭有进入学院的“野心”，但一直都没有实现。他在41岁时才开始了他的艺术家生涯，已经过了上学的年龄，也没有富余的钱请老师，只能靠自学。卢梭来到巴黎，找到了一份小职员的工作，他一边工作一边画画。
亨利·卢梭在成名之前，没有人赞成卢梭去画画，他的生活是动荡不安的，唯一支持卢梭激情的是他对自己才华坚定不移的信念。
虽然亨利的作品被当时的艺术界诟病， 但是没想到他作品中鲜明的色彩、奇妙的意象和精确的轮廓源自流行的印刷文化的风格和题材，却引起了年轻一代前卫画家的共鸣。
更令人惊讶的是，卢梭的“天真”艺术与新生的印象派步调一致，很快就分成了一个完全不同的流派。他画作中的原始风格和奇幻元素，受到了毕加索和罗伯特·德劳奈的钦佩，这也让卢梭在有生之年有了最低限度的谋生手段。
我们一起来看看绘本中亨利・卢梭的作品《眺望塞尔夫桥》，卢梭一定是很喜欢各种交通工具的人，这张画里船舶、飞机、热气球、飞船都到齐了，桥上的小房子整整齐齐，水面也是平静无波， 秋日午后的安逸宁静，右边的树木像士兵的队列，桥很像小时候玩的木头积木，没有一丝风的感觉，整个场景仿佛揭示了一个儿童的梦境。
这幅画名字特别的长，《召唤艺术家参加第二十二届独立沙龙画展的自由女神》。顺带说一句， 独立沙龙是不需要审核的，所以卢梭每年都会选送一些作品去参展。
背景是法国的三色旗，吹喇叭的天使，飘扬的各国旗帜，穿着黑色正装的画家们都把选送的画夹在咯吱窝底下，队伍很长呢，看来参展的人不算少。中间欢迎的居然是只大狮子，不知道这些画家有没有瑟瑟发抖。
这张就是虾虾印象比较深刻的《沉睡的吉普赛人》，背景深邃，夜空中月亮皎洁，狮子就那么安静的站着，彩色头发的女人也安静的睡着， 她身无长物， 只有一根棍子和一个瓶子，和一把曼陀罗琴，画面的构成无比简单， 但能看出来是在沙漠腹地。
女人的条纹裙子和条纹布料以及黝黑的肤色和随身的乐器让人不由的联想到流浪吉普赛人。纯色的平面、简单的几何形状、梦幻般的氛围和异国情调的主题都集中在这副“简单”的画面里，也许这就是亨利的作品让人着迷的原因之一。
《被花豹袭击的马》，画面中心白马莫名的表情，妖异的长腿和除了斑纹很难识别的花豹，周围张牙舞爪的植物，让人看了就想哈哈大笑，虽然是个搏斗场面，但黄色的花儿裁判吹了哨子，咬人是犯规的。
亨利非常喜欢野外的场景，他说曾经过去墨西哥丛林。但据考证，亨利从来都没去过墨西哥，所以他所画的植物应该是法国植物园里观察到的。不过，在一个充满幻想的人脑子里，也许他自己根本就分不清哪些是真实的，哪些是梦境，他的世界也许就跟他的画一样离奇。
《梦》是纽约现代艺术博物馆的馆藏， 这幅画堆积了各种元素，整个画面被挤得满满当当， 但是又有种莫名的和谐感， 和其他画家喜欢表现得女性柔弱的一面不一样， 画面里的女子是非常强壮的，她的手指向画面的中心，一个黑色的吹奏乐器的人，一不留神就会被忽略。 树上长了很多鲜艳的果实，还站着同色的鸟儿，树下有狮子，这应该是卢梭很喜欢的动物之一。 仔细看，狮子右边还有一条大蛇，橘黄色的身体，第一眼看以为是尾巴，但是放大看，原来蛇头是半黑半橘的， 面对着画面的主角。
尽管在一生中受到很多的批评，但卢梭的风格却对下一代前卫艺术家产生了巨大的影响，如毕加索、费尔南德莱杰、马克斯贝克曼和整个超现实主义运动。诗人华莱士史蒂文斯和西尔维娅普拉斯也从卢梭的画作中汲取灵感，作曲家乔尼米切尔也是如此。甚至在现代， 广受好评的动画电影马达加斯加的场景也借鉴了卢梭的画作。
直到今天，卢梭的作品仍在继续展出，人们对他的画作的研究和欣赏比他一生中的任何时候都要多。
卢梭画了好多丛林画，虽然都不是在丛林里画的，他把幻想中的景物通过画面展现在大家的面前， 他的梦是简单、宁静，而又快乐的。卢梭是个有梦的画家， 他的经历离奇，但又真实， 只要有梦，坚持下去， 也许有一天就能成真。
Dreams
——泰戈尔
Dreams are lighthouses that
guide the direction of life.
A man without a dream is
like a bird without wings;
A man without a dream is
like a ship losing its direction.
Facing the sun,
it will be hope;
Brave growth is a kind of edge.
I believe that dreams
are the best faith.
It guides me forward and
makes me no longer hesitate.
Even if the road ahead is
full of thorns and difficulties;
Even in the face of failure,
pain and struggle.
As long as you make
your strong wings,
you can fly against the wind;
As long as we turn hope into strength,
miracles will fall from the sky.
I believe, I am me.
Unique and unstoppable;
Not afraid of loneliness,
not afraid of wind and waves.
Because of you,
side by side with me.
I believe in making great strides
towards my dream.
We can change the world,
we can realize our dreams.
⑼ 纽约现代艺术博物馆有什么收藏
博物馆最初以展示绘画作品为主，后来展品范围渐渐扩大，包括雕塑、版画、摄影、印刷品、商业设计、电影、建筑、家具及装置艺术等项目，直到现在，其艺术品数量已达15万件之多。主要展示从十九世纪末至今的艺术作品。该馆亦有不少美国现代艺术家的经典作品，如杰克森?波洛克、格鲁吉亚?欧姬芙、辛迪?雪曼、爱德华?霍普、安迪?沃荷、尚?米榭?巴斯奇亚、岑克?克罗斯、雷夫?巴格许与贾斯培?琼斯。
现代艺术博物馆同时也是将摄影艺术纳入馆藏的重要机构，在第一任摄影部主任爱德华?史泰钦的主持下，收入了不少新闻摄影与艺术摄影的杰作，并由约翰?札考斯基扩大规模，将电影、电影剧照等也纳入收藏，使得此馆成为美国电影与影片收藏的重镇。
该馆也针对设计作品开始典藏，包括有野口勇的设计产品、乔治?纳尔逊、保罗?拉兹罗、埃姆斯夫妇等设计的椅子、灯具。收藏品范围相当广，小从第一个能自动调整角度的滚珠轴承，大至一台贝尔47D1型的直升机。
纽约现代艺术博物馆内的座椅摆放和院中雕塑相呼应，充满了艺术感。
⑽ 实验电影的历史沿革
19世纪20年代的欧洲， 电影作为一种艺术媒介日渐成熟，随着社会精英知识分子对大众娱乐的抵触情绪的日渐弱化，以及在视觉艺术领域中先锋艺术家的大力倡导， 实验电影应运而生。.达达主义和超现实主义的艺术家也纷纷开始借助实验电影一展身手。
René Clair拍摄的Entr'acte就是当时一部让人们发现除了那些疯癫的大众喜剧片以外也有莫测情节的艺术电影。像 Hans Richter, Jean Cocteau,，Marcel Duchamp， Germaine Dulac 和 Viking Eggeling当时也拍摄了不少经典的达达和超现实主义的短片。
这个时期最有名的实验电影一般认为是Luis Buñuel 和 Salvador Dalí's 合作完成的 Un chien andalou. 而更抽象的欧洲先锋电影的代表则是Hans Richter的动画短片和 Len Lye的 G.P.O 影片。
当时在法国的一些电影人也通过财政上的资助和通过在电影俱乐部来发行和放映他们的片子， 尽管这些电影还是偏重于情节叙事，而并不是严格意义上的先锋派的学院电影。电影研究学者 David Bordwell 称这些电影人为 French Impressionists （法国印象主义电影）包括 Abel Gance，Jean Epstein， Marcel L'Herbier 和 Dimitri Kirsanoff. 在这些电影中 包含了对情节叙事的实验探索 ， 律动跳越的剪辑风格和镜头的摇移， 以及对角色自身主观性的强调 ， 这些也构成了这类片子的特征。
1950年以 Isidore Isou的 Treatise on Slime and Eternity 在当年的嘎纳电影节上的放映引发的骚动为标志代表Lettrists（字母派）先锋艺术运动在法国的兴起。
这项运动的发展以针对Charlie Chaplin （卓别林）的批评的不同态度而走向分裂 。其中的Ultra-Lettrists （超字母派）
显然更加激进， 他们宣扬电影已死 ， 把（超级书写）（hypergraphical）的拍摄技巧展示给大众。 这其中最为瞩目的作品就是Guy Debord 拍摄于1952年的。
Howlings in favor of de Sade (Hurlements en Faveur de Sade)
与此同时，苏联的电影艺术家们也 在现代绘画和摄影艺术之外展现了 他们独特的蒙太奇理念。
像 Dziga Vertov，Sergei Eisenstein,，Lev Kuleshov， Alexander Dovzhenko 和 Vsevolod Pudovkin这样的电影就向我们展示了全然不同于1910-20年代的好莱坞主流电影的拍摄模式和风格， 所以尽管他们不是实验电影， 但也对丰富实验电影的语言和促进实验电影的发展传播做出了贡献。 The U.S. had some avant-garde filmmakers before World War II, but much pre-war experimental film culture consisted of artists working in isolation.
早在第二次世界大战前美国就出现了一些先锋电影人，但当时的情况是这些艺术家彼此做着自己的电影，对美国来说并没有形成一个整体和可以概括的实验电影文化及其团体。在 Rochester和 New York ,James Sibley Watson 和 Melville Webber一同执导了 The Fall of the House of Usher (1928) 和 Lot in Sodom (1933). Harry Smith, Mary Ellen Bute, 艺术家 Joseph Cornell, 和画家 Emlen Etting (1905–1993) 在19世纪30年代就制作了不少早期的实验电影杰作。而Christopher Young 也拍摄了一些明显受欧洲影响的实验电影。
1946年 ， Frank Stauffacher开始为旧金山艺术博物馆(the San Francisco Museum of Art )制作了几部名为 “电影中的艺术”的系列电影。（旧金山现代艺术博物馆(the San Francisco Museum of Modern Art)还有很多极有意味的实验电影在放映展出）
而由 Maya Deren 和 Alexander Hammid 于1943年执导的Meshes of the Afternoon 被认为是第一部有重要影响的美国实验电影。
它独立制作发行的模式也为后来的实验电影所沿袭， 而且也很快被 Cinema 16和一些类似的其他电影社团所采用。
不仅如此，这部影片同时也确立了一种实验电影所能达到的美学典范。
这部电影的梦幻般的感觉溶绘了 Jean Cocteau 和一些超现实主义的色彩，同时又具有个人，新鲜和典型美国化的特征。
类似的还有Kenneth Anger, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, Willard Maas, Marie Menken, Curtis Harrington and Sidney Peterson这些艺术家拍摄的早期作品。
引人注目的是， 很多这些电影人都是洛杉矶Los Angles和纽约New York的一些有先锋艺术传统的大学开设的电影课程班的第一批学员。
当时在(黑山学院)Black Mountain College (现在已不存在) 和 San Francisco Art Institute(旧金山艺术学院)就开设了“非主流电影课程 。在Black Mountain College任教的Arthur Penn 提出一般大众包括好莱坞和一些艺术家以为商业电影和先锋电影互相排斥甚至是水火不容的观点是完全错误的。一个有力的支持他的观点的例子是 Nicholas Ray 和 King Vidor在他们各自离开好莱坞后的创作后期也拍摄创作先锋电影作品。 主要参考文章 ：《 结构电影》
电影社团和个人制作的模式在接下来的将近20年时间里一直发展。 到60年代初，一些美国的先锋电影人带来的一种新的理念，让人们日益关注。
接下来的情况正如 P. Adams Sitney描述的， 像 Stan Brakhage和一些美国实验电影艺术家们早期的的作品 着重的是作者的个人意识 ，如同文学作品中的第一人称的叙述一样， 将笔换成了镜头， 将纸换成了胶片。
而这时的 Brakhage 的 Dog Star Man则有所不同 ，这部作品不但从个人的自省转向更加抽象的观念，而且也明显带有抵制当时美国大众文化的倾向。
另一方面， Kenneth Anger 则在 Scorpio Rising 加入了摇滚乐（后来这被看作预见mtv之作），作品对当时好莱坞的经典影片也是极尽挖苦，嘲弄之能事。
Smith 和 Andy Warhol 两位更是在他们的作品中将这种对艳俗的挖苦和夸张模仿发扬光大, 这也是Sitney 说的 Warhol 和解结构电影的关系证据之一。
还有一些先锋电影艺术家更将传统电影的叙事框架抛离得越来越远。
尽管新时期美国电影还是更多的倾向于保留传统的叙事框架 但一些像Hollis Frampton and Michael Snow 这样电影人还是将上述抽象理念， 极简主义 ，对大众审美戏弄的尝试和解构唯物主义溶入自己的作品从而创造了一种后来被称作高度格式化的电影的概念 -- 对记录媒体本身进行再创作然后重新展示出来， 这包括对胶片， 投影效果， 还有最重要的--时间的再加工。
熟悉并习惯于好莱坞生产线上提供的那种梦幻电影的人们看到这种和自己审美趣味孑然相反而且还让人一时摸不着头脑的电影时自然对这种把电影解构成一堆单个元素的”胡乱“拼贴有不少争论。 尽管像Frampton后期的作品因为 Edward Weston, Paul Strand 和他人参与摄影的关系而简直可以说是一场迷幻的圣典了。
60年代末 P. Adams Sitney 发表于 Film Culture杂志上的一篇文章才使得结构电影的概念和与此相关的众多电影人为人们所知。随后逐渐地众多的电影人也开始拍摄更加”学院风格“的 ”结构电影“。
与上面的Sitney文章积极鼓吹不同， 一篇登载于第2000期的Art In America.的针对结构主义的评论就把这种为结构而结构的电影风格批评为保守和形式大于内容。 70年代发展的观念艺术给实验电影带来更近一步的冲击。 Robert Smithson , 一位主要活动于加洲的艺术家拍摄的不少影片就主要是记录了他本人制作的大地艺术及其相关的作品。
Yoko Ono 也加入了拍摄观念电影的潮流.。其中反响最大的作品 Rape ,，用镜头跟踪拍摄一位妇女的方方面面，记录一切，完全侵入她的生活直到她躲入自己的公寓，背影消失在观众的视线中。
大约就在这个时期新一代的年轻艺术家开始纷纷涉足这个领域，而他们中的很多人都曾是早前的先锋艺术家的学生 。
Leslie Thornton, Peggy Ahwesh和 Su Friedrich这样出色的艺术家通过自己的创做进一步拓展了构造主义艺术的表现内容同时不失其个人标志性的特色。 Laura Mulvey 的写作和拍摄的电影作品极大地推动了当时女性电影的发展,，以她的作品为标志女性电影开始呈现出蓬勃发展的景象.这些女性电影反映了当时常见的好莱坞电影中加强的男性对女性的俯视视角及男女不平等的性别规范对女性的侵害。
对这种矛盾和不平等的现象的反击和抵制是这些女性
电影的一大特征：
Chantal Akerman 和 Sally Potter 就是70年代其中最着名的2位女性电影艺术家。
Video art 在这时也作为一种新兴媒体出现在艺术创作的视野中，女性艺术家 Martha Rosler 和 Cecelia Condit 就 充分发挥了和展示了其优点和特色做出了出色的作品。
80年代， 女性主义，同性恋和一些政治题材的实验作品相继出现并引起人们的关注.。其中象
Barbara Hammer,，Su Friedrich,，Tracey Moffatt， Sadie Benning，Moira Sullivan 和 Isaac Julien 这样的电影人就通过自己的实验作品来寻求各自特异身份和政治
主张的大众认同。