美国电影分析

① 美国电影的理解

自白：（这一段与正文无关，是我自己想说的东西）我本身是学美术的 所以如果要我叙述的话 可能会有些 不是很正常的想法，楼主谅解。本文只做参考，全文照搬的话…… 就给加分吧…………

【PS：抱歉我写了1000字……你自己看着删减吧…………囧TZ】

以下是正文
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就词语常识分析，这个组合词语的主语是电影，而“美国”则是对“电影”的一个注释，也就是说这里要讲的是美国的电影。从我自身而言，我愿意先谈电影。
我一直认为，文字、画作、音乐和影像都算是一种表达。其表达方法不同，所得到的表达效果也会不同。其中最全面的就是电影。它涵盖了前面所有的表达形式，文字用台词表达，由画作和影像作为内容，再配上背景音乐，构成了这样一种及所有表达形式于一身的事物。
和所有看小说和漫画的人一样，电影观众也希望能从电影里体会到什么。刺激、惊险、华丽、人生态度之类的种种。比起前面所有的表达形式，电影的表现手法是灵活多变的，人们的感受也就会不同。俗话说“一千个读者就有一千个哈姆雷特。”有的时候，那些感受会放在表面上，有的却要你看完电影以后去体会。
那么现在为“电影”冠以“美国”的注释以后在做理解。
美国电影是什么？
电影由法国人发明和创造出来，随即在世界各地蔓延。每个国家对“电影”的理解都不同，就像看电影的人对电影内容的理解一样。这些理解并没有实际的资料可以参考，加之这里要说的是美国的电影，那就只说美国。
就目前的美国电影市场来看，大部分电影给人的感受就是“火爆”“刺激”“惊险”“奇妙”“特别”之类的形容词。不难看出美国所要创造的，是那些吸引人眼球的巨作。而这里我不想谈他们的野心和动机，我只想谈他们的表达。
从美国的历史上看，显而易见他们是一个崇尚自由的国家。自由女神像手上的书说明了这一点。我们可以理解为“不要束缚，不要枷锁。”大部分的早期美国电影都在表达这样一个信念。而现在，他们所表达的是更深层次的东西：“自由以后要做什么？”于是，90年代初，美国有了无数的漫画英雄。而那些漫画英雄也慢慢从纸上爬进了银幕。现在，英雄们依然再被颂扬，但他们却又有了新的想法——并不是像超人蜘蛛侠一样有超能力才能做英雄。于是有了现在我们看到的无数的平民英雄。
至于剧情和表现手法，这里就不描述了。
话题重新回到最单纯的“电影”和“美国”上。人都是在进步的。从原始人开始，几千年来我们人类发展到了现在的水平。电影也是一样。一开始只能歌颂胜利、自由这些宏观的东西，而现在我们却可以深入到细节了。至于美国，从一开始就说明了，他只不过是个注释。事实上中国电影也好，其他国家的电影也好，本质上没有任何区别，完全没有必要去划分国界，或者是去做比较。电影既是电影，不同的国家有不同的态度和内容。但不管是哪个国家，总有和电影、和人一样的共通点，那就是进步。至于如何进步，朝什么方向进步，就是另外一个问题了。

② 请以美剧和美国电影为例，分析电视剧和电影的差别

一般电影都比电视剧刺激，电视剧时间太长，而电影看完之后意犹未尽，有显得太短了。。。

③ 跪求！一部欧美电影的影片分析

非常老的电影：M就是兇手

这部电影是影史上第一部讲述连环变态杀手的电影，弗里茨·朗的第一部有声片。
这在当时一定非常里程碑，不过，时间流逝，“第一”会慢慢变成符号，一道考题，一则引用短语，从极具意义到意义的尸体，在最后5分钟到来之前，你仿佛在看一个被后来者抚摸、仿效和取用了多次的纪念品，直到最后5分钟，令我们惊叹的5分钟，宣告它永远屹立于伟大作品之林，并且永不褪色。

M的结尾5分钟分析：

兇手M表现为精神异常，连续作案，杀了八九个女孩子。警方展开地毯式搜捕还是一无所获，在此期间，黑帮老大的娱乐场所屡次受到排查，生意不振，黑帮老大要出击，利用丐帮人肉搜索，先于警察擒获M。最后5分钟开始了，黑社会组织模拟法庭，法官、审判长、听审听众一应俱全，还为M配了辩护律师，开始双方驳辩：

M说：他自己无法控制自己的行为，只要一看到小女孩，他的内心就由恶魔驱使，引导他犯下不可饶恕的罪恶，在那时，他忘记了一切。有两个他在斗争，一个说“你要做”，一个说“你不能”，内心时时备受煎熬；而要裁决他的黑社会都是心智正常的普通人，可以控制自己的行为，却也做着杀人放火的勾当危害社会，到底是谁应该受到制裁呢？

还以为是摆设的辩护律师却异常认真、坚持，他极力为 M 辩护：“因为我的被告在不可抗拒的冲动下犯了罪，所以不该被判处死刑……没有人会因为忍不住的事情而受惩罚……没有人能够把一个不能为自己行为负责的人杀死，这个国家不行，你们当然也不行……应该把他送进医院，而不是监狱或者绞刑架”。

审判长（黑帮老大）说：出院后又开始杀人呢？应该判他死刑……
此刻，围坐着的听众沸腾起来，攻向M，想即刻处死他。
此刻，警察赶到，“救”了M，影片在此高潮落幕，一位母亲呆看镜头“ 这样救不回我们的孩子，我们应该很小心地照看自己的孩子。”（我不太清楚自己看的是哪个版本，据说修复版是加长了法庭戏，是有一场真正法官进行的审判？）

突然之间，一个难题甩到观众面前。《M》的意义出现了。

拼音文字容易凑出点名堂来，譬如钻石的检验就会说用4C标准（Carat、Clarity、Colour、Cut），管理服务要追求5S（safety、standardization……），片名叫V叫M叫Z都可以看作有寓意。

兇手的名字与M无关，之所以说“M就是兇手”，是某人急中生智怕兇手给跟溜了，乘其不备涂在兇手衣服背后的记号，在那个场景中，M就是 murder，但到了（模拟）法庭上，他是一名精神病患者而受法律保护，他将接受治疗而不是处决，大众无法面对法律对他们道德观念的不合作，此时的M就是 moral，法律只在为我所用、为我出头时才受我尊敬，否则就让道德来处死他吧，这才体现公平和公正，镜头扫去，黑社会和受害者家属和一般民众，已经模糊不清。

此时再来看导演颇为奇怪的创作意图“我们应该很小心地照看自己的孩子”（这行字也正是电影放到这时出现的）就会觉得是对社会失控无可挽救（没有小心照看、放任社会走向危险极端）、个体意志与集体利益相处尴尬（个体发疯威胁到群体生命，群体疯狂折磨个体生命）、法律无能道德恐怖（法律只能是最大限度的实现公正，道德能用来杀人）的无奈讽刺了。

以下是专业犯罪心理和精神医学分析（可是当加入）：

什么叫做“罪犯-认识”的医学机制？简而言之，首先，这种机制关注罪犯主体（他是谁？他具有何种性格、持有何种观念？他的精神是否正常、心理是否变态？）多于关注犯罪行为（他做了什么？应该受到何种惩罚？），其次，这种机制相信，无论是审判案件还是制止罪行，最为关键的环节在于“认识罪犯”，尤其是在病理学的意义上认识罪犯的精神结构。最后，治疗取代了惩罚，成为司法权力的运转逻辑。比如，死刑不是出于杀人偿命的正义原则，而是出于一种对社会的治疗，像割除肿瘤一样消灭危害社会的罪犯。

福柯告诉我们，精神病学插手法律领域始自19世纪初，与之相关的是1800至1835年间发生的一系列格局大致相似的案件：

1，莫泽葛（Metzger）报道了这样一个案件：一位独居的退休官员日益迷恋上房东太太的孩子。一天，“没有任何动机，也没有任何诸如愤怒、傲慢或复仇之类的激情冲动，”他攻击了这个孩子，用铁锤砸了孩子两下－－尽管最终未出人命。

2，塞勒斯塔特（Selestat）案件：在阿尔萨斯，在1817年的严冬，当饥荒袭来时，一个农妇趁丈夫离家工作之际，杀死了他们的小女儿，割下孩子的腿熬汤。

3，1827年在巴黎，女仆亨里特•科尔尼耶（Henriette Cornier）来到其雇主的邻居家中，坚持要邻居女儿在她那儿呆一会儿。邻居起初有些迟疑，最后也同意了。但是，当邻居回来接女儿时，科尔尼耶刚刚杀了她，把头割下来扔到了窗外。

4，在维也纳，凯瑟琳•齐格勒（Catherine Ziegler）杀了自己的私生子。审判时她解释说，自己的行动是出于一种无法抗拒的力量。以精神错乱为由，她被宣告无罪开释。但她宣称，最好还是将她关在牢里，因为她出了狱还会这样做的。十个月后，她又生了一个孩子，并即刻将之杀死。在审判时，她宣称自己怀孕的唯一目的就是为了杀死自己的孩子。她被判死刑并当即执行。

5，在苏格兰，一个叫约翰•豪伊森（John Howison）的人潜入一所住宅，杀死了一个他几乎不认识的老妇，但他没有偷窃任何东西，也没有躲藏。被捕后，尽管证据俱在，他却矢口否认这一事实。辩护律师辩称，这是一个疯子的犯罪，因为犯罪没有实质动机。豪伊森被处死了，行刑时，他对一个官员说，他真想杀死这位官员。这番话后来被认为进一步证实了他的疯病。

6，在新英格兰，在一片空地上，亚伯拉罕•普雷斯科特（Abraham Prescott）杀死了与他相处一直很好的养母。回到家中，当养父询问时，他泪流满面。普雷斯科特自动供认了自己的罪行。后来他解释说，当时一阵突如其来的剧烈牙痛征服了自己，然后就什么也不记得了。调查后来确认，他曾在晚上攻击过他的养父母，这个行为被认为是梦游发作的结果。普雷斯科特被判处死刑，陪审团同时也建议予以减刑。尽管如此，他还是被处死了。

尤其重要的是，这一时期的精神病学家霍夫鲍尔〔Hoffbauer〕、埃斯基罗尔〔Esquirol〕和乔吉特〔Georget〕、威廉•埃利斯〔William Ellis〕和安德鲁•孔贝〔Andrew Combe〕等不厌其烦地提到这些案件以及其他同类案件。通过对这些案件的反复言说，精神病医学为法律领域构建了一种新型的恶魔形象——精神病罪犯。“犯罪精神病学第一次宣告自身是对这一恶魔的病理学研究。”

福柯并不是认为，如果没有精神病学的构建就不存在“恶魔”；他所提出的问题是这样的：精神病学以何种方式改变了法律的关注重心（从对犯罪行为的关注，转变为对罪犯主体的关注）；司法意义上的惩罚如何转变为病理意义上的治疗；通过以上两种转化，“权力”如何获得一种崭新的形式，成为精神病学化的权力？

让我们回到电影本身。给我印象颇深的另一个场景是“平行会议”。为了捉拿兇手，警方开会讨论；而黑帮成员们也聚集在一起讨论同样的问题。尽管出于不同的目的，但无论是警方还是黑帮，都希望将兇手绳之以法。导演运用蒙太奇和相似的布景，突出了两场会议的平行性质，似乎是要告诉我们，在如此残酷、如此变态的罪犯面前，通常意义上的正（警察）邪（黑帮）对立完全被消解了。黑帮再违法，也遵守着起码的人性原则，而M却是反人性的，他是绝对的邪恶。

福柯告诉我们，现代社会的善恶对立是司法权力的运转根据；现代司法从根本上说是对他者的治理。因此，权力需要制造一个他者。不仅警察需要黑帮，而且警察和黑帮所组成的社会需要一个绝对反社会的M。而在精神病学化的意义上，M作为绝对的邪恶，又恰恰被去除了善恶的道德性质：他不是坏人，而是病人。作为一个精神病罪犯，M是社会自身的疾病。因此，权力的责任在于认识、诊断、治疗。我们已经说过，现代司法的惩罚制度（尤其是死刑）的运转逻辑并非出于恶有恶报的正义原则，而是出于一种医学原则：罪犯的生死和道德无关，这是一种针对社会的治疗。

到目前为止，医学化的司法更多体现了一种现代性的进步。然而它也带出了现代性的独特问题：首先是法律的去正义化危机，其次是构建绝对他者的危险。生活在现代社会中心的我们是不会体会到这种危机和危险的，除非哪一天我们也被不幸地诊断为疯癫、不正常，沦为“社会的疾病”。谁也不知道这会不会发生，不过，也许一直以来，我们暗地里早已是作为潜在的精神病人而得到治理？这听上去很荒谬，不过，至少福柯认为，这才是不折不扣的真相。

④ 美国影片《老无所依》，想讲述什么意思 从哪几个角度分析

这部电影很好的讽刺的当今社会的庸俗。连Bell这样的警官也深感无力。我们应该意识到，人类之所以与其他的动物不同，是因为我们人类具有智慧，以及与动物不同的精神世界。我们的精神世界是独一无二的，我们应该更注重我们的精神世界，而不是物质生活。

故事发生在美国西部巴尔的摩，老牛仔Moss在猎杀羚羊时发现几具尸体，几包***和200万现金。Moss决定将毒品和现金占为己有，想以此改变自己的生活，谁知却遭到冷血杀手Chigurh的跟踪和追杀，陷入了逃亡的险境。同时，当地治安官Bell也在对一连串的杀人事件进行调查，并努力保护Moss的安全。但是，让Bell感到无力绝望的是，他使出浑身解数也无法追踪到冷血杀手，Moss的生命安全也受到严重的威胁，Bell一边缅怀父辈们的光荣岁月，一边深感现实中老无所依的悲哀。就在全剧的高潮时，电影突然结束，结局并没有向世人公布。当电影结束时，我感到有些透不过气。许久之后，我终于缓过气来，有了点小小的领悟。

其实，我们每一个人都有着和Moss一样的梦想，那就是提高自己的生活水平。但是，Moss的做法却是那样的愚蠢。为了那200万粪土般的钱币，他出生入死，甚至赔上家人的性命，与杀手展开殊死搏斗，

虽然他获得了那钱财，但又有何用。虽然故事没有结尾，但可以推断出他最终还是被杀手无情的射杀了。Moss为他的贪婪付出了生命的代价。我打心底同情他，和像他这一类的人。他们被贫穷蒙蔽了双眼，失去了辨别善恶的能力，却毫不知自己已经深陷深渊。这些人就像那些贪官污吏，他们压榨百姓，取尽锱铢，知法犯法，越陷越深，最终失去了自由，甚至生命。

除了Moss,电影中的另外两位亦不是那样可怜吗？杀手Chigurh,他冷血，杀人如麻，他为了钱财，不惜背叛黑帮，他没有任何的情感，他的眼中只有金钱。为了追杀Moss,他差不多杀死了五十个人，包括Moss的妻子和丈母娘。讽刺的事，他身为一个职业杀手，却也会讨厌鞋底粘上血迹，每次犯案后，他都非常淡定的检查鞋底。在我眼中，他无疑是一个禽兽，他没有情感，没有朋友，没有一切。他只有手中的武器和眼中的钱。他就是社会中那些为了犯罪而铤而走险的亡命之徒。他们为了钱财，不惜杀人放火烧杀抢掠。最终还要受到正义的审判。虽然故事没有结尾，但最后黑帮的人派车来撞他的那一幕我还记忆犹新，他虽没有死，但那两条白白的骨头漏了出来。他不能去医院，不能报警，只能默默地逃走，这又是何苦呢？

但这些都不算什么。最可怜的还是警官Bell.他出身于一个警察世家，他的祖父和父亲都是当地有名的警官，他也不例外。他们家族曾经是风靡一时的，但如今，物是人非。以前，他的祖父办案没用过枪，他的父亲办案只用过几次枪，然而到他这一代时，则要天天与枪打交道。从前，他年轻的时候，破案无数，无论犯罪分子如何狡猾，也逃不出他的手掌心，然而多年以后，新一代的犯罪分子，为了钱，为了满足心中的贪念，让颇有经验的Bell也无可奈何。在案件还没结束时他就退休了，他怕，怕的不是罪犯对他的杀戮，而是在这样一个为金钱而活的社会中，他将何去何从。他意识到，他在这社会上，不是风光的警官，而只是一个老无所依的老人。可悲，可悲。

拓展资料

剧情简介

猎人摩斯在里奥格兰德区附近打羚羊时，偶然发现了一具中弹的尸体，尸体身上还携带大量海洛因和一大笔现金。这场突如其来的奇遇让摩斯站在人生交叉口，要么他当什么也没看见回家过他的生活，要么把钱卷走运走高飞。结果，他自然选择了后者，也意识到生命的轨迹从此改变。摩斯成为兇手的猎物，此时出现了一名警察想要保护摩斯和他的妻子，而一系列可怕的事情也如连锁反应般发生。

⑤ 美国电影的特点有什么啊

1、个人主义是美国价值观中的核心组成部分，它重视个人成就、崇拜个人奋斗，讲究个人价值最大程度的实现。

美国电影是灌输个人主义的主要工具，从《蜘蛛侠》、《超人》再到《2012》，“救世主们”一次次让美国扮演拯救世界的角色，英雄来到地球是“为了美国式的真理和正义”，让观众在不知不觉中认同美国具有拯救并主导世界强权地位的天然能力。

2、美国电影很注重镜头和叙述场景的精雕细琢，自由女神像、星条旗、曼哈顿街道都是时常出现的镜头。

无论是现代科技制作出来的震撼镜头，还是艺术浪漫的日常生活场景的展示，都会激起一部分观众对美国的向往。

3、美国电影善于将精神内核和商业外壳有机结合，价值观倾向被包装在具有强烈视听效果的表层结构之下。

美国影视产业不仅为美国带来巨额经济利益，带动了美国文化产业的发展，同时推销了美国的价值理念，营造了一个有利于国家形象传播的“美国文化群落和文化生态”。

(5)美国电影分析扩展阅读：

美国电影传播策略：

1、打造产业化的运作模式。

早在20世纪20年代,美国电影便形成企业生产模式,即按照现代企业制度进行商业化运作管理,实现生产制作与传播发行的紧密集合。

电影制作、发行和放映,条块分割,分工合作,责任明确。电影制片方、发行方与技术团队等通常是长期的固定合作伙伴,利益紧密相关。同时,美国电影的蓬勃发展和融资渠道广、资金雄厚密不可分。

2、实施全媒体的宣传营销。

在传统媒体时代,美国电影按报纸、广播、电视的视听说特点,三管齐下,打造全方位的电影传播路线。在新媒体时代,美国电影充分利用网络的互动性,使新旧媒体平台相配合,实施全媒体的营销策略

⑥ 试分析美国电影各发展阶段的特点

一、起源

有记录的第二张捕捉并再现运动的照片记录为埃德沃德·迈布里奇在加利福尼亚的帕罗奥多拍摄的一组奔马照片。在拍摄时，他将一组静止的照相机摆于一排。他的成就促使各地的发明家开始尝试制作类似功能的装置，以捕捉此类运动。

在美国，托马斯·阿尔瓦·爱迪生就是最早开始制作这类装置的人之一，他制成了活动电影放映机，但由于该装置的专利实施很严格，致使早期的电影制作人只能寻找替代品。

在美国，最初只是在轻歌剧的间歇为许多观众放映电影。企业家的各种电影展示活动，促使了戏剧性电影制作的首次世界范围性的尝试。

在美国电影业发展的早期，纽约是电影制作的中心。位于皇后区的考夫曼·阿斯托里亚制片厂（Kaufman Astoria Studios）创建于无声电影时期，那时马克思兄弟和费尔兹（W. C. Fields）在那里工作。

此外，曼哈顿的切尔西也是电影制片的主要场所。奥斯卡最佳女主角玛丽·毕克馥的很多早期电影也是在这个地区拍摄的。但是，因一年四季的宜人气候，好莱坞成为电影拍摄的更佳选择。

二、好莱坞的崛起

在1910年初，美国电影放映机与传记公司（American Mutoscope and Biograph Company）派导演大卫·格里菲斯带着他的演员团队到西海岸去拍摄电影，演员包括巴兰彻·斯威特（Blanche Sweet）、吕伦居殊、玛丽·碧克馥、莱昂纳尔·巴里摩尔等。

他们在洛杉矶市中心乔治亚街附近的一个空旷外景地开始了拍摄。当时，公司又决定开发新地区。于是他们又向北前进了几英里，到达好莱坞。当时还是小村庄的好莱坞，非常愿意让电影公司在那里拍电影。

之后，格里菲斯完成了在好莱坞拍摄的第一部电影。这部电影叫做《在古老的加利福尼亚》（In Old California），是一部传记式情节剧，描述18世纪初的加利福尼亚，当时还隶属于墨西哥。美国电影放映机与传记公司的人员在好莱坞呆了数月，又继续拍摄了几部电影，才返回纽约。

当时是1913年，在听说了该公司在好莱坞取得的成功后，很多电影制作公司也纷纷向西挺进，以避免托马斯·爱迪生的电影制作工艺的专利费。在加利福尼亚的洛杉矶，电影公司和好莱坞同步发展起来。第一次世界大战前，电影仅能在几个美国的城市完成。

但随着电影业的发展，电影制作公司被吸引到加利福尼亚南部，因为那里气候温和、阳光明媚，一年四季都可在户外拍摄，那里还有各种各样的布景。虽然电影（特别是美国电影）的起始点众说纷纭，但是格里菲斯于1915年拍摄的史诗电影《一个国家的诞生》，成为全世界第一个电影词汇，至今仍在胶片史上占据重要地位。

在20世纪早期，当媒体还是新事物的时候，很多犹太移民在美国电影业中找到了工作，并留下了自己的足迹：在临街的五分钱剧院（Nickelodeon）中放映电影短片（剧院取此名是因为当时的门票价格为五分钱）。

一些年后，其中有抱负的电影人，如塞缪尔·戈尔德温、威廉·福克斯、卡尔·拉姆勒、阿道夫·朱克尔（Adolph Zukor）、路易斯·B·迈尔（Louis B. Mayer）和华纳兄弟（即哈利、亚伯特和杰克）纷纷转到电影制作上，很快就成为了新型企业，即电影公司的巨头。

（当时还有一位身兼女导演、也是制作人和电影公司巨头的人物爱丽丝·盖·布兰琪（Alice Guy-Blaché））他们为电影业的国际化奠定基础；不过美国电影业常被指责为以美国为中心的偏狭观念。

一战后，一些欧洲导演恩斯特·刘别谦、阿尔弗雷德·希区柯克、弗里茨·朗、让·雷诺阿，以及演员鲁道夫·范伦铁诺、玛莲娜·迪特里茜、罗纳德·考尔曼和查尔斯·鲍育（Charles Boyer）等电影人纷纷来到美国。

他们加入了一个演员的自我发掘时代——在有声电影诞生后，纽约城剧院的演员纷纷加盟了这个20世纪最受瞩目的发展行业。20世纪40年代中期，电影行业达到高峰期——美国影院每年上映约400部电影，每周有近9000万美国民众前去影院观看。

“威廉·海斯拯救美国电影业”，出自美国漫画家赛勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世纪20年代后期，有声电影在好莱坞逐渐升起。1927年，首部有声电影《爵士歌手》使用维他风唱片机，同年5月，西方电气公司旗下分部电器研究产品有限责任公司（简称ERPI）在电影配音方面获得垄断权。

有声电影一方面的影响就是许多无声电影演员接不到工作，因为他们多数人的嗓音糟糕或是记不住台词。1922年，美国政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）离开政坛，组建了前身为电影制作室组织的美国电影制片发行商协会（MPDAA），该协会在其退休后改为美国电影协会。

有声电影的发展早期，美国的电影制片厂发现他们的有声作品不为非英语国家的电影市场所接受，甚至在其他的英语国家中也遭到冷遇，原因是那时的同步配音技术仍相当不成熟。解决办法之一是制作与之对应的外文版好莱坞电影。

1930年左右，美国公司在法国桥连城建立了一家电影制片厂。多个不同的电影摄制组在那里分时工作，他们使用相同场地，穿着相同服装，甚至绝大部分的场景也是相同的。国外的失业演员、剧作家、选秀比赛中的优胜者经过筛选后被派往好莱坞去拍摄好莱坞英语电影对应的非英语版电影。

这些版本的电影的拍摄预算不高，由二流的只会讲英语的美国导演执导，通常在晚上拍摄。西班牙语摄制组中包括了路易斯·布努埃尔，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎维尔·库加（Xavier Cugat）和埃德加·内维列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好莱坞电影绝对可以和它们的原声版相媲美，西班牙文版的《惊情四百年》就是其中一。到了20世纪30年代中期，同步配音技术已经发展得相当成熟了，外文配音就变得很寻常了。

三、好莱坞的黄金时代

所谓好莱坞“黄金时代”，是指从1920年代末，即无声电影时代末期，至1950年代末这段时间。成千上万部电影在此期间产生。其开始标志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不仅结束了无声电影时代，同时也增加票房收入。

不管是西部片、闹剧、音乐剧、动画片还是传记片，好莱坞影片几乎都遵循一个模式——每个电影公司出品的电影，都有自己特定制片团队。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力于米高梅电影公司，艾佛瑞·纽曼在二十世纪福克斯电影公司工作了20年，赛西尔·德米尔的电影大多由派拉蒙电影公司制作，而导演亨利·金（Henry King）的电影则大多由福克斯出品。

同时，人们根据影片中的演员阵容就可以大致猜出该部电影的出品公司，米高梅声称“旗下的电影明星比天堂里的还要多”。每个电影公司的电影题材和独特风格也使得人们猜到每部电影的出品公司——这一现象在今已不复存在。但是每部电影都与其他电影有着些许区别。

不像汽车制造者，拍摄电影的人都是一些艺术家。譬如，1944年的电影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，并不仅仅是因为男一号的扮演者亨弗莱·鲍嘉和劳伦·巴尔考，而且是因为这部电影的剧本出自两位诺贝尔文学奖作家：电影原着小说作者海明威和该剧本改编者威廉·福克纳。

在整个1930年代以及黄金时代的大部分时间里，米高梅主宰着电影市场，并拥有大量好莱坞超级明星。同时，米高梅也因创造了好莱坞明星制而备受好评。

米高梅的明星包括“好莱坞之王”克拉克·盖博、莱昂内尔·巴里莫尔、珍·哈露、诺玛·舒利亚、葛丽泰·嘉宝、珍妮特·麦克唐纳（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯宾塞·屈赛、朱迪·加兰以及金·凯利。

在这一时期美国电影业取得的另一个伟大成就是华特迪士尼公司。1937年，迪士尼制作了当时最成功的电影，《白雪公主与七个小矮人》。1939年，米高梅创作了历史上最成功的电影——《乱世佳人》，尽管在大萧条时期，这部电影仍然是史上票房最高的。

很多电影历史学家对这一电影高产时期创作出的许多伟大电影作品都做出了评价。其中一个原因可能是：制作了这么多部电影，并不是每一部都必须成为热门。

电影厂可以在一部有着优秀剧本与相对不是那么出名的演员的中等预算故事片身上冒险：而由奥森·威尔斯导演的《公民凯恩》符合以上描述，它也被视为史上最伟大的电影。另一些情况下，像霍华·霍克斯、希区柯克及法兰克·卡普拉等坚定的导演们为了达到他们的艺术理念，而与片厂进行“斗争”。

1939年是片厂制度的鼎盛时期，有很多经典电影在这一年发行，如：《绿野仙踪》、《乱世佳人》、《驿马车》、《史密斯先生上美京》、《呼啸山庄》、《天使之翼》、《异国鸳鸯》与《午夜》等。

黄金时代以来的电影中，现在被誉为经典的有：《卡萨布兰卡》、《风云人物》、《一夜风流》、原版《金刚》、《叛舰喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《红河》与《大礼帽》等。

四、片厂制度的没落

“小三”(环球影城，美国艺术家和哥伦比亚影业)没有自己的剧院，拒绝分享同意裁判书。许多独立制片人也对折衷和形成一个众所周知的独立运作电影制片人的体系，控告派拉蒙垄断底特律剧院不满意-因为派拉蒙通过控制演员，像鲍勃霍普，波莱特戈达德，维朗妮卡湖，贝蒂赫顿；

经纪人透露宾克罗斯比，艾伦拉德和长期为加里库珀工作室工作的长期演员-自1942年开始。在二战期间，五大电影公司没有达到同意裁判书的要求，没有发生重大后果。但是二战结束后，在好莱坞反垄断案中，他们作为被告加入了派拉蒙。

最高法院最终裁决主要制片厂电影院的所有权和影片发行是违反谢尔曼反托拉斯法。结果，工作室开始释放演员和技术人员通过与他们的合同。好莱坞主要的工作室改变了电影的模式，因为每个工作室都挺有一个完全不同的演员阵容和创新团队。

这导致了逐渐失去特色，米高梅电影制片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥伦比亚公司，RKO公司和福克斯电影公司很快认识到这一点。

但是某些电影人，例如塞西尔B德米尔公司同演员的合同也是到他们职业生涯的最后或者电影使用相同的创意团队，以至于德米勒电影无论是1932年制造还是1956年制造看起来仍然像是一个模式。并且每年电影制作的数量随着平均预算猛增而下降，在行业策略上标志一个重大变化。

现在工作室目的在于生产娱乐，而这种娱乐是电视无法提供的： 壮观的，有英雄色彩的影片。工作室还开始出售部分电影胶片库给其他公司去销售电视。到1949年，所有大型电影制片厂放弃了他们剧院的所有权。

电视也有助于好莱坞黄金时代的下降，因为它打破了电影业在美国娱乐界的霸权地位。尽管电影业在19世纪50年代随着长期政府检查制度淡化，在未来电影中能够获得一些影响力。在派拉蒙反垄断案结束后，好莱坞电影制片厂不再拥有电影院，因此致使美国影片能够在美国电影院不需要审查制度。

这补充了1952年奇迹在斯泰因公司同约瑟夫威尔逊事件的决定。 美国最高法院改变了其早期的立场。从1915年的相互电影公司同俄亥俄州案工业委员会的案件中，陈述了电影是艺术的形式，有权保护第一修正案；美国法律不再审查电影。

到1968年，美国电影协会（MPAA）代替了海斯法典-在政府威胁检查后，其现在极大侵犯了美国电影协会，证明准则的起源已经同电影分级制度一起结束了。

五、新好莱坞和后经典电影

后经典电影这词用来形容新好莱坞变化的故事叙述方式。人们认为新的剧本与塑造人物的新方式利用观众在经典时期培养起的期望：打乱的年份，以结局出人意料为特色的故事情节，主角与反派间模糊的台词。

后经典故事叙述的本质展现在黑色电影中，如1955年《无因的反抗》，以及希区柯克情节支离破碎的《惊魂记》。

“新好莱坞”一词用来描述新一代电影学院培养的导演的崛起。他们掌握了六十年代欧洲发展起来的技巧。1967年电影《邦尼和克莱德》标志着美国电影重振的开端，也意味着此后新一代电影，在票房上能够取得成功。

好莱坞一直坚守制片人中心制的原则，新好莱坞独立制片的出现，开创了导演和制片人融合的趋势，形成导演资本制。

同时担任电影制片人和导演的法兰西斯·福特·柯波拉、佐治·卢卡斯、布莱恩·德·帕尔玛、马田·史高西斯、威廉·弗莱德金、史蒂芬·斯皮尔伯格开始拍摄向电影历史致敬的影片，并发展了现有的电影体裁与技巧。七十年代早期，他们的电影不仅受到好评，还取得票房成功。

早期的新好莱坞电影，例如邦尼与克莱德，逍遥骑士是成本较低的影片，没有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮尔伯格与卢卡斯各自凭借《教父》，《大白鲨》以及《星际大战》取得了巨大成功，这有助于现代大片的产生，也吸引制片厂更加关注制作更多大片。

这些年轻导演的更多投入并没有带来好处。通常，他们把时间表排的太满，预算超支，因此导致自己或摄影棚破产。最有名的两个例子是科波拉的《旧爱新欢》，最典型的是迈克尔·西米诺的《天堂之门》，单是这部影片就使美国联艺电影公司破产。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英国，是一位闻名世界的电影导演，尤其擅长于拍摄惊悚悬疑片。

这位世界所公认的恐怖大师，事实上也是由他发明了“惊悚文艺类影片”（the thriller genre）这一电影类型。阿佛莱德·希区柯克同时也是个优秀的技师，熟练的把性感、悬疑、幽默都融合在一部电影里。

(6)美国电影分析扩展阅读：

今日好莱坞

一、运作特色

好莱坞电影常会有透过片厂（电影发行商）与制作人签约合作的方式，分别让片商负责贩售的通路，而制作人则专注于电影本身，出产行销全球的大型制作影片。

二、叙事美学

在好莱坞影片的剧情铺陈，少有文化或语言的障碍，其主题多是可跨文化传播的高概念电影，这样的作品因为主题符合主流市场，故全球都容易推销。因此现在好莱坞也成为世界许多地方电影的代名词。

虽然此类电影票房好、跨文化，但也有文化评论者批判若独尊高概念电影，会造成电影叙事风格如出一辙，了无新意，“是一种商业化和专断化，最终将导致多样化的消失。面对这样的全球霸权，负责任的电影人和批评家应该让眼光超越好莱坞，建设多元的电影模式”。

三、产业规模

美国因为电影相关的文化产业，造就了许多的工作机会与庞大的商机。据美国电影协会报告指出，2011年美国电影业造就的就业总数超过220万人，其中约有70万名为直接的电影行业从业人员，另外150万名为间接受雇支援电影制作工作的各种人员，2012年美国电影业收入为107亿美元。

⑦ 电影美国丽人的鉴赏分析

突出在当时社会快节奏生活调调，放慢生活会更好

⑧ 英美电影与中国电影的区别，在影评，音乐，演员，角色，导演，类型等方面，进行分析。

美国从1776年建立迄今为止不过236年的时间，历史很短，所以网上流传着一个段子：美国人没有历史，只能拍科幻片；中国人没有未来，所以只能拍宫廷剧。当然，这仅仅是网友的一个吐槽。但这无疑从侧面印证由于科技的高超，美国在科幻类新的电影中拔得头筹并长青不老。其实英美电影和中国电影在任何方面的区别都是历史文化背景不同所导致的。
类型方面：由于美国是一个移民国家，所以美国有独特的西部片；虽然俩国都有关于战争的电影，但是由于美国经常是侵略者而中国是受害者，所以美国的战争片经常是以战争给美国人带来心灵和精神上的创伤为切入点来展开的，比如《全金属外壳》，而中国是站在受害者的角度上来展现中国人民在抵抗外来侵略的过程中表现出来的机智勇敢的；由于中国城市化的时间还不行，所以文艺片大多都是乡土文学，满含泥土的气息，而美国城市化则非常先进，所以文艺片大多都从现代物质繁荣带给大家的精神、感情上的困惑来叙述的。
导演方面：我没认为有什么本质的区别，有区别，可能是导演个性方面，但叙述手法和方式几乎都万变不离其宗。每个导演都是一部电影的灵魂，所以各个精彩的电影的背后是有着各个有精彩故事的导演，导演叙述故事的能力强不强，导致了电影好不好看。商业片和文艺片或者纪录片都有很大的不同，所以不存在哪国的导演更商业化，哪国的导演更理想化，人生存的理由不同，也就造就了导演的不同。
角色方面：因为中国更强调集体主义、尊老爱幼、相互帮助这类的传统美德，所以中国的电影在塑造角色方面出了复杂的人性外，还有道德的约束；因为美国是一个法制国家，市场化也高速发达，所以在塑造角色方面更侧重于自我以及在“美国梦”下的美国人的生生不息、顽强拼搏。比如拿励志电影来说事儿，中国的《奋斗》中的陆涛就是激励起同事的对事业和生活的热爱和激情并和这些同事合作才创造了属于自己的辉煌，而美国的《肖申克的救赎》中的ANDY则是通过自己渊博的专业知识和在监狱里对于自己爱好的执着为自己的越狱打下了坚实的基础。
演员方面：这个方面的区别和导演的区别差不多，但是有一点可以肯定的是美国人更会演戏。因为美国是最早普及电影技术的，而梦工厂好莱坞也扎根在美国，所以有一个实在的环境和硬件在那放着。但是中国也不缺乏好的电影演员，比如：梁朝伟、刘德华、黄秋生、曾志伟、周润发、张国荣。其实不难看到，中国的好演员大多在港台，这也和文化环境有关。美国演员我则更喜欢马龙。白兰度和史泰龙，都是硬汉和写实表演特别出色的演员。
音乐方面：我对这方面没有太多的了解。
影评方面：美国电影的商业化色彩太浓重了，所以评论家的关注点还在票房上，但这并不意味着人家的电影没有艺术内涵，我就不觉得美国的电影没有深刻挖掘人性、普世的价值观以及人类在生活中的常态。中国的影评家可能更带有知识分子的情节，总是站在他的角度来用自己的喜爱厌恶来评价电影，所以我们总是在影评中看到各种专业的词汇、各种和文化挂钩的名词（人文底蕴，厚重感，）以及各种本来电影没有传达出但是却因为他们自己的对社会的不满和控诉而表达出来的愤懑。所以我经常说，你不是不看美国大片么？那你还经常挂在嘴边：YOU JUMP, I JUMP！（泰坦尼克号的经典台词）。
仁者见山，智者乐水，希望自己的一点看法能帮到你。 （因为我看美国电影比较多，所以回答未免有失偏薄了）

⑨ 欧美获奖电影分析

就拿奥斯卡为例吧，因为在国际上最权威，影响也最大嘛~影片首先要是文艺片，因为文艺片获奖的概率最大（当然泰坦尼克号和指环王3是个例外）至于题材呢，这个没什么定论，好比剧情片《英国病人》，惊悚片《沉默的羔羊》，爱情片《美丽心灵》，犯罪片《无间行者》，战争片《勇敢的心》，励志片《阿甘正传》，传记片《甘地传》，其包含了各种题材的电影，所以说题材是不限的（优秀就好）。至于获奖影片的意义关键在于影片是否有值得人深思的内涵，或者说是反映了一些值得深入探讨的主旨，就拿80届奥斯卡最佳影片《老无所依》来说，一个电影里包含的主题和含义深深地隐藏在了人物对话之间，深入研究后，让人感觉受益匪浅，还有78届最佳影片《撞车》，整部电影所包含的信息和主题简直可以称得上是美国社会的网络全书，还有第67届《阿甘正传》阿甘的精神感动了一批人，虽然仅仅是一个人的电影，却反映了一代美国梦，所以欧美的获奖电影，和中国不同，他毫无商业色彩也少有明星成分，一部电影可以反映人性，可以反映社会现实，也可以反映人生态度，但是只要你很精辟，就能在欧美电影的获奖名单里占有一席之地~好了...这就是我的态度，挺肤浅的，望楼主采纳！

⑩ 好莱坞电影中的典型特点

1、非限制型的叙述手法：经典好莱坞电影的叙事众多技法中最明显的倾向是采用“客观化”，意即呈现一个基本的客观故事，在此基础上穿插人物的“知觉主观”和“心理主观”视点。因此，经典好莱坞叙事电影通常都用非限制型的叙述手法。

2、戏剧化的故事结构：经典好莱坞电影在结构故事和展开情节方面明显地以戏剧化作为基础，故事情节充满戏剧性冲突。

3、角色结构谱：经典好莱坞影片的角色往往有：正面人物（protagonist）、反面人物（antagonist）、配角（supporting）、主动角色（active）。

被动角色（passive）、刻板角色（cliche）、单线人物（one-string）、圆形人物（round）、扁平人物(flat)。

4、蒙太奇技巧：美国电影导演格里菲斯在《一个国家的诞生》等影片中创造性的在场面之内进行大量的切换，直接把戏剧性空间解构，然后重新组合以适应观众的思维和情感参与。

并由此发展出后来成为经典好莱坞叙事的一种拍摄和剪辑语法：用主镜头或交待镜头建立一个故事的发生地点，然后，当动作发展时，切至人或物的中景，在戏剧性高潮时用特写来吸引观众的注意力。

5、全知的叙述模式：当摄影机采取全知的叙述模式时，观众对剧情的了解就远远大于剧中人对剧情的了解，观众就实际上进入到一个和导演无意的共谋。

即观众和导演都在剧中人“上面”，犹如上帝一样俯视剧中人物困境。这时观众对剧中人物的认同转移到对导演的认同，观众从剧情的参与者转移为旁观者。