美国电影剪辑
‘壹’ 大家推荐几个厉害的电影剪辑师,最好是国外的,要把他们的资料作品也放上来。
希区柯克,作品有惊魂记;阿拉伯劳伦斯,作品有谍影重重、罗拉快跑、爆裂鼓手。
剪辑(Film editing),即将影片制作中所拍摄的大量素材,经过选择、取舍、分解与组接,最终完成一个连贯流畅、含义明确、主题鲜明并有艺术感染力的作品。从美国导演格里菲斯开始,采用了分镜头拍摄的方法,然后再把这些镜头组接起来,因而产生了剪辑艺术。
剪辑既是影片制作工艺过程中一项必不可少的工作,也是影片艺术创作过程中所进行的最后一次再创作。法国新浪潮电影导演戈达尔:剪辑才是电影创作的正式开始。
‘贰’ PR电影视频剪辑常用技巧有哪些
1、对比2、平行3、象征4、交叉剪辑5、主题
有目的的运用剪辑,可以引导观众的情绪反应。所以编剧和剪辑师都应该掌握剪辑技巧,因为他们的首要工作就是成为“观众的心理导师”。
1、 对比的手法是在剪辑中经常使用的。举一个比较形象的例子,假设我们的片子是要讲述一个忍饥挨饿者的悲惨处境,如果我们把一个富人愚蠢的暴食连接起来,那么这个故事将会变得更加的生动。对比剪辑就是建立在这样一个简单对比关系基础之上。对比的使用不光如此,我们还可以把单独的场景甚至场景中的镜头,与其他场景或场景中的镜头连接起来,这样,就等于间接强迫观众对两个情节进行比较,使得两方相互强化。对比剪辑是最有效的剪辑方法之一,也是最普通最标准的方法之一。
2、 平行剪辑的手法和对比剪辑有些相似,但更加广泛。现在,我们虚构一个场景:一个工人,罢工的领导者之一,被判决在早上5点执行死刑。这个段落就可以这么剪:工厂主,被判死刑工人的老板,喝的醉醺醺的离开饭店,他看了看手表,4点钟。然后是被判死刑的工人——已被带出囚室。工厂主按响门铃,问了下时间:4点30分,囚车在重兵押解下前行。开门的佣人——死刑工人的妻子——突如其来的残忍攻击,酩酊大醉的工厂主,他腿上的裤脚泛起,手臂下垂,我们可以清楚地看到,时间慢慢的指向5点。工人被执行绞刑。在这个例子中,两个不想干的事例,通过执行死刑迫近的手表时间,平行发展。冷酷厂长手腕上的手表,将会一直出现在观众的意识之中,因为它将工厂主与即将面对悲惨命运的工人联系在了一起。平行剪辑无疑是一种很有意思的剪辑手法,具有相当大的发展前景。
3、 象征剪辑手法。在影片《罢工》的最后,枪杀工人的镜头中,穿插了屠宰场宰牛的镜头。成功的说明了,对工人的枪杀就像在屠宰场宰牛一样。冷血,残酷。这种剪辑手法,可在不使用字幕的情况下,给观众意识中输入了抽象的概念。
4、 在美国电影中,交叉剪辑使用十分常见。最后段落常由同事发生并快速发展的两个情节构成。其中一个情节的发展,依赖于另一个结果。这种方法的最终目的是,通过对疑问的持续强化,给观众最大的刺激张力。让观众不停的问:“他们还来得及吗?他们还来得及吗?”
5、 主题的重复,在想要强调情节的基本主题时特别有用。
‘叁’ 推荐剪辑得很好的电影
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‘肆’ 2020年第92届奥斯卡金像奖,获得最佳剪辑提名的有哪些影片
第92届奥斯卡金像奖获得最佳剪辑提名的有:《极速车王》、《爱尔兰人》、《少年乔乔的异想世界》、《小丑》、《寄生虫》。最终获奖的是《极速车王》。
奥斯卡最佳剪辑奖是美国电影艺术与科学学院颁发一个专门针对电影剪辑技术的年度奖项。该奖项在1935年第7届学院奖颁奖典礼上首次颁发。
提名流程
奥斯卡的评选第一步是提名。学院下属的各个分会列出本专业有资格参与评选的影片片目表,交由各制片厂核对,同时各分会制定本专业奖项的评选细则并上报学院理事会审批。然后,各分会名下的会员以记名投票的方式,评选出得票数最多的五部影片或者个人,该名单一般在颁奖礼的前一个月对外公布。
最早的奥斯卡并未限定提名数量,致使有好几届提名最佳影片的影片总数超过了十部。从1944年开始,学院限定了各奖项最多只能有五个提名,而对于个人类奖项则根据参与拍摄的影片数量来定,不受限制。所以基于这种规则,对很多电影人来说,获得奥斯卡提名就是获得本专业同仁认可的至高荣誉。
(4)美国电影剪辑扩展阅读
奥斯卡的评选规则
学院名下的会员每位只能投两票,除了评选最佳影片的固定一票之外,另外一票则是与自己专业相关的奖项(比如导演委员会成员只能评选最佳导演奖,而四类表演奖则只能由演员评选产生)。整个投票过程类似一人一票的民主选举,全程采用不公开投票的方式。
开票和统计工作由学院指派的第三方会计师事务所来执行(70多年来一直由普华永道负责),最终的结果作为最扣心弦的悬念,在公证员的公证下封入一个个信封,留待颁奖典礼揭晓。
‘伍’ 电影中的剪辑手法的含义和作用是什么
蒙太奇(montage)在法语是"剪接"的意思,但到了俄国它被发展成一种电影中镜头组合的理论。蒙太奇基本上是俄国导演发展出来的理论,是由普多夫金根据美国电影之父格里菲斯的剪辑手法延伸出来,然后艾森斯坦也提出了相关性的看法。普氏认为两个镜头的并列意义大于单个镜头的的意义,甚至将电影认为镜头与镜头构筑并列的艺术。至少用远景而用大量特写的连接造成心理, 情绪, 与抽象意念的结果。艾森斯坦则受俄国辩证性哲学思维的影响,认为镜头间的并列甚至激烈冲突将造成第三种新的意义。当我们在描述一个主题时,我们可以将一连串相关或不相关的镜头放在一起,以产生暗喻的作用,这就是蒙太奇。例如:我们将母亲在煮菜、洗衣、带小孩、甚至父亲在看报等镜放在一起,就会产生母亲"忙碌"的感觉。 蒙太奇广义的来说是指剪接,以前的电影是没有剪接的 一卷十分钟拍到完才换另一卷,第一个把剪接用在电影上的是《波坦金战舰》,其中婴儿车由楼梯摔下、四周人在开枪、母亲紧张失措、这些画面交互剪接 产生紧张紧凑、隐喻的效果,成为电影史上空前的发明造就的经典。如果不甚了解,可参考普多夫金的“母亲”或艾森思坦“波坦金战舰”中的“奥德赛台阶”,不过基本上蒙太奇是一种导演操纵镜头的手法,也就是控制了绝对的知性思维与表现意义,观众只等着被灌输,与具有诗的表现形式的电影所呈现出来的暧昧性与开放性完全不同,后者如塔可夫斯基,、温德斯、费里尼。 事实上不应只说是剪辑的手法,因还有其他形式可造成蒙太奇的效果,简而言之即是中国文字中的“会意” 字,可以靠着剪辑将不同地方的人景物事前后排序,让你以为彼此有关联,例如:先拍一人在敲门,随后人进屋内,事时上屋内屋外可能在不同地方拍的。
‘陆’ 电影史上有哪些剪辑惊为天人的电影
戈达尔《筋疲力尽》,这部片子出来以后电影界震惊了,原来电影还可以这么剪!因为戈达尔创造了跳切,这个以往在流畅剪辑中被认为是错误的剪辑手法。
‘柒’ 电影 美国往事的剪辑特点是什么
特点是大幅度删减,如下:在粗剪完成后,塞吉·里昂洗印好的电影片长10个小时。导演赛尔乔·莱昂内最初打算将影片剪辑成上下两部公映,每部3小时。
后来在影片发行之时,莱昂内本打算剪成4个小时的版本,然而电影公司对此不甚满意,又请人把电影缩减到更短一些,最终影片被削减至139分钟的版本。
139分钟的剧场版剪去了大量男主人公“面条”回忆往事的段落,片中所有闪回段落几乎全盘遭删减,影片普鲁斯特式的结构被剪成了“美国”犹在而“往事”难寻的单线直叙。
影片视角独特
《美国往事》是一部描写友谊与对立、忠诚和背叛等人性冲突的黑帮史诗电影。导演赛尔乔·莱昂内一改好莱坞传统西片的格局,以独特的视角塑造了美国黑社会人出生入死的人物形象。影片颇有气势,暴力的描绘有一种诗意。
时间跨越40年,从经济大萧条、禁酒令到第一次世界大战等重大事件均作为背景。影片只选取原作中的几个人物和几件事件,采用典型的好莱坞叙事结构。所不同的是,影片的时空结构处理颇有特色,通过主人公面条的回忆将故事逐渐展开,故事始终在面条和麦克斯之间一种理还乱的债务纠葛中进行。
影片主人公面条并不像一个传统黑帮电影中黑帮人物,他更像一个屈从于环境和直觉的平凡之人,同时也为此付出了一生的代价来寻求最终的救赎。《美国往事》从某种程度上讲,是一部纯粹的作者电影。
它所承载的是导演赛尔乔·莱翁内所有的“美国情结”,他所要讲述的并非是一个逻辑完整的传统故事,而是他本人对他一生所钟爱的美国历史、文化与精神的一次纯粹自我的表达。
因为他对于大洋彼岸的理解并非像科波拉这样在街边成长起来的意裔美国人,而是通过银幕上的美国电影所获得和积累的,所以他才会拍摄出这样一部带着非美国气质的美国题材的电影。
‘捌’ 好莱坞电影剪辑师分享剪辑六大法则
观众情绪
观众情绪并不是指非常激烈的情绪,而是我们想让观众产生的情绪。观众是否情绪不足,甚至于分神?如果观众在看电影时,能不断推进情绪,就说明这是一部好电影。默奇认为,情感是你该不惜一切代价去保留的东西。“你想让观众感知到什么?在观影时,如果观众从头到尾都能感觉到你所想表达的感觉,你所做的一切就都值得了。他们最终记住的不是剪辑手法,也不是摄影技巧,也不是表演,甚至没有故事,而是是他们的感受。”
故事
剪辑是否推动了故事有意义地发展?很多人分不清故事和情节之间的区别,将他们混为一谈,其实并不是的。故事的范畴更广,意味着电影的题材;而情节指的是这个故事的具体内容。默奇认为,每一次的剪切都需要推动你的故事发展。不要让剪辑成为情节发展的阻碍,所有的次要情节都尽可能的减少,如果这个场景没有推动故事的发展就应该削减它。
节奏
剪辑是否打乱了原来的电影节奏?这一条是对第一条原则的补充。节奏从来没有好坏之分,只要它适应于你的故事基调。剪辑天衣无缝看不出痕迹,符合影片的感觉,那就是成功的剪辑。如果你想要更夸张或扭曲的感觉,节奏感非常快,想使观众产生奇怪的感觉,那么这种剪辑方法也未尝不可。
视线追踪
我们是否清楚观众的视线位置?他们在看向银幕的何处?聚焦于谁?在剪辑时,我们注意到这一点了吗?或者是否给了观众适应机会?观众的注意力像一只盛满水的水杯,在跳接镜头时,观众的注意焦点也会随之改变。如果改变过大, 水杯便会倾翻。了解观众正在看向哪里有助于隐藏瑕疵,或者你可以根据画面运动规律确定剪辑点。
轴线原则
现在许多电影里的很多镜头都越过了180度轴线,例如立体环绕拍摄,和跳接到某个可能的角度。在这样不得不越过180度轴线的情况下,如果你是有动机的、不违背观众情绪,那么尽可以这样做。而如果这个做法不能支撑影片的整体感觉,那就不要这样做,尽管它本身并没有错。
三维空间
这一条和上一条很相似,我们是否营造了环境?例如手风琴式剪辑法,刚开始是全景镜头,可以看清楚所有人和物的位置,然后推近,观众这样就会基本明白场景里的人和物的位置,如果你想向观众揭晓,就这样做。如果你不想这样做,但是这样做与影片基调相符,那也可以告知观众,你所做的一切,都是为了支撑第一条原则。
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‘玖’ 剪辑电影片段有哪几种手法
首先,剪辑就是通过镜头的组合,进行场面构建的过程。早在1920年,普多夫金确立了五个剪辑技巧,直到今天,仍是剪辑的基石。
他们是:
1、对比
2、平行
3、象征
4、交叉剪辑
5、主题
有目的的运用剪辑,可以引导观众的情绪反应。所以编剧和剪辑师都应该掌握剪辑技巧,因为他们的首要工作就是成为“观众的心理导师”。
1、 对比的手法是在剪辑中经常使用的。
举一个比较形象的例子,假设我们的片子是要讲述一个忍饥挨饿者的悲惨处境,如果我们把一个富人愚蠢的暴食连接起来,那么这个故事将会变得更加的生动。
对比剪辑就是建立在这样一个简单对比关系基础之上。对比的使用不光如此,我们还可以把单独的场景甚至场景中的镜头,与其他场景或场景中的镜头连接起来,这样,就等于间接强迫观众对两个情节进行比较,使得两方相互强化。
对比剪辑是最有效的剪辑方法之一,也是最普通最标准的方法之一。
2、 平行剪辑的手法和对比剪辑有些相似,但更加广泛。
现在,我们虚构一个场景:一个工人,罢工的领导者之一,被判决在早上5点执行死刑。
这个段落就可以这么剪:工厂主,被判死刑工人的老板,喝的醉醺醺的离开饭店,他看了看手表,4点钟。然后是被判死刑的工人——已被带出囚室。工厂主按响门铃,问了下时间:4点30分,囚车在重兵押解下前行。开门的佣人——死刑工人的妻子——突如其来的残忍攻击,酩酊大醉的工厂主,他腿上的裤脚泛起,手臂下垂,我们可以清楚地看到,时间慢慢的指向5点。工人被执行绞刑。
在这个例子中,两个不想干的事例,通过执行死刑迫近的手表时间,平行发展。冷酷厂长手腕上的手表,将会一直出现在观众的意识之中,因为它将工厂主与即将面对悲惨命运的工人联系在了一起。
平行剪辑无疑是一种很有意思的剪辑手法,具有相当大的发展前景。
3、 象征剪辑手法。
在影片《罢工》的最后,枪杀工人的镜头中,穿插了屠宰场宰牛的镜头。成功的说明了,对工人的枪杀就像在屠宰场宰牛一样。冷血,残酷。
这种剪辑手法,可在不使用字幕的情况下,给观众意识中输入了抽象的概念。
4、 在美国电影中,交叉剪辑使用十分常见。
最后段落常由同事发生并快速发展的两个情节构成。其中一个情节的发展,依赖于另一个结果。
这种方法的最终目的是,通过对疑问的持续强化,给观众最大的刺激张力。让观众不停的问:“他们还来得及吗?他们还来得及吗?”
5、 主题的重复,在想要强调情节的基本主题时特别有用。
例如:在一个意图揭露沙皇政权御用教会的残忍和虚伪的反宗教情节中,同样的镜头重复了若干次:教堂的钟声悠扬的想起来,同时出现字幕:“教堂的钟声给整个世界发出忍耐和博爱的信息”重复出现,强调教会鼓吹的忍耐之愚蠢、博爱之伪善!
‘拾’ 世界着名的电影剪辑大师是谁代表作是什么
沃尔特 · 默奇与电影剪辑艺术
一、沃尔特 · 默奇(Walter Murch )其人
当今世界最伟大的导演恐怕能举出一打,但最伟大的电影剪辑师只有一个,那就是沃尔特 · 默奇。
默奇的名字不为大众所知,这是由其工作 的性质决定的:剪辑。一部上佳影片能让观众沉浸在故事、人物情感和命运之中,而完全看不见剪辑的痕迹,这是剪辑师的至上功夫,而剪辑,正是电影区别于摄影、戏剧、表演、文学,最终宣告自己作为独立的艺术形式存在的标志。作为剪辑大师,沃尔特 · 默奇在黑暗的剪辑室内创造了一个个奇迹,在好莱坞被尊为“ 教父” ,当然不光因为他为科波拉缔造了《教父》三部曲的传奇,更因为他为电影艺术的发展作出了杰出的贡献。在剪辑师作为“ 看不见的艺术家” 普遍不为外人知的情况下,沃尔特 · 默奇是全世界唯一频频出现在人们文化视野中的剪辑大师。
默奇是美国七〇年代崛起的“ 学院一代” 电影人之一,这群人都是各大学电影学院毕业生,包括弗兰西斯 · 科波拉、乔治 · 卢卡斯、史蒂芬 · 斯皮尔伯格、马丁 · 斯克西斯等一班复兴好莱坞、创造了一大批现代电影经典的大师们,而沃尔特 · 默奇正是他们背后那双“ 看不见的大手” ,赢得了英国电影学院和美国电影学院的多项嘉奖。他于1960 年代末与科波拉和卢卡斯在旧金山共同创造了北加州的电影工业从而为洛杉矶的好莱坞带去新的风气。从1969 年为科波拉的《造雨人》(The Rain People )作音效剪辑开始,默奇先后创造了《美国风情画》(American Graffiti ,1973) 和《教父》(II 、III) 的音效和《教父I 》的画面剪辑, 1974 年为科波拉的个人最爱之作《窃听大阴谋》(The Conversation )做音效设计赢得奥斯卡提名并获得英国电影学院奖和嘎纳电影节金棕榈奖,并因在科波拉1979 年版《现代启示录》中杰出的音效设计而获得奥斯卡奖。1996 年,因为沃尔特 · 默奇为《英国病人》的画面和声音的诗一般的剪辑塑造,而史无前例地一人独得两项奥斯卡奖。四十年来,经沃尔特 · 默奇之手而呈现银幕的着名电影,除了《教父》三部曲和新、旧版《现代启示录》,还有《五百年后》(THX 1138), 《朱丽亚》(Julia, 1977 ), 《人鬼情未了》(Ghost, 1990), 《布拉格之恋》(又译:生命中不能承受之轻,1988 ),《天才的雷普里》(The Talented Ripley,1999 )以及最近的《冷山》(Cold Mountain, 2005), 《锅盖头》(Jarhead, 2006 )。经他编剧导演的《回到奥兹国》(《绿野仙踪》续集,1985 )虽票房不佳但业内人士相当推崇。1998 年,他按照奥森 · 威尔斯遗留的笔记而主持重构/ 复原威尔斯1958 年的经典之作《历劫佳人》(Touch of Evil ,又译《狂野生死恋》) 被称为权威的“ 导演版” ,2002 年更被美国国会图书馆委托修复爱迪生1894 年的第一部有声电影《迪克森的小提琴》,这是对他作为电影技术- 艺术大师地位的首肯,无疑是一种特殊荣誉。在《现代启示录》的剪辑过程中,沃尔特 · 默奇创造了sound design( 音效设计) 这一概念,将电影音响从一种从属的、配合性的地位提升到了独具艺术表现力量的高度。
默奇学识渊博,被称为好莱坞稀有的文艺复兴式全才。他学艺术史出身,熟悉音乐,建筑,甚至物理学,在电影剪辑的间隙,默奇喜欢翻译意大利诗歌,并对人的知觉系统、宇宙学、以及科学史的研究深感兴趣,1995 年以来他根据“ 旅行者号” 空间探测器和哈勃望远镜发回的数据重新阐释古代的行星定律和恒星图。默奇现居旧金山乡下,面对一片湖泊,没有电视,自酿蜂蜜。
二、沃尔特 · 默奇的书
《眨眼之间:透视电影剪辑》由默奇1988 年在澳大利亚国家电影委员会的演讲记录稿修订而成,部分内容也曾包括在加州大学洛杉矶分校的戏剧影视学院1990 年2 月的高级剪辑课程内。它不是一本关于如何剪辑的技术手册,而是关于剪辑的思考和对电影与人性关系的独特洞见,其中最容易为人所记住的,莫过于作者将剪辑跟人眨眼的内在心理- 情感机制进行观察比较所得出的“ 一个剪切就是一次眨眼” 的结论。该书自1995 年出版以来,立即成为英美各大学电影专业学生的必读教科书,更成为一般人文学生从电影内部来认识和了解电影的难得的入门参考。默契以生动而浅易的文字,将电影剪辑的多层面的问题写得极富启发性,从最最基本的为什么剪辑是有效的谈起,默奇带领读者一口气把电影剪辑的美学与实际问题都一一检讨,并就连续、非连续、梦与现实的关系,好的剪辑的标准,眨眼的情感意义及其与剪切点的关系,数码剪辑等提出自己独到的见解。更重要的是,默奇在书中与读者分享了他在剪辑那些着名的电影时的思考与体会,他用不同的比喻来解说电影剪辑的深意,把古典音乐,梦的解析,摄影,甚至遗传学、天文学、邮政服务等都跟电影关联起来无所不谈,非常具有启发性。默奇从《冷山》开始使用苹果公司被视为低成本、“ 业余” 的电影剪辑软件Final Cut Pro ,不但将该软件介绍进好莱坞,更直接影响、推动了全世界低成本独立电影的制作。有趣的是,默奇至今保持使用旧式剪辑机那样的站立工作姿势,因为他认为电影剪辑是一种全身的舞蹈,坐着是无法跳舞的。他说。