日本电影发展史

❶ 日本恐怖片的历史发展

简略阐述日本恐怖片的历史发展与美学特色，并据此将日本恐怖片粗分为三类： 成于五十年代，并往往以英美恐怖片为原型或从中汲取灵感。（二战时期欧美多数国家的电影在日本被禁）
怪兽片（无疑可以看到金刚的影响，但将其置于核战阴影下的日本，并从50年代盛行于美国的科幻恐怖片中汲取了不少类型元素）
吸血鬼电影（以万能恐怖与汉默恐怖片为原型）
酷刑电影（以江户时期德川幕府的刑罚为原型。）
怪奇映画（改编自日本怪奇小说或推理小说，或以日本历史上的带传说色彩的真实事件为蓝本）
这一时期的日本恐怖片也逐渐变得色情（怪谈片同样如此甚至更甚），一如当时的欧洲的恐怖。
七十年代片场制式微后对于恐怖片的面貌有很大影响。体现在地下电影开始冒头，最着者如冢本晋也的《铁男》.原有的酷刑电影也变得更阴暗，并逐渐与暴力片合流（形成我所谓的酷刑血腥电影），后者受70年代美国的血淋淋电影的影响。这些似乎有些庞杂凌乱的发展趋势最终在90年代初催生出所谓的灵异电影。 这一时期的日本恐怖片不再简单模仿西方，且表现出较高的同质性（相对2而言）
表现在制作层面，片场制的式微使得绝大多数作品难以获得高昂的预算，因而多为低成本电影或为电视，录像制作的类电影产品。这对于其美学风格有很大影响，表现在手提，实景的运用（这两方面都非常重要），不少影片也表现出伪纪录片倾向（这种趋势在欧美恐怖片中也有，不过日本似乎更突出些）。
最重要的，此类影片在国内被冠名为心理恐怖--这其实不太准确，也未能与欧美早已有之的心理恐怖区分开来，但不管怎样，日式惊悚确实表现出一种区别于欧美乃至日本传统恐怖片的特色，这正是我试图在文中所详细分析的。
日本恐怖片不仅在商业上获得了巨大的成功，同时，以午夜凶铃、咒怨等为代表作的恐怖片无论从内容上、或是风格上、还有内在意识上都和世界恐怖片的总体氛围形成了鲜明的对照.在这一批影片中，灵异这一题材频繁出现，具有独特的东方式恐怖，与西方同类的复仇题材的恐怖片相比，鬼魂复仇反映出了深刻的审美和文化差异，因此，御灵成为日本恐怖片与西方恐怖片相比最为独特的差异。

❷ 影视欣赏的图书信息二

书号：12710ISBN：978-7-301-12710-0/J·0181
作者：于保泉,田丽红
版次：1 版5次
开本：16流
装订：平
字数：460 千字
页数：344
定价：￥38.00
出版日期：2011-07
丛书名：21世纪全国高职高专通识课规划教材 第一篇影视艺术发展史
第一章第七类艺术：电影
第一节电影的诞生
一、世界电影的诞生
二、中国电影的诞生
三、电影成为第七类艺术
第二节电影的界定和历史分期
一、关于电影的界定
二、关于电影的分期
三、关于本书的体例说日月
第二章世界电影发展史
第一节法国电影发展史
一、法国印象派电影(1918一1930)
二、超现实主义电影
三、法国的诗意写实主义电影(1930一1945)
四、法国新浪潮电影与“左岸派”电影
五、法国的“政治电影”
六、“新巴洛克”电影(1980一)
第二节美国电影发展史
一、美国早期电影
二、古典好莱坞电影时期
三、好莱坞电影的黄金时代
四、“新好莱坞”时期电影创作
第三节苏俄电影发展史
一、苏联早期电影
二、社会主义现实主义的电影
三、五六十年代苏联新浪潮电影
四、70年代的四大电影题材创作热潮
五、经典文学名着改编的苏联电影
六、80年代的苏联新电影
七、90年代以后的俄罗斯电影
第三章中国电影发展史
第一节中国的早期电影(1896一1932)
一、“影戏”时期
二、中国第一代导演与三大公司
第二节中国电影的成熟期(20世纪三四十年代)
一、电影的变革与流派
二、第二代导演与战后现实主义电影(1937l_1949)
第三节新中国电影(1949—1978)
一、“十七年”与“文革”时期的电影(1949一1978)
二、第三代导演与第四次创作高潮
第四节新时期电影(1978一)
一、新时期电影兴盛的背景
二、第四代导演
三、第五代导演
四、90年代以来的电影
五、第六代导演——新生代导演
第四章其他国家电影的发展
第一节意大利电影发展史
一、意大利的早期电影
二、意大利新现实主义电影(1942一1956)
三、1990年以后的意大利电影
第二节德国电影发展史
一、德国表现主义电影(1919—1926)
二、新德国电影运动
三、1990年以后的德国电影
第三节日本电影发展史
一、日本早期电影(1896—193，1)
二、有声电影出现与二战期间的电影(193l—1945)
三、独立制片运动(1945一1960)
第五章电视艺术的发展史
第一节电视机的历史
一、尼普可夫圆盘——电视的鼻祖
二、机械电视
三、电子电视
四、新媒介一家庭录像、电缆电视、卫星直播电视、多功能电视等
第二节电视剧艺术的发展
一、电视剧艺术的特征
二、电视剧发展的三个阶段
三、电视剧的分类
第三节世界各国电视剧的发展概况
一、英国
二、美国
三、苏联
四、日本
五、韩国
第四节中国电视剧艺术的发展
一、初创期——艰难的发轫(1958一1965)
二、停滞期——沉寂的荒漠(1966一1976)
三、复苏期——重要的转折(1977-一1979)
四、发展期——长足的进步(1980一1984)
五、成熟期——空前的收获(1985一1990)
六、繁荣期——迅猛的飞腾(1991一1998)
七、整合期——完美的突破(1998至今)
第二篇影视艺术制作流程
第六章影视艺术编剧
第一节影视剧本的创作
一、影视剧本创作作为文学作品的一般规律
二、影视剧本创作的特殊要求
第二节影视脚本的创作
一、以镜头为基本编写单位
二、以铺展画面为主
三、强烈的实用性与非文学性
四、导演是主要创作者
五、多样的具体写作形式
第七章影视艺术的导演
第一节导演的地位与素养
一、导演在影视创作中的中心地位
二、导演的主要工作内容与程序
三、导演的基本素养
第二节导演的构思艺术
一、在影视文学剧本的基础上构思
二、导演构思要运用电影思维
三、导演构思的文字结晶——导演阐述与分镜头本
第三节导演构思的体现
一、场面调度是实拍阶段体现导演构思的主要手段
二、演员表演是导演构思的主要形象载体
第八章影视艺术的表演
第一节表演艺术的基本原则
一、表演的“三位一体”性质
二、表现与体验
三、演员与角色
第二节影视表演的基本特征
一、影视表演的生活化原则
二、影视表演的独特形态
三、镜头前的表演
第三节影视演员
一、影视演员的基本素质
二、演员表演的类别
第九章影视艺术是集体艺术
第一节影视作品筹备阶段的集体合作
一、影视作品的选题与立项需要多方面的密切配合
二、剧本的创作已趋于工作室化
三、导演的案头准备工作需要多人参与
四、挑选演员和选择外景更需要各个方面协同合作
第二节拍摄阶段是各部门集体合作的过程
一、成立摄制组和彩排
二、实拍
第三节后期制作阶段的集体合作
一、剪接(剪辑)
二、混录
第三篇影视欣赏的理论基础
第十章影视的镜头元素
第一节影视的镜头元素
一、景别
二、焦距
三、镜头运动
四、镜头的角度
第二节蒙太奇
一、蒙太奇的含义
二、蒙太奇句子和句型
三、蒙太奇段落及其划分
四、蒙太奇转场
五、蒙太奇的构成方法
六、蒙太奇的叙述方法
七、蒙太奇的作用
第三节长镜头
一、长镜头的产生
二、电影技术的发展
三、巴赞的长镜头理论
四、长镜头的局限性
第十一章影视艺术的听觉、视觉造型元素
第一节影视声音发展概况
第二节影视的声音
一、听觉造型三元素
二、影视的声音
第三节影视中的言语及其欣赏
一、言语(人声)的定义
二、言语(人声)欣赏
第四节影视中的音乐及欣赏
一、音乐的定义
二、音乐欣赏
第五节音响
一、音响的定义
二、音响欣赏
第六节影视的色彩
一、影视色彩的表现作用
二、影视作品色彩处理的几种情况
三、影视作品色彩的处理
四、电影作品中的色彩感受
附世界经典电影欣赏
参考文献 于保泉，东营职业学院副教授。

❸ 电影的发展过程

世界电影的产生和发展如下：

（一）十九世纪30年代，电影开始了它的诞生前的技术准备期，也叫做发明期。

早在1829年，比利时着名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。

“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。

摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。

1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功。

接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。

在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片《一杯可口的啤酒》。

1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。

1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易卢米埃尔兄弟，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片《卢米埃尔工厂的大门》获得成功。

同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有《火车到站》、《水浇园丁》、《婴儿的午餐》、《工厂的大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。史学家们认为，卢米埃尔兄弟所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。

（二）1896-1912年，电影从幼年期迅速成为一种艺术

早期的电影，还没有脱离刚刚诞生的痕迹，它以杂耍和魔幻术的姿态，使人们感到新奇。从《火车到站》、《膝行的人》到《水龙出动》、《水龙救火》、《扑灭大火》、《拯救遭难者》等影片，卢米埃尔创造了最早的新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等影片样式。卢米埃尔电影最突出的特点是纪实性，它直接拍摄真实的生活，给人以身临其境之感，成为写实自然主义电影风格的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。

卢米埃尔的生活纪实短片在持续放映了一年半时间以后，人们的兴趣就在明显的减弱，以至最后再也无人问津了，这不能不说是时代的局限和自然主义的局限造成的。但刚起步的困境，并没有影响电影的大势所趋，另一位法国电影先驱乔治梅里爱应时而出，他使电影从一种纪实性的“活动照相”(亦称运动画面)导向了艺术电影，为电影的发展作出了许多创造性的贡献。

（三）1913-1926年，无声电影走向成熟

梅里爱在完成他第430部影片之后，于1913年退出影坛，最后惨死在街头。一代巨匠在为电影艺术的发展做出巨大的贡献之后，就这样靠别了世界。梅里爱的衰落和好莱坞的兴起，标志着电影已告别了它的幼年时期，而进入了成熟期阶段。

格里菲斯在1915年以艺术家的勇气拍摄出了世界电影史上的经典无声片《一个国家的诞生》，在1916年又拍摄了《党同伐异》。这两部被誉为电影艺术的典基之作，标志着电影成为艺术的起始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影水平的最高境界，也是世界电影史上的两部经典之作。

格里菲斯的不朽功绩是突破了梅里爱时期戏剧电影若干陈旧的陋习。作为第一人，在拍片时，他让摄影机移动起来，极大地丰富了电影语言，开创性地使用了“特写”、“圈入”和“切”的手法，又使蒙太奇成为电影艺术的重要组接手段。在梅里爱的特技摄影和英国布赖顿学派对蒙太奇的早期发现的基础上，格里菲斯创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一个国家的诞生》里，他充分运用了他发展的特技和蒙太奇语言，影片集中体现了当时欧美电影艺术探索的成果。

这部影片在广阔宏伟的历史场景中，较好地发挥了电影艺术时空的跳跃自如的特性，同时体现了蒙太奇多线对比、交替的作用。全片由一千多个镜头组接而成，不同景别的转换使用，灵活多变的摄影技巧，是格里菲斯在电影史上的大胆创造。在影片中，近景及特写等不同景别的组合运用，和谐、变换，各得其所。如大远景，他用来表现两军对峙交火的战争场面；特写，他用来表现人物的细部动作。在拍摄三K党信马飞驰的场面时，格里菲斯将摄影机安装在卡车上，追逐奔马进行跟拍，取得了紧张、逼真、生动别致的画面效果。

一年后的《党同伐异》也是标志格里菲斯毕生成就的影片，冲破了古典戏剧的“三一律”限制，创造了开拓银幕时间、空间的“多元律”。影片将不同时代的事件加以排比和集中，极大地丰富了电影语言，又丰富并发展了平行蒙太奇语言。这部精典巨作，以其疏密相间的节奏，溢彩流光的画面，移动摄影的美感，宏伟开阔的大胆构思，在电影史上占有重要地位，促进了电影艺术的发展。

（四）1927-1945年，电影作为一种艺术走向成熟

1927年是电影史上具有划时代意义的一年。《爵士歌王》影片的诞生标志着有声电影时代的来临，同时也是电影走向成熟期的标志。声音使电影由单纯的视觉艺术，发展成视听结合的银幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大发展了电影的本性，为电影艺术开拓了新的天地。有声电影从问世到推广，大约用了五、六年的时间，原因有认识上的、经济上的和技术上的。

特别是一批有名的电影艺术家，留恋无声电影时期的美学原则，过多挑剔了刚问世的有声电影的一些弱点。但是，随着电影艺术家对声音控制运用能力的增强，以及录音设备、技术条件的改善，有声电影才得以正常的发展。

声音进入电影之后，蒙太奇不仅是画面组合，同时也扩展至声画的对位或对立，因而丰富了蒙太奇的内涵手段。有声电影取代无声电影，是符合电影发展的客观规律的，也是有其客观必然性的，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发达的时期。1933年以后，由于技术的进步，电影制作中同期录音得以改为后期录音，电影摄影又变得灵活而富有生气了。同时，蒙太奇理论和手法都有了较大的发展。苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》一片时，就曾用声画对位和对立的配音方法来加强影片效果，使观众耳目一新。

（五）1946-1959年，电影艺术进入了重要的发展时期

这一时期，世界电影呈现多头并进的曲折发展时期。美国电影在战后一段时间里，在世界各地受到了冷遇；战后的苏联及其东欧国家形成四足一方，大体沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，少有突破和进展。

这一时期，苏联的一些电影工作者拍摄出了一批有感情冲击力的战争片和有一定形象感染力的人物传记片。如《青年近卫军》、《攻克柏林》、《易北河会师》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海军上将乌沙科夫》。在斯大林逝世后，苏联电影在"解冻文学"的思潮影响下，开始走出僵化的模式。继1957年卡拉托卓夫《雁南飞》以后，苏联电影便出现了再度大发展的局面。

西欧的电影大国，如英、法、德、意，构成当时四足并立的另一极。战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入特殊的时期，在困难和对手挑战下，不仅没有委缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣发展。在东方，主要是日本、中国、印度的电影出现了长足的新发展，并先后进入了世界大国之列。

日本电影在东方起步较早，二战期间日本电影步入歧途，而战后不久便获得新生。尤其在1950年黑泽明的《罗生门》以后，日本电影引起了世界的关注。印度电影在三十年代开始也有了较好的狭窄的发展。进入本时期后，印度电影因受意大利、法国和苏联电影的影响，逐渐从追求豪华的音乐歌舞片而转向现实。1953年，拉基卡普尔导演的《流浪者》和比麦尔洛埃的《两亩地》等影片标志着印度电影的新面貌。

在1955年，印度影片产量达285部，仅次于日本成为世界第二位。现在，印度电影每年产量多达700部左右，成为世界电影产量第一大国。

网络--电影发展史

❹ 电影经历了哪几个阶段

世界电影发展史：按时期，比如形成期、发展期
http://wenku..com/view/e136e8fafab069dc5022015d.html
～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～
摘要：

电影是有丰厚的历史的，一个多世纪的历程，真是人类文明史上的光辉。各国流派纷呈，电影无论从语言还是从技术都在不断新陈代谢。任何时代的哲学思想都影响到电影的创作，以反映时代的印记。电影从诞生开始，走过了发明期，形成期，成熟期，发展期，突破期。电影的诞生，给人们的生活方式和思想道德都带来了巨大的影响 。

关键词：电影 发展史 世界电影 电影艺术 电影文化 诞生

（一）十九世纪30年代，电影开始了它的诞生前的技术准备期，也叫做发明期。

早在1829年，比利时着名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。

摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候 “运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的 “转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年9月，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。

在1888-1895年期间，法、美、英、德、比利时、瑞典等国都有拍摄影像和放映的试验。1888年，法国人雷诺试制了 “光学影戏机”，用此机拍摄了世界上第一部动画片《一杯可口的啤酒》。1889年，美国发明大王爱迪生在发明了电影留影机后，又经过5年的实验后，发明了电影视镜。他将摄制的胶片影像在纽约公映，轰动了美国。但他的电影视镜每次仅能供一人观赏，一次放几十英尺的胶片，内容是跑马、舞蹈表演等。他的电影视镜是利用胶片的连续转动，造成活动的幻觉，可以说最原始的电影发明应该是属爱迪生的。他的电影视镜传到我国后被称之为 “西洋镜”。

1895年，法国的奥古斯特卢米埃尔和路易卢米埃尔兄弟，在爱迪生的 “电影视镜”和他们自己研制的 “连续摄影机”的基础上，研制成功了“活动电影机”。“活动电影机”有摄影、放映和洗印等三种主要功能。它以每秒16画格的速度拍摄和放映影片，图像清晰稳定。1895年3月22日，他们在巴黎法国科技大会上首放影片《卢米埃尔工厂的大门》获得成功。同年12月28日，他们在巴黎的卡普辛路14号大咖啡馆里，正式向社会公映了他们自己摄制的一批纪实短片，有《火车到站》、《水浇园丁》、《婴儿的午餐》、《工厂的大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一个利用银幕进行投射式放映电影的人。史学家们认为，卢米埃尔兄弟所拍摄和放映已经脱离了实验阶段，因此，他们把1895年12月28日世界电影首次公映之日即定为电影诞生之时，卢米埃尔兄弟自然当之无愧地成为 “电影之父”。

（二）1896-1912年，电影从幼年期迅速成为一种艺术

早期的电影，还没有脱离刚刚诞生的痕迹，它以杂耍和魔幻术的姿态，使人们感到新奇。从《火车到站》、《膝行的人》到《水龙出动》、《水龙救火》、《扑灭大火》、《拯救遭难者》等影片，卢米埃尔创造了最早的新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等影片样式。卢米埃尔电影最突出的特点是纪实性，它直接拍摄真实的生活，给人以身临其境之感，成为写实自然主义电影风格的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。卢米埃尔的生活纪实短片在持续放映了一年半时间以后，人们的兴趣就在明显的减弱，以至最后再也无人问津了，这不能不说是时代的局限和自然主义的局限造成的。但刚起步的困境，并没有影响电影的大势所趋，另一位法国电影先驱乔治梅里爱应时而出，他使电影从一种纪实性的“活动照相”(亦称运动画面)导向了艺术电影，为电影的发展作出了许多创造性的贡献。

作为机械师，梅里爱制造了一整套机关、机器和舞台道具；作为画家，他制造了无数个布景和服装；作为魔术师，梅里爱运用了丰富的想象力，创造了许多新的特技；作为作家，他不断创造出新的剧本；作为演员，他是他节目中的重要角色；作为导演，他懂得怎样设计和调动一个小剧团。乔治萨杜尔在《世界电影史》中说：“梅里爱天才的特征，在于有系统地将绝大多数戏剧上的方法如剧本、演员、服装、化妆、布景、机关装置以场景的化分等等，应用电影上来。”他在这方面所取得的经验，直到今天还以各种形式保留在电影中。

梅里爱以照相的特技代替了舞台上的机械装置，同样，由于无声电影的需要，梅里爱也特为演员们发明了一种新的演技。这种演技虽和哑剧的演技有所不同，但着重夸张，突出手势，因为它非常注意动作，而对面部表情极不重视。影片《灰姑娘》是梅里爱戏剧电影的代表作，这部取材于欧洲着名童话故事的影片，巧妙地运用了诸种特技手法，把南瓜变成车子；把老鼠变成了马车夫，对于特技摄影的开创性运用，是梅里爱对于电影的又一个贡献。

1902年，梅里爱根据儒勒凡尔纳和HG威尔斯的两部有名科幻小说编导了着名的科学幻片《月球旅行记》。这是他的高峰作，在电影史上产生了深远影响。影片描述了一群身着星相家服装的天文学家到月球上去旅行的奇幻故事。他们来到一座奇怪的机器制造厂，一些漂亮的女海员搬来一个大炮弹状的飞行器，当天文学家坐进去后，他们被反射到了月球。天文学家们从飞行器里出来，欣赏了月球火山口附近平原的奇妙风光；他们还受到了由美女扮演的星神们的欢迎。天黑以后，他们从梦中被冻醒，就钻进了一个大洞窟里，在里面看到了月亮神、巨型蘑菇和各种稀奇古怪的东西。几经危险周折，他们又乘炮弹飞行器飞回地球，经过海底奇异的旅行，在一座雕像的揭幕典礼中结束。梅里爱对电影艺术的贡献，使电影在成为一门独立的影像视听艺术的道路上向前迈进了一大步。

在这一时期，不能不提到的是拍摄了《火车大劫案》的鲍特。鲍特在《火车大劫案》中第一次用14个场景来构成一部电影，而在此之前的梅里爱的影片都是从头到尾一个镜头。《火车大劫案》第一次使用多场景来构成电影(严格说来它还不算真正的电影，因为那时候没有镜头变化)。鲍特的影片里有了特写，电影史上很有名的镜头就是让手枪对着观众，在影片里已经初步尝试，但是，对这种镜头的美学功能，它的作用还根本没有任何有意识的认识，所以这只是一种自发的开始走向电影艺术的一个阶段。

在无声电影阶段，对电影发展做出了巨大贡献的是美国的格里菲斯、卓别林和苏联的爱森斯坦。

1908年，大卫格里菲斯加入了爱迪生公司，一开始时当演员，后来当导演。从1908年到1912年间，他共导演了大约四百部影片。在《孤独的别墅》中，他创造了“平行蒙太奇”，标志着电影已完全摆脱了舞台剧的束缚，电影的时空得到了极大的扩展。

这时期美国出现的布赖顿学派对电影艺术的发展也起到重要的作用。布赖顿学派的代表威廉保罗在《彼卡德里马戏团的摩托车表演》中成功运用了移动摄影。威廉逊还在《中国教会被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戏剧式场面，以划分两头的交切手法造成剧情的渐次紧张，给其后的惊险片特别是美国的 “西部片”开了先河。布赖顿学派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大镜》和《望远镜中的景象》中，同一场景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特写和远景相结合手法的交替使用对电影语言的开拓与应用作出了贡献。此外，布赖顿学派的柯林斯和哈桥梁尔分别拍摄了《矿工的生活》与《煤矿爆炸惨案》、《囚犯的越狱》等真正描写现实生活的影片。这一时期，被称为世界上第一座电影城的法国万森市，被誉为“世界电影首都”，拥有“百代”“高蒙”两大电影制片公司。1903至 1909年也因而被称为世界电影史的“百代时期”。

1908年，世界上第二座影城——好莱坞也在拍摄《基度山伯爵》时初具雏形。其时，只不过是摄影师汤马斯伯森斯和导演弗兰西斯鲍格斯共同搭建的一个小小的摄影棚，直到1913年才形成规模。

（三）1913-1926年，无声电影走向成熟

梅里爱在完成他第430部影片之后，于1913年退出影坛，最后惨死在街头。一代巨匠在为电影艺术的发展做出巨大的贡献之后，就这样靠别了世界。梅里爱的衰落和好莱坞的兴起，标志着电影已告别了它的幼年时期，而进入了成熟期阶段。

格里菲斯在1915年以艺术家的勇气拍摄出了世界电影史上的经典无声片《一个国家的诞生》，在1916年又拍摄了《党同伐异》。这两部被誉为电影艺术的典基之作，标志着电影成为艺术的起始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影水平的最高境界，也是世界电影史上的两部经典之作。

格里菲斯的不朽功绩是突破了梅里爱时期戏剧电影若干陈旧的陋习。作为第一人，在拍片时，他让摄影机移动起来，极大地丰富了电影语言，开创性地使用了“特写”、“圈入”和“切”的手法，又使蒙太奇成为电影艺术的重要组接手段。在梅里爱的特技摄影和英国布赖顿学派对蒙太奇的早期发现的基础上，格里菲斯创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一个国家的诞生》里，他充分运用了他发展的特技和蒙太奇语言，影片集中体现了当时欧美电影艺术探索的成果。这部影片在广阔宏伟的历史场景中，较好地发挥了电影艺术时空的跳跃自如的特性，同时体现了蒙太奇多线对比、交替的作用。全片由一千多个镜头组接而成，不同景别的转换使用，灵活多变的摄影技巧，是格里菲斯在电影史上的大胆创造。在影片中，近景及特写等不同景别的组合运用，和谐、变换，各得其所。如大远景，他用来表现两军对峙交火的战争场面；特写，他用来表现人物的细部动作。在拍摄三K党信马飞驰的场面时，格里菲斯将摄影机安装在卡车上，追逐奔马进行跟拍，取得了紧张、逼真、生动别致的画面效果。一年后的《党同伐异》也是标志格里菲斯毕生成就的影片，冲破了古典戏剧的“三一律”限制，创造了开拓银幕时间、空间的“多元律”。影片将不同时代的事件加以排比和集中，极大地丰富了电影语言，又丰富并发展了平行蒙太奇语言。这部精典巨作，以其疏密相间的节奏，溢彩流光的画面，移动摄影的美感，宏伟开阔的大胆构思，在电影史上占有重要地位，促进了电影艺术的发展。

这一时期，电影成为艺术已有公论；另一方面，这一时期，电影已经成为一种企业，电影到此时才有了真正的艺术作品。美国喜剧电影大师查尔斯卓别林，也是无声电影时期杰出的电影艺术家。1914年，编导了第一部影片《二十分钟的爱情》。接着，《阵雨之间》又问世，在这部影片中，第一次出现了流浪的夏尔洛的形象。1917年的《安乐街》里，夏尔洛形象显示了逼人的光辉。《夏尔洛从军记》一片标志着卓别林表演艺术的成熟。1919年，他自己集资建厂，成了好莱坞第一个真正独立制片的艺术家。20年代，他拍摄了一批以《淘金记》为代表的着名影片。卓别林一生有80部喜剧电影作品，其中《王子寻仙记》、《大独裁者》、《凡尔杜先生》、《摩登时代》和《淘金记》等代表作具有永久魅力。卓别林电影的最大特色是：具有鲜明的现实感和尖锐的讽刺性及雅俗共赏的大众化特色。萨杜尔先生对其作品作了如下评论：“卓别林的影片是唯一能为贫苦阶级和最幼稚的群众所欣赏。同时又能为水准最高的观众和学识渊博的知识分子所欣赏的影片”。

苏联的着名电影大师谢盖爱森斯坦是无声电影时期为蒙太奇理论的建立与发展作出举世瞩目的重要贡献的杰出代表。 1924年，他导演了第一部影片《罢工》，创造性地使用了杂耍蒙太奇，把沙俄军警屠杀工人镜头和屠杀牲畜的镜头组接在一起，使之交替出现，造成了怵目惊心的隐喻。1905年，他导演了世界电影史上最杰出的史诗式的无声片《战舰波将金号》，成功地在影片里表现了俄国1905年革命。该片曾多次在国际电影评选中获奖。影片中着名的敖德萨阶梯的场面、段落，已成为影响几代电影艺术家的经典性范例。1927年，他还导演了《十月》。 爱森斯坦的贡献在于对蒙太奇理论地阐述和艺术实践，使之成为一个完整的美学体系。爱森斯坦的艺术特点在于将格里菲斯创造的平行蒙太奇技巧向前推进了一大步；善于运用特写表现事物的内涵；利用镜头的交切形成蒙太奇节奏，揭示人物的内在情绪；充分发挥了蒙太奇的隐喻功能，形成“诗电影”的传统。

（四）1927-1945年，电影作为一种艺术走向成熟

1927年是电影史上具有划时代意义的一年。《爵士歌王》影片的诞生标志着有声电影时代的来临，同时也是电影走向成熟期的标志。声音使电影由单纯的视觉艺术，发展成视听结合的银幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大发展了电影的本性，为电影艺术开拓了新的天地。有声电影从问世到推广，大约用了五、六年的时间，原因有认识上的、经济上的和技术上的。特别是一批有名的电影艺术家，留恋无声电影时期的美学原则，过多挑剔了刚问世的有声电影的一些弱点。但是，随着电影艺术家对声音控制运用能力的增强，以及录音设备、技术条件的改善，有声电影才得以正常的发展。

声音进入电影之后，蒙太奇不仅是画面组合，同时也扩展至声画的对位或对立，因而丰富了蒙太奇的内涵手段。有声电影取代无声电影，是符合电影发展的客观规律的，也是有其客观必然性的，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发达的时期。1933年以后，由于技术的进步，电影制作中同期录音得以改为后期录音，电影摄影又变得灵活而富有生气了。同时，蒙太奇理论和手法都有了较大的发展。苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》一片时，就曾用声画对位和对立的配音方法来加强影片效果，使观众耳目一新。

1935年，马摩里安摄制了世界上第一部彩色故事片《浮华世界》。彩色胶片的发明，使得电影艺术又进入了一个新的发展阶段。声音和色彩促使电影更趋近于自然。有的电影创作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的艺术效果。

彩色电影的问世，标志着电影从诞生发展达到了完善成熟的发展时期，从此电影艺术进入了新的发展阶段。

（五）1946-1959年，电影艺术进入了重要的发展时期

这一时期，世界电影呈现多头并进的曲折发展时期。美国电影在战后一段时间里，在世界各地受到了冷遇；战后的苏联及其东欧国家形成四足一方，大体沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，少有突破和进展。这一时期，苏联的一些电影工作者拍摄出了一批有感情冲击力的战争片和有一定形象感染力的人物传记片。如《青年近卫军》、《攻克柏林》、《易北河会师》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海军上将乌沙科夫》。在斯大林逝世后，苏联电影在"解冻文学"的思潮影响下，开始走出僵化的模式。继1957年卡拉托卓夫《雁南飞》以后，苏联电影便出现了再度大发展的局面。西欧的电影大国，如英、法、德、意，构成当时四足并立的另一极。战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入特殊的时期，在困难和对手挑战下，不仅没有委缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣发展。在东方，主要是日本、中国、印度的电影出现了长足的新发展，并先后进入了世界大国之列。日本电影在东方起步较早，二战期间日本电影步入歧途，而战后不久便获得新生。尤其在1950年黑泽明的《罗生门》以后，日本电影引起了世界的关注。印度电影在三十年代开始也有了较好的狭窄的发展。进入本时期后，印度电影因受意大利、法国和苏联电影的影响，逐渐从追求豪华的音乐歌舞片而转向现实。1953年，拉基卡普尔导演的《流浪者》和比麦尔洛埃的《两亩地》等影片标志着印度电影的新面貌。在1955年，印度影片产量达285部，仅次于日本成为世界第二位。现在，印度电影每年产量多达700部左右，成为世界电影产量第一大国。

这一时期世界电影史上有着重要影响的是意大利的新现实主义电影。新现实主义电影中心代表人物是意大利《电影》杂志反法西斯影评家巴巴罗桑蒂斯和柴蒂尼等。出身于新闻记者和作家的年青导演是他们的响应者，主要包括：德西卡、罗西里尼、维斯康蒂、利萨尼、莫切里尼等。他们要求建立一种现实主义的、大众的和民族的意大利电影。他们的口号是：“还我普通人”；“把摄影机扛到大街上去”。他们十分重视作品的真实，尽可能使场景和细节具有照相性的逼真诚，基本上利用外景和实景拍摄；不大注重讲究文法，不强调蒙太奇剪辑；主张启用非职业演员，演员在表演中可以即兴对话。其代表作品主要有：《罗马11时》、《偷自行车的人》、《游击队》、《警察与小偷》、《大地在波动》、《橄榄树下无和平》、《米兰的奇迹》等。新现实主义电影的特点是取材大都是意大利的真实生活的纪实性写照。新现实主义电影在五十年代中期衰落，但对推动电影艺术的发展，是起到极其重大的作用的。

（六）1960年至今，世界电影从突破创新中走向多样化发展

继意大利“新现实主义”电影之后，世界电影史上又出现了规模巨大的第三次革新运动。这次电影运动始于法国，自1959年新浪潮兴起，法国电影出现了一条全新的、有效的打破商业电影垄断制片的道路。新浪潮的口号就是不要大明星，打破明星制度，不要花大价钱拍豪华影片，影片要接近生活等等。这股浪潮蔓延到了全世界，许多国家都出现了新浪潮。“新浪潮”电影运动是一个留下较多实绩，在世界电影发展过程中产生深远影响的电影运动。这次电影运动以反传统为旗帜，以非理性为基本特征，是对戏剧化电影更大的一次冲击。这次电影运动以夏布罗导演的《漂亮的塞尔杰》和《表兄弟》公映起始，特吕弗《四百下》，阿仑雷乃《广岛之恋》在戛纳电影节引起轰动为开端。其电影艺术特征是：影片呈现全新风格、意识流和闪回镜头为一些创作人员常运用的表现手段，情节松散，众多生活事件无逻辑地以无技巧手法编辑在一起，表现人物的潜意识活动，缺乏结构上的完整性。

新浪潮后期影片，现实主义完全被抛弃，影片陷入到狂乱、神秘和颓废的泥坑。其非理性、非情节化的倾向愈演愈烈，导致不久就衰落了，但由于声势浩大，且敢于突破创新，所以，在电影史上的影响是巨大的。它既确立和强化了导演的中心地位，又进一步发掘了电影的特性，丰富了电影的语汇，推动了这一时期电影的全球性的大发展，真正形成了电影题材的多样化、电影样式的丰富化和电影思潮与流派的多样个性化。

这一时期全世界的电影事业出现较大的发展。就连拉丁美洲、远东、阿拉伯世界和黑非洲电影都有了可观的发展，而过去巴西、阿根廷、墨西哥在世界电影史已占有一席之地，在这段时期，又有了新的发展，智利、古巴、玻利维亚等国电影也有了新的发展。这一时期，香港电影发展到充斥着整个中南亚电影市场，并影响着整个大陆的局面。所以，本时期世界电影已由过去的四足分立并进变成了全球性大发展。

❺ 经典日本动漫电影或者日本动漫电影发展史简介

到目前为止，可以成为日本动漫音乐史上最有代表性的作品，电影动漫中当然就是宫崎骏最经典的两部着作就数《天空之城》与《风之谷》。而这两部作品的

❻ 日本电影发展的特点

日本电影从1896年迄今，已有110多年历史，基本上可分为七个时期。 第一期（1896～1918）：电影传入日本 1896年，爱迪生发明的“电影镜”传入日本，而真正的电影是从1897年由稻胜太郎及荒井三郎等人先后引进了爱迪生的“维太放映机”和卢米埃尔兄弟的“活动电影机”开始的，其时，小西六兵卫也购入摄影机。在这一两年间输入了放映机和影片，并在全国巡回放映，称为活动照相，并沿用这一名称至1918年。 从1899年开始，日本自己摄制影片，以纪实短片为主。《闪电强盗》将当时社会上流传广泛的新闻话题搬上银幕，被认为是最早迎合时尚的故事片。主要演员横山运平遂成为日本第一个电影演员。 日本最早的正式影院是1903年建立的东京浅草的电气馆。最早的制片厂是1908年由吉泽商行在东京目黑创建的。《本能寺会战》（1908，牧野省三执导）为日本第一部由解说员站在银幕旁用舞台腔叙述剧情的无声影片。牧野省三因此被称为“日本电影之父”，但这类影片只是连环画式的电影。 1912年日本活动写真株式会社（简称日活公司）成立，拍摄了尾上松之助主演的一系列“旧剧”电影。松之助原是巡回演出的歌舞伎演员，1909年被牧野省三发现，他的第一部作品《棋盘忠信》问世后，使他成为最受观众欢迎的武打演员，有“宝贝阿松”之称。1914年，天然色活动照相股份有限公司（简称天活）成立，最初以摄制彩色电影为目的，但因仅有两种颜色，只能改拍普通的黑白电影，并且仍以拍摄“旧剧”影片与日活相抗衡。当时日活的向岛制片厂已在拍摄现代题材的“新派剧”。 第二期（1918～1931）：默片、倾向电影 1918年，由归山教正主持的电影艺术协会发起纯电影剧运动。归山在1919年摄制的《生之光辉》、《深山的少女》，为纯电影剧运动的试验性作品。这两部影片几乎全部利用外景拍摄，让演员在自然环境中表演，从而使电影从不自然的狭隘的空间解放出来。该协会主张启用女演员，以废除男扮女的传统做法；在影片中插入最低限度的字幕说明故事情节，废除解说员；采用特写、场面转换等电影技巧；通过剪辑使影片形成完整的堪称电影的作品。上述两部影片的实践虽然还不很成熟，但迈出了第一步，并为更多的电影工作者所接受。1920年，日本又创建了大正活动照相放映公司（简称大活）和松竹公司。大活聘请谷崎润一郎为文艺顾问，并从好莱坞招回了栗原喜三郎（托马斯），由喜三郎执导了谷崎编剧的《业余爱好者俱乐部》（1920）。松竹则请小山内熏指导，由村田实执导摄制了《路上的灵魂》（1921），这部影片被认为是日本电影史上的里程碑。松竹还在蒲田建立了制片厂，并采用了好莱坞的制片方式，建立了以导演为中心的拍片制度。这种革新促使日活公司急起直追，拍出了由铃木谦作导演的《人间苦》（1923）和沟口健二的《雾码头》（1923）。从此，“旧剧”影片改称“时代剧”影片，“新派剧”影片改称“现代剧”影片。 1923年9月1日，以东京为中心的关东地区发生强烈大地震，在东京的拍片基地濒于崩溃，不得不转移到京都。由于震灾后社会的动荡和经济萧条，一种逃避现实的所谓“剑戟虚无主义”的历史题材影片应运而生。这时苏联的电影蒙太奇理论以及德国的表现主义电影在日本已有一定影响，日本也拍出了一些强调视觉感的先锋派性质的电影。震灾后的电影复兴是从电影《笼中鸟》（1924）开始的，其主题歌带有浓重的感伤、绝望和自暴自弃的色彩，体现了当时的社会心理状态，因此大受欢迎。另一方面，由伊藤大辅导演、大河内传次郎主演的《忠次旅行记》三部曲（1928）是历史题材影片高峰时期的代表作；而现代题材影片的代表作则是阿部丰的《碍手碍脚的女人》（1926），1928年，五所平之助拍摄的《乡村的新娘》则是具有日本民族特色的抒情影片。当时的优秀影片还有小津安二郎拍摄的《虽然大学毕了业》（1929）、《虽然名落孙山》（1930）和《小姐》（1930）等，被称为“小市民电影”。 在这一时期，以佐佐元十和岩崎昶为代表的倾向进步的电影工作者，成立了日本无产阶级电影同盟，拍摄了一批反对帝国主义和资本主义剥削的短纪录片，如《无产阶级新闻简报》、《孩子们》、《偶田川》、《五一节》、《野田工潮》等。影响所及，一些制片厂推出了有进步倾向的故事片，被称为“倾向电影”，如伊藤大辅的《仆人》（1927）、《斩人斩马剑》（1929），内田吐梦的《活的玩偶》（1929）、《复仇选手》（1930）等。由于政府对电影加强检查，倾向电影只持续了两三年便被扼杀了。 第三期（1931～1945）：有声电影 日本的有声电影始于1931年，而银幕的全部有声化则到1935年才完成，第一部真正的有声片是五所平之助导演的《太太和妻子》（1931）。此后，被认为是有声电影初期代表作的影片是田具隆的《春天和少女》、稻垣浩的《青空旅行》、岛津保次郎的《暴风雨中的处女》和衣笠贞之助的《忠臣谱》。在《忠臣谱》中，衣笠贞之助具体运用了爱森斯坦，..的“视觉、听觉对位”理论，成功地采用了画面与声音的蒙太奇手法。 由于有声电影的出现，日本电影界出现了东宝、松竹和1942年根据“电影新体制”而创办的大映公司之间的竞争，形成鼎立局面。 这一时期最初五六年间，是日本电影艺术收获最多的“经典时代”。重要影片有内田吐梦的《人生剧场》（1936）、《无止境的前进》（1937）、《土》（1939），沟口健二的《浪华悲歌》（1936）、《青楼姊妹》，小津安二郎的《独生子》（1936），田具隆的《追求真诚》（1937），岛津保次郎的《阿琴与佐助》（1935）、《家族会议》（1936），熊谷久虎的《苍生》（1937），伊丹万作的《赤西蛎太》（1936），清水宏的《风中的孩子》（1937），山中贞雄的《街上的前科犯》（1935），衣笠贞之助的《大阪夏季之战》（1937）等等。其中《浪华悲歌》、《青楼姊妹》属“女性影片”，被视为这一时期现实主义作品的高峰。影片《土》，是第一部接触到封建剥削制度的现实主义的农民电影。 1937年日本发动侵华战争后，统治者加紧对电影的控制，禁止拍摄具有批判社会倾向的影片，鼓励摄制所谓“国策电影”。一些不愿同流合污的艺术家便致力于将纯文学作品搬上银幕，以抒发自己的良心，并在名着的名义下逃避严格的审查。1938年达到鼎盛。 在此前后，被搬上银幕的名着除了尾崎士郎的《人生剧场》和石川达三的《苍生》外，还有山本有三的《生活和能够生活的人们》（五所平之助导演，1934）和《路旁之石》（田具隆导演，1938），矢田津世子的《母与子》（涩谷实导演，1939），岸田国士的《暖流》（吉村公三郎导演，1939）等一系列影片，维系了日本电影的一线光明。 随着1939年电影法的制定、1940年内阁情报局的设立、1941年太平洋战争的爆发，所有影片几乎都被限定配合战争的叫嚣。至1944年，拍摄了诸如《五个侦察兵》（1938）、《土地和士兵》（1939）、《坦克队长西住传》（1940）、《夏威夷马来亚近海海战》（1942）、《加藤战斗机大队》（1944）等。 在阴云密布的岁月里，能够在创作上始终坚持自己意志和风格的艺术家寥寥无几。小津安二郎和沟口健二被认为是其中的佼佼者。小津未按照军部的意愿行事，拍出了《户田家兄妹》（1941）和《父亲在世时》（1942）两部体现他独特的澹泊风格的影片，与鼓吹战争背道而驰。前者反映了家族制度行将崩溃，后者是小津作品的永恒主题，即父子问题。沟口健二则有意识地逃避到歌舞伎等古典艺术中去，从而避开现实的战争问题，拍摄了《残菊物语》（1939）、《浪花女》（1940）、《艺道名人》（1941）“艺道”三部曲。此外，稻垣浩导演的《不守法的阿松的一生》（1943）以描绘社会底层的人生深受观众欢迎。这些作品给处于窒息状态的日本电影带来一股新鲜空气。 为了推行侵略战争，日本政府加强了新闻、纪录电影（当时称为文化电影）的工作，于1941年成立了官办的日本电影社（简称日映），拍摄了《空中神兵》等战争纪录片。但是一批纪录电影工作者却始终坚持摄制科教片，特别是大村英之助领导的艺术电影社，如厚木高、水木庄也、上野耕三、石本统吉等人，选择具有社会性的主题进行创作，拍摄了石本的《雪国》（1939）以及由厚木编写剧本、水木导演的《一个保姆的纪录》（1940）等影片，维护了由无产阶级电影同盟创始的追求真理的创作原则。 在日本电影黑暗的40年代，青年导演黑泽明以处女作《姿三四郎》（1941），木下惠介以处女作《热闹的码头》（1943），冲破种种不利条件脱颖而出。 ~~期待满意啊~~

❼ 美国、日本、韩国20世纪中后期电影发展

日本：文艺片--岩井俊二，恐怖片--清水祟
韩国：没有
美国：太多，自己找去，近年来的看IMDB前100的片子里的那些大导们都很牛的。
电影反应的主要是社会和历史北京，崛起要看受众群体。
不好说。

❽ 日本恐怖电影的发展历史

日本恐怖片的另类风格和东方色彩，以及依赖故事和角色来制造心理恐怖的方式，大大有别于好莱坞依靠特效和血腥的手法。
日本恐怖片都是利用了人的心理才获得成功。每个人在心里总是有害怕的东西，有些东西就算原来不怕，听过看过之后，会在脑海里留下一些印象，就是潜意识。再加上一些令人毛骨悚然的画面和音效，就让人的沉浸在一种恐惧的心理中。也许就是对死亡的恐惧，那是最本能的心理。这个通常是惊悚片里用来折磨人精神承受力方法。
简略阐述日本恐怖片的历史发展与美学特色，并据此将日本恐怖片粗分为三类：

怪谈片
形成于战前并于五十年代后期至六十年代臻于全盛，至七十年代趋于消亡。此类影片以日本传统的怪谈（故事）为剧情蓝本，将歌舞伎能剧美学融入电影。其情节模式或较为单一，这恰使其摆脱了叙事铺陈的束缚，而致力于古典美感的场面调度与视觉营造，甚而追求那种幽玄的意境。

过渡时期的诸种日本恐怖类型
成于五十年代，并往往以英美恐怖片为原型或从中汲取灵感。（二战时期欧美多数国家的电影在日本被禁） 怪兽片（无疑可以看到King Kong的影响，但将其置于核战阴影下的日本，并从50年代盛行于美国的scifi horror中汲取了不少类型元素） vampire film（以Universal Horror与Hammer Horror为原型） torture film（以江户时期德川幕府的刑罚为原型。） 怪奇映画（改编自日本怪奇小说或推理小说，或以日本历史上的带传说色彩的真实事件为蓝本） 这一时期的日本恐怖片也逐渐变得erotic（怪谈片同样如此甚至更甚），一如当时的European horror。 七十年代片场制式微后对于恐怖片的面貌有很大影响。体现在地下电影开始冒头，最着者如冢本晋也的《铁男》.原有的torture film也变得更阴暗，并逐渐与splatter film合流（形成我所谓的torture-splatter film），后者受70年代美国的splatter，proto-slasher film的影响。这些似乎有些庞杂凌乱的发展趋势最终在90年代初催生出所谓的

J-Horror
这一时期的日本恐怖片不再简单模仿西方，且表现出较高的同质性（相对2而言） 表现在制作层面，片场制的式微使得绝大多数作品难以获得高昂的预算，因而多为低成本电影或为电视，录像制作的类电影产品。这对于其美学风格有很大影响，表现在手提，实景的运用（这两方面都非常重要），不少影片也表现出伪纪录片倾向（这种趋势在欧美恐怖片中也有，不过日本似乎更突出些）。最重要的，此类影片在国内被冠名为心理恐怖--这其实不太准确，也未能与欧美早已有之的psychological horror区分开来，但不管怎样，J-Horror确实表现出一种区别于欧美乃至日本传统恐怖片的特色，这正是我试图在文中所详细分析的。 日本恐怖片不仅在商业上获得了巨大的成功，同时，以<；午夜凶铃>；、<；咒怨>；等为代表作的恐怖片无论从内容上、或是风格上、还有内在意识上都和世界恐怖片的总体氛围形成了鲜明的对照.在这一批影片中，"御灵"这一题材频繁出现，具有母题的意义，与西方同类的复仇题材的恐怖片相比，御灵复仇反映出了深刻的审美和文化差异，因此，御灵成为日本恐怖片与西方恐怖片相比最为特殊的题材.

吸引人的五大要素
具有双重性的女性主角
日本恐怖片中的主角多为女孩，她们既美丽又恐怖。在表现出骇人的残忍和邪恶的同时，也有令人同情和惋惜的一面。无论是贞子、花子或是恶灵，她们身上邪恶而恐怖的力量都源自人性深处的黑暗，源自心灵的不安宁与强烈的孤独感。影片在恐怖的外表下呈现的是一个悲剧性的人物。这种双重性因素正是日本恐怖片的关键元素之一。《午夜凶铃2》中的莎玛拉就秉承了贞子的特质。
虚无缥缈的恐怖意象
日本恐怖片深得东方神秘主义的传统，恐怖不是来源于视觉刺激，而是来源于想象。《午夜凶铃》系列、《鬼娃娃花子》等日本恐怖片中鬼怪的形象都是不确定的缥缈幻影，这种若即若离、若有若无的处理手法让观众的期待心理愈加浓厚，恐怖感水涨船高。这体现了东方文化长于写意的一面，有浓郁的东方玄学色彩。
寓动于静的内敛气质
日本文化有内敛气质，寓动于静是日本恐怖片的一大特性。日本版的《午夜凶铃》中没有好莱坞恐怖片中常见的血腥和暴力，黑白灰的基本色调、缓慢的节奏、平淡的对白，用日本文化中独有的沉稳与冷静来叙事，却步步为营地迎来让人屏住呼吸的至惊至恐。它用一种相对原始的电影语言，突出表现了对意境的营造、悬念的铺垫，用影片节奏、光线、化妆和配乐来给观众营造一种从内至外的恐怖。
源于日常生活的恐怖元素
日本恐怖片的道具都是日常用品，常常出现录像带、电话、头发、镜子、影子、水、废弃的建筑以及莫名其妙现身的东西。真正的恐怖不是恶形恶状的鬼，而是一束冰冷的目光、一丝邪恶的微笑和某些你欲知未知的、带禁忌性质的隐秘。中田秀夫此次在《午夜凶铃2》中，仍旧反复运用日常生活中的情景－－突发的电话声和没关的水龙头。
末日意识的时空观
日本恐怖片中常有的主题是人类如何在封闭的空间中招惹鬼灵。撞鬼的空间往往幽闭如同荒岛，这种空间的处理方式明显是对岛国的暗喻。由于日本时常受水害的侵扰，因此水被看作死亡的象征，“水”的意象也成为日本恐怖片中标志性的元素。另外，时间也一直给日本人带来恐惧，尤其是当时间被注入讯息，变成历史之后。这可以追溯至如樱花般短命的大正时期，大正天皇在位期间发生的关东大地震造成死伤无数，成为日本历史上的醒目坐标，由此产生的末日意识成了近代日本的恐怖源头。此次《午夜凶铃2》为了拍出水的恐怖和末日感，就专门到一个荒岛取景。

比较着名的日本恐怖片
午夜凶铃系列
咒怨系列（清水崇的，东方恐怖，极其邪恶！）
鬼娃娃花子（跟贞子一样出名）
美发尸（又名《恐怖爆发》）
鬼水凶灵（原着铃木光司，《午夜凶铃》作者）
预言（鹤田法男导演）
富江系列（伊藤润二原着，清水崇导演）
鬼来电系列
东瀛鬼咒（分五个故事，有大导演）
稀人（冢本晋也+清水崇）
壁男（风格很特别）
铁男系列（很cult，冢本晋也作品，特技不错，不太恐怖）
感染（清水崇导演）
恶梦侦探系列（冢本晋也作品，特技没的说）
出航噩梦（铃木光司原着，鹤田法男导演，被收在美剧《恐怖大师》里了）
轮回（清水崇导演）
濒死之绿（乙一原着）
催眠
匹诺曹946号
漩涡（伊藤润二原着）
阴阳师系列（绝对经典）
怪谈比留子（冢本晋也编导）
裂口女（感觉很像《咒怨》）
涉谷怪谈系列
半身死灵
美味地下铺
日韩恐怖片（非排行榜）
1303大厦
死魂曲
怪谈新耳袋
裂口女
恐怖童话
下水道的人鱼（禁片，非常恶心，不建议观看）
传染歌
鬼卜怪谈
灵缚
怪谈鬼人偶
尸怨
鬼家怪谈
大逃杀
真奈的诅咒
鬼样少年少女
最后的晚餐
鬼井

望给分，谢谢。