現代藝術博物館里的小電影
⑴ 關於電影史的
第一部電影影拍攝描述的是：日常生活
第一位偉大導演：麥利遜
早期電影經典演員：卓別林、范倫鐵諾
早期的電影都是「無聲電影」。然而，電影發行商發現，在播放電影時有一個講評人來敘述故事、補上角色間的對話，可以更吸引觀眾。沒過幾年，播放的電影都會在下邊附上字幕，這樣就可以在演員「說話」時，表示出他說的內容。這使得講評人的必要性大打折扣。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現：當一個物體在人的眼前消失後，該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間，這一發現，被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來，而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現，標志著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年，美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功；1853年，奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上，運用幻燈，放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進，是電影得以誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年，法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」，曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後，一張照片縮短至30分鍾左右，由於感光材料的不斷更新使用，攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鍾，1851年，濕性珂珞酊底版製成後，攝影速度就縮短到了1秒，這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年，美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照，經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功，接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑，受此啟發，1882年，法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法，試製成功了「攝影槍」，並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上，又創造了「活動底片連續攝影機」，1888年9月，他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間，法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年，法國人雷諾試制了 「光學影戲機」，用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年，美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後，又經過5年的實驗後，發明了電影視鏡。他將攝制的膠片影像在紐約公映，轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞，一次放幾十英尺的膠片，內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動，造成活動的幻覺，可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里，正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
你若問美國電影界的人，他們會異口同聲地回答：「是愛迪生發明的。」但你如果去問法國人，他們則會說：「是盧米埃！」那麼誰才是電影真正的發明者呢？答案：兩個人都是！根據記載：在1888年，愛迪生開始研究活動照片，而當伊斯曼發明了連續底片後，愛迪生立刻將連續底片買回來，請威廉甘乃迪和羅利狄克生著手進行研究。到了第二年的十月，迪克生提出研究的結果，他將之拍攝成會活動的馬，這就是電影史上最早攝影的成功。成功之後的迪克生，繼續埋首更深的研究，一八九〇年，他用能活動的圖片申請到專利，這些活動圖片每秒鍾能拍四十張，這就是現代影片的鼻祖。一八九一年，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生申請影像映出管和攝影裝置的專利權，這是「西洋鏡」電影的鼻祖。托馬斯·阿爾瓦·愛迪生發明「西洋鏡」電影的想法是，由於西洋鏡一次只能由一個人去」窺看」，藉著人們的好奇心，如此便可以增加利益，於是這種電影在一時間非常流行。不久，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生又創造了世界最早的攝影棚，大有助於電影的發展。起初，在歐洲，也有人在對這些活動照片作研究。一八九五年，倫敦有兩位名叫巴德艾卡和R.W.保羅的人，把初步的攝影棚改良後，在大庭廣眾之前舉行表演。同時間，在法國有兩位名叫路易盧米埃和奧古斯特盧米埃的兄弟，他們將照片映射在布幕上，因而吸引了大批好奇的觀眾。放映電影就此展開序幕。盧米埃兄弟接著巴黎工業獎勵學會上試映了一部名叫「盧米埃工廠了大門」影片，同年十二月，在巴黎布辛奴街「大咖啡館」的地下大廳，正式公開上映十二部影片，並出售門票。同年九月，在美國亞特蘭大所舉行的世界博覽會，放映這種射映式影片時，也出售門票。如此可知，早在電影產生的同時，就已和營利結下了不解之緣。先驅 （盧米埃）法國化學家，與其北路易共同發明電影攝影機和放映機，為電影實驗的先驅。
奧斯卡終身成就獎
1936年 - D·W·格里菲思（D. W. Griffith） - 為他作為導演和製片人對電影藝術長期的傑出的貢獻。
1937年 - March of Time - 為它開創了電影的一個重要分支-新聞影片
1937年 W·霍華德·格林(W. Howard Greene)、哈羅德·羅森（Harold Rosson） - 為塞爾茲尼克國際電影公司出品的《阿拉的花園》(The Garden of Allah）的彩色攝影技術。
1938年 - 現代藝術博物館電影館 - 為它收藏了從1895年至今的電影資料，確定電影是藝術的重要部分，並向公眾開放從而讓更多的人了解電影的歷史。
1938年 - 埃德加·伯根（Edgar Bergen) - 為他卓著的喜劇天才。
1938年 - 馬克賽·納特（Mack Sennett） - 為他對喜劇電影持久的貢獻，學院提出一個特別褒獎給這位充滿了樂趣、挖掘新人，富有同情心的喜劇天才。
1938年 - W·霍華德·格林（W. Howard Greene） - 為他在《一個明星的誕生》（A Star Is Born）的彩色攝影技術。
1939年 - 亞瑟·保爾（Arthur Ball） - 為他在彩色電影攝影中的傑出貢獻。
1939年 - 哈里·M·華納（Harry M. Warner） - 為他記錄了美國人早期為自由而奮斗的歷史。
1939年 - 華特·迪士尼（Walt Disney） - 為《白雪公主》開創了一個新的娛樂領域。
1939年 - 高登·詹寧斯（Gordon Jennings，特別效果）、簡·多梅拉（Jan Domela，特別效果助理）、德弗羅·詹寧斯（Devereaux Jennings，特別效果助理）、艾爾明·羅伯特（Irmin Roberts，特別效果）、阿特·史密斯（Art Smith，特別效果）、法喬特·埃多特（Farciot Edouart，透明效果）、洛亞爾·格里格斯（Loyal Griggs，透明效果助理）、洛倫·L·里德（Loren L. Ryder，聲效）、哈里·D·米爾斯（Harry D. Mills，聲效助理）、路易斯·梅塞科普（Louis Mesenkop，聲效助理）、沃特·奧伯斯特(Walter Oberst，聲效助理） - 為《Spawn of the North》里傑出的畫面和聲音效果。
1939年 - 奧利弗·T·馬什(Oliver T. Marsh)、艾倫·M·戴維（Allen M. Davey） - 為米高梅公司出品的電影《甜心》（Sweethearts）的彩色攝影技術。
1940年代
1940年 - 吉恩·赫肖爾特（Jean Hersholt，總裁）、拉爾夫·摩根（Ralph Morgan，主席）、拉爾夫·布洛克（Ralph Block，第一副總裁）、康拉德·內格爾（Conrad Nagel）、美國電影電視基金會 - 表彰基金會卓越的工作推動了電影的發展。
1940年 - 特藝七彩公司 - 為它成功地將三色技術應用到銀幕上。
1940年 - 道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks） - 作為第一位美國電影藝術與科學學院主席，道格拉斯·范朋克為全球電影的發展做出卓越的貢獻。
1940年 - 威廉·卡梅隆·曼澤斯（William Cameron Menzies） - 為表彰他在《亂世佳人》中成功運用彩色技術。
1941年 - 鮑勃·霍普（Bob Hope） - 為他對電影事業無私的奉獻。
1941年 - 內森·萊文森（Nathan Levinson） - 為他過去9年來為電影事業和軍隊的服務，從而可以方便地拍攝軍隊題材的電影。
1942年 - 華特·迪士尼（Walt Disney）、威廉·E·格雷提（William E. Garity）、J·N·A·霍金斯（J. N. A. Hawkins）、RCA製造公司 - 為表彰他們在《幻想曲》中運用聲音的先進技術。
1942年 - 列奧波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）和他的同事 - 為表彰他們在華特迪士尼公司公司出品的電影《幻想曲》中充滿創造力的音樂。
1942年 - 斯科特·雷（Scott Rey） - 為他在艱難危險的環境下用16毫米的膠片攝制了一部關於中國戰爭的紀錄片《Kukan》。
1942年 - 英國信息部（United Kingdom Ministry of Information） - 紀錄片《今夜的轟炸目標》（Target for Tonight）逼真地呈現了英國皇家空軍的勇氣。
1943年 - 米高梅公司 - 為出品的Andy Hardy系列電影中展現了美國人的生活。
1943年 - 查爾斯·博耶（Charles Boyer） - 為他在洛杉磯成立了法國研究基金會所作的貢獻。
1943年 - 諾埃爾·科沃德（Noel Coward） - 為影片《與祖國同在》（In Which We Serve）的所付出的努力。
1944年 - 喬治·佩爾（George Pál） - 為他在電影木偶片的製作採用新穎的方法和技術。
1945年 - 鮑勃·霍普（Bob Hope） - 為他為學院所作的貢獻（美國電影藝術與科學學院終身會員）。
1946年 - 丹尼爾·J·布盧姆伯格（Daniel J. Bloomberg）、合眾錄音室（Republic Studio）、合眾音效部門（Republic Sound Department） - 為他們建立了一個出色的音樂錄音室，將各種聲音元素完美得融合在一起。
1946年 - 沃爾特·萬格（Walter Wanger） - 為他六年來作為美國電影藝術與科學學院主席所作的貢獻。
1946年 - 弗蘭克·羅斯（Frank Ross）、莫文·里羅伊（Mervyn LeRoy） - 為短片《The House I Live In》和同名歌曲。
1947年 - 恩斯特·盧比西奇（Ernst Lubitsch） - 他為電影藝術做出了獨一無二地貢獻。
1947年 - 哈羅德·拉塞爾（Harold Russell） - 他在《黃金時代》（The Best Years of Our Lives）的表演給其他退伍老兵帶來希望和勇氣。
1947年 - 勞倫斯·奧利維爾（Laurence Olivier） - 在電影《亨利五世》（Henry V）中集演員、導演和製片於一身。
1948年 - 威廉·塞利格（William Selig）、艾伯特·史密斯（Albert E. Smith）、托馬斯·阿馬特（Thomas Armat）、喬治·K·斯波（George K. Spoor） - 電影的先鋒小組之一，他們為電影的發展貢獻了畢生的心血。
1948年 - 電影《Bill and Coo》 - 將小說的藝術性和電影的娛樂性完美地結合起來。
1948年 - 義大利電影《擦鞋童》（Sciuscià） - 這部優秀的電影把我們帶入了處於飽經戰爭創傷的國家中的悲慘生活，它向世界證明了面對災難，精神的力量可以取得最後的勝利。後來衍生出奧斯卡最佳外語片獎。
1948年 - 詹姆斯·巴斯克特（James Baskett） - 他在迪士尼第一部長篇真人與動畫合演的影片《南方之歌》（Song of the South）飾演的雷姆斯大叔受到全球孩子的喜愛。
1949年 - 西德尼·格勞曼（Sid Grauman） - 劇院之王，提高了電影院的建造標准。
1949年 - 阿道夫·朱克（Adolph Zukor） - 一個四十年來致力電影事業，被稱為美國電影之父的人。
1949年 - 沃爾特·萬格（Walter Wanger） - 他製作的電影《聖女貞德》（Joan of Arc）給全球觀眾帶來道德的高度境界。
1949年 - 法國電影《文森特先生》（Monsieur Vincent） - 1948年在美國發行的最佳外語片。
1950年代
1950年 - 弗雷德·阿斯泰爾（Fred Astaire） - 為他獨一無二的藝術性和在音樂片卓越貢獻。
1950年 - 賽西爾·德米爾（Cecil B. DeMille） - 傑出的電影的先鋒者，37年來光輝的表演歷程。
1950年 - 吉恩·赫肖爾特（Jean Hersholt） - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1950年 - 義大利電影《偷自行車的人》（Ladri di biciclette） - 1949年美國發行的最佳外語片。
1951年 - 路易·B·梅耶(Louis B. Mayer) - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1951年 - 喬治·墨菲（George Murphy） - 他演繹的電影影響了全國。
1951年 - 意法合拍電影《馬拉帕加之牆》（Au-delà des grilles） - 1950年美國發行的最佳外語片。
1952年 - 金·凱利（Gene Kelly） - 表彰他的多才多藝，作為導演、演員、歌手和舞者對電影的巨大貢獻。
1952年 - 日本電影《羅生門》（Rashômon） - 1951年美國發行的最佳外語片。
1953年 - 梅里安· C·庫珀（Merian C. Cooper） - 為他對電影藝術的很多創新和貢獻。
1953年 - 鮑勃·霍普（Bob Hope） - 他為全球觀眾帶去笑聲。
1953年 - 哈羅德·勞埃德（Harold Lloyd） - 喜劇大師和好公民。
1953年 - 喬治·艾爾弗雷德·米契爾（George Alfred Mitchell） - 為他對攝像機的革新和發展，並在攝影領域持續的努力。
1953年 - 約瑟夫·申克（Joseph M. Schenck） - 為他長期對電影事業的服務。
1953年 - 法國影片《禁忌的游戲》（Jeux interdits） - 1951年美國發行的最佳外語片。
1954年 - 二十世紀福斯影片公司 - 表彰他們創新了西尼瑪斯柯普系統寬銀幕電影。
1954年 - 貝靈巧公司（Bell and Howell）- 為他們發明的電影基礎設備促進了電影產業發展。
1954年 - 約瑟芬·布林(Joseph Breen) - 為他對美國電影製作規范嚴謹而開放的管理。
1954年 - 佩特·史密斯（Pete Smith） - 為他創作的《Pete Smith Specialties》系列短片里幽默敏銳的風格。
1955年 - 博士倫公司 - 為他們對電影產業發展的貢獻。
1955年 - 葛麗泰·嘉寶（Greta Garbo） - 為她精湛的表演。
1955年 - 丹尼·凱（Danny Kaye） - 為他的才能和多年來對學院，電影產業和美國人民的貢獻。
1955年 - 肯普·尼弗（Kemp Niver） - 為他對美國國會圖書館恢復收藏電影資料的努力。
1955年 - 喬恩·懷特利（Jon Whiteley） - 為他在電影《小拐騙者》里出色的表演。
1955年 - 文森特·溫特（Vincent Winter） - 為他在電影《小拐騙者》里出色的表演。
1955年 - 日本電影《地獄門》（Jigokumon） - 1954年美國發行的最佳外語片。
1956年 - 日本電影《宮本武藏》（Miyamoto Musashi） – 1955年美國發行的最佳外語片。
1957年 - 埃迪·坎特（Eddie Cantor） - 為他對電影產業多年的貢獻。
1958年 - 電影和電視工程師協會 - 為他們對電影產業的推動和貢獻。
1958年 - 布朗喬·比利·安德森（Broncho Billy Anderson） - 電影的先鋒者，對電影成為大眾娛樂作出貢獻。
1959年 - 查爾斯·布拉克特（Charles Brackett） - 為他對美國電影藝術與科學學院的服務。
1959年 - B·B·卡亨（B. B. Kahane） - 為他對電影產業的貢獻。
1959年 - 莫里斯·切瓦力亞（Maurice Chevalier） - 為他半個多世紀以來對全球娛樂業的貢獻。
1960年代
1960年 - 李·德·福雷斯特（Lee De Forest） - 為他的創造性發明給電影帶來了聲音。
1960年 - 巴斯特·基頓(Buster Keaton) - 為他獨一無二的喜劇才華。
1961年 - 賈利·古柏（Gary Cooper） - 他在銀幕上留下了很多令人難以忘記的形象，受到全球觀眾的肯定。
1961年 - 斯坦·勞雷爾（Stan Laurel） - 為他在喜劇電影領域的創新精神。
1962年 - 弗雷德·L·梅茨勒（Fred L. Metzler） - 為他對美國電影藝術與科學學院的服務。
1962年 - 傑洛姆·羅賓斯（Jerome Robbins） -為他對電影編舞藝術的傑出貢獻。
1962年 - 威廉·亨德里克斯（William L. Hendricks） - 他編劇並監制的描寫海軍陸戰隊的電影《一支准備就緒的軍隊》（A Force in Readiness）給學院和電影產業帶來榮譽。
1963年 - 空缺
1964年 - 空缺
1965年 - 威廉·塔特爾（William Tuttle） - 為他在影片《勞博士的七張臉孔》（7 Faces of Dr. Lao）中展現的高超化妝技巧。
1966年 - 鮑勃·霍普（Bob Hope） - 為他對電影產業巨大的貢獻。
1967年 - 亞基馬·坎納特（Yakima Canutt） - 為表彰他作為特技演員所獲得的成就和創造了安全的設備以保護全球特技演員。
1967年 - 弗蘭克·弗里曼（Frank Freeman） - 為他在好萊塢30年來對學院的巨大貢獻。
1968年 - 阿瑟·弗里德（Arthur Freed） - 為他對學院的服務，製作了六次最受歡迎的頒獎電視節目。
1969年 - 奧納·懷特（Onna White） - 為她在《霧都孤兒》(Oliver!）里的編舞藝術。
1969年 - 約翰·錢伯斯（John Chambers） - 為他在影片《決戰猩球》（Planet of the Apes）中出神入化的化妝技術。
1970年代
1970年 - 加里·格蘭特（Cary Grant） - 為他在高超的演技贏得了同事的尊敬。
1971年 - 莉蓮·吉許（Lillian Gish） - 為她精湛的藝術性和對電影發展的貢獻。
1971年 - 奧森·威爾士（Orson Welles） - 他製作的電影藝術性強，類型多變。
1972年 - 查理·卓別林（Charlie Chaplin） - 為他整個世紀以來對電影產業無可估量的貢獻。
1973年 - 查爾斯·博倫（Charles S. Boren） - 38年來作為電影業代表，為改善勞資關系和消除種族歧視貢獻良多。
1973年 - 愛德華·羅賓遜（Edward G. Robinson） - 一個偉大的演員，一個為藝術獻身的人。
1974年 - 亨利·朗格盧瓦（Henri Langlois） - 為他多年來對電影藝術的執著和大量的貢獻。
1974年 - 格勞喬·馬克斯（Groucho Marx） - 表彰他的創造力和馬克思兄弟在喜劇電影上無與倫比的成就。
1975年 - 霍華德·霍克斯（Howard Hawks） - 一個美國電影製作大師，在全球電影史上留下他的篇章。
1975年 - 讓·雷諾阿（Jean Renoir） - 一個天才的演員，從無聲電影到有聲電影，從故事片、記錄片到電視都有他的完美的演出，得到全球影迷的愛戴。
1976年 - 瑪麗·畢克馥（Mary Pickford） - 表彰她為電影獨一無二的貢獻並發展了電影藝術的表現手法。
1977年 - 空缺
1978年 - 本·伯特（Ben Burtt） - 為影片《星球大戰》傑出的聲效。
1978年 - 瑪格麗特·布斯（Margaret Booth） - 為她對電影剪輯藝術的貢獻。
1979年 - 現代藝術博物館電影館 - 為它對公眾接受電影作為藝術形式之一的貢獻。
1979年 - 沃特·藍茲（Walter Lantz） - 他創作的動畫片為全球帶來快樂和笑聲。
1979年 - 勞倫斯·奧利維爾（Laurence Olivier） - 他的一生都獻給了電影藝術。
1979年 - 金·維多（King Vidor） - 作為電影的改革者，貢獻巨大。
1980年代
1980年 - 哈爾·埃利亞斯（Hal Elias） - 為他多年來為美國電影藝術與科學學院的辛勤工作和卓越貢獻。
1980年 - 亞歷克·吉尼斯（Alec Guinness） - 為他高超的演技，在銀幕上塑造了眾多難忘且個性鮮明的人物。
1981年 - 亨利·方達（Henry Fonda） - 一個演技精湛的演員，為電影藝術作出光輝長久的貢獻。
1982年 - 芭芭拉·斯坦威克（Barbara Stanwyck） - 她演技高超，富有創造力，為電影藝術作出獨一無二的貢獻。
1983年 - 米基·魯尼（Mickey Rooney） - 為表彰他50年來在銀幕上塑造了豐富多彩的人物。
1984年 - 哈爾·羅奇([Hal Roach) - 為表彰他為電影藝術的卓越貢獻。
1985年 - 美國國家藝術基金會（The National Endowment for the Arts）- 基金會成立20周年，一直為各個藝術領域的項目提供支持。
1985年 - 詹姆斯·史都華（James Stewart） - 為他50年來令人印象深刻的表演，為他銀幕上下都是完美的典型，影響了合作過的人，並得到了他們的敬重。
1986年 - 保羅·紐曼（Paul Newman） - 他為人正直，獻身於自己的事業，塑造眾多令人信服的銀幕形象，。
1986年 - 阿萊克斯·諾斯（Alex North）- 為表彰他在眾多不同的影片中精彩的配樂。
1987年 - 拉爾夫·貝拉米（Ralph Bellamy） - 為他卓越的藝術才能以及為表演獻身的精神。
1988年 - 空缺
1989年 - 伊士曼柯達公司 - 為100年來對電影的貢獻。
1989年 - 加拿大國家電影委員會 - 委員會成立50周年，對電影製作的各個領域提供支持。
1990年代
1990年 - 黑澤明（Akira Kurosawa） - 為他在電影上的成就鼓舞了全世界的觀眾，並影響了全球的電影人。
1991年 - 索菲亞·羅蘭（Sophia Loren） - 為她的一生演繹了眾多令人難忘的角色。
1991年 - 茂娜·羅埃（Myrna Loy） - 為她銀幕上下非凡的美德。
1992年 - 薩蒂亞吉特·雷伊（Satyajit Ray） - 為他精湛的電影表現手法和人道主義的觀，影響了全球觀眾。
1993年 - 費德里柯·費里尼（Federico Fellini） - 為他在電影上的成就鼓勵了全球觀眾。
1994年 - 狄波拉·嘉（Deborah Kerr） - 一位完美優雅的藝術家，一個獻身於表演的演員，她的作品總是完美無缺。
1995年 - 米開朗基羅·安東尼奧尼（Michelangelo Antonioni）
1996年 - 柯克·道格拉斯（Kirk Douglas） - 為他50年來對電影事業持續的創新精神。
1996年 - 查克·瓊斯（Chuck Jones） - 為他半個世紀以來創造了很多經典的卡通角色為大家帶來了歡樂。
1997年 - 邁克爾·基德（Michael Kidd） - 為他編舞的高超技術。
1998年 - 斯坦利·多南（Stanley Donen） - 感謝他終身為電影的奉獻，他的作品優雅風趣、大膽創新。
1999年 - 伊利亞·卡贊（Elia Kazan） - 感謝他長期卓越的工作，他在電影上革新影響了電影界。
2000年代
2000年 - 安傑伊·瓦依達(Andrzej Wajda) - 為他對電影的巨大貢獻。
2001年 - 傑克·卡迪夫（Jack Cardiff）
2001年 - 歐內斯特·萊曼（Ernest Lehman） - 集多種角色於一身，對電影貢獻巨大。
2002年 - 西德尼·波蒂埃（Sidney Poitier） - 為他的非凡表現力。
2002年 - 羅伯特·雷德福（Robert Redford） - 演員、導演和製片，影響了全球的電影人。
2003年 - 彼得·奧圖爾（Peter O'Toole） - 一個天才的演員，一生演繹了眾多令人記憶深刻的角色。
2004年 - 布萊克·愛德華（Blake Edwards） - 表彰他在編劇、導演和製片多方面的才能。
2005年 - 希德尼·魯邁特（Sidney Lumet） - 為他編劇和表演的才華。
2006年 - 羅伯特·奧特曼（Robert Altman） - 為表彰他一生為電影事業的貢獻。
2007年 - 埃尼奧·莫里康內（Ennio Morricone）為他在電影音樂做出傑出貢獻。
2008年 - 羅伯特-博伊（Robert Boy） - 為他傑出的美術設計 2009年 - 空缺
2010年 - 勞倫-白考爾（Lauren Bacall）羅傑-考曼（Roger Corman）高登-威利斯（Gordon Willis）
⑵ 紐約現代藝術博物館的館藏文物
現代藝術博物館目前已擁有館藏超過15萬件個人作品、2萬多部電影以及4百萬幅電影劇照。其中最著名的作品包括：
梵高：《星月夜》
畢加索：《亞威農的少女》
達利：《記憶的永恆》
莫奈：《睡蓮》
馬諦斯：《舞》
蒙德里安：《百老匯爵士樂》
塞尚：《沐浴者》
卡蘿：《斷發的自畫像》
該館亦有不少美國現代藝術家的經典作品，如傑克森·波洛克、喬治亞·歐姬芙、辛迪·雪曼、愛德華·霍普、安迪·沃荷、尚·米榭·巴斯奇亞、岑克·克羅斯、雷夫·巴格許與賈斯培·瓊斯。
現代藝術博物館同時也是將攝影藝術納入館藏的重要機構。在第一任攝影部主任愛德華·史泰欽的主持下，收入了不少新聞攝影與藝術攝影的傑作，並由約翰·札考斯基擴大規模，將電影、電影劇照等也納入收藏，使得此館成為美國電影與影片收藏的重鎮。
該館也針對設計作品開始典藏，包括有野口勇的設計產品、喬治·納爾遜、保羅·拉茲羅、埃姆斯夫婦等設計的椅子、燈具。收藏品范圍相當廣，小到第一個能自動調整角度的滾珠軸承，大至一台貝爾47D1型的直升機。
2000年之後，現代藝術博物館由於館藏擴充甚多，原館址亦需整修，遂開始了新建物的計劃。該館在2002年5月21日關閉，將部份館藏遷往皇後區長島市的一個舊釘書針工廠繼續展覽，稱做MoMA QNS。2004年11月20日，由日本建築師谷口吉生設計的新館開幕，門票從美金12元調漲到20元，引起了不少爭議。使它成為紐約市中最昂貴的博物館之一。幸而該館經美國Target連鎖店贊助後，保持於每周五下午四點後，開放訪客免費參觀。谷口吉生的作品也在開館時廣受評論，除批評外觀不過是一個中規中矩的現代建築外，亦有不少人對館內動線感到不滿。
在新館的花崗岩與玻璃建物外觀都完成後，該館一年的訪客數約為250萬人次，比往年約150萬人數增加了許多，現任館長葛蘭·羅瑞希望保持訪客數在210萬人次。
2000年，現代藝術博物館宣布與英國泰德美術館聯盟，共同投資設立以現代藝術為主的大型網站。
⑶ 《方形》這部電影有哪些看點
近日，萬眾期待的2017年金棕櫚大獎得主《方形》（又譯《魔方》、《自由廣場》）幾天前，在北大百年講堂舉行了全京唯一一場公映。在我們因2015、2016年的金棕櫚獎得主（《流浪的迪潘》、《我是布萊克》）粗糲的現實主義而驚訝的時候（畢竟金棕櫚一向以藝術電影的桂冠而自傲），《方形》可謂是一個不大不小的折返點。
飽滿的畫框、精湛的運鏡、意味十足的調度，無不宣示著「形式」的折返，然而，這折返卻是以一種自嘲的姿態呈現的。在這部作品的形式特徵中，最引人注目的，莫過於從標題開始，到影片的每一個角落，都隨處可見的square（方形）。這部層次豐富的作品，為我們展現了一個變形、疊化、碰撞的方塊組成的世界。
⑷ vr電影有什麼/vr電影有什麼
《生命之初》：這部由大衛·愛登堡解說的紀錄片將你帶回到5億年前的海底世界。由倫敦自然歷史博物館製作。
《Stonemilker》：由Rewind工作室為現代藝術博物館的比約克展而製作，這部在冰島沙灘上拍攝的虛擬現實MV彰顯了環繞聲（以及多位比約克）的感染力。
《亨利》：Oculus Story Studio製作的第二部電影，這部由前皮克斯導演製作的動畫短片的主角是一隻討人喜歡的小刺蝟。需使用Oculus Rift觀看。
《像鳥一樣飛翔》（Birdly）：與其說是一部電影，更像是一種體驗，《像鳥一樣飛翔》將你固定在鳥型模擬器上，輔以風機讓你體驗飛翔在舊金山上空的感覺。
《錫德拉頭頂上的雲朵》（Clouds Over Sidra）：蓋博·阿羅拉和克里斯·米爾克拍攝的第一部聯合國紀錄片，鏡頭跟隨12歲的敘利亞難民錫德拉（Sidra）。
⑸ 在美國《娛樂周刊》評選的「有史以來最KB的25部電影」
有史以來最恐怖的25部電影： 1 驅魔人
The Exorcist 1973
導演：威廉·弗雷德金
一隻貓突然從攝影鏡頭後方撲出來是夠嚇人一跳的，但《驅魔人》的驚嚇會讓你幾個月都不得安寧。因瀆神而備受爭議的驅魔人穩居有史以來最能攪動人內臟的影片位置，不僅是因為它敢於質疑上帝的存在，還因為它竟然將撒旦置於一個12歲女孩體內。當女主角琳達·布萊爾在牧師身上嘔吐綠豆湯時，觀眾簡直真要暈倒了。在一連串災禍後，弗雷德金讓一個教士執行了驅魔咒語。「許多人都說這部電影太詭異了。」女主角琳達.布萊爾說,「可那時我太小,他們不許我看。
2 德克薩斯鏈鋸殺手
The Texas Chainsaw Massacre 1974
導演：托比·胡伯
真實的故事往往比虛構更為奇詭，它是充滿恐怖的地獄。基於埃德·蓋恩可怖的祭祀性殺戮的犯罪情節，該片很象一部粗糙的低成本紀錄片，卻會壓得你喘不過氣來。影片的開場是一個冷冰冰的聲音在描述一個噩夢般的瘋狂殺人行徑,然後隨著閃光燈的聲響出現一個個瞬間的流血場面，最後是「皮臉」——一個精神錯亂嗜殺成性的狂人，穿著屠夫的圍裙，戴著人皮面具。導演胡伯說在他定下片名時：「我失去了好幾個朋友。但我想他們如此劇烈的厭惡這個標題,它一定能出大名堂。」結果一份《鏈鋸殺手》的拷貝被收入了現代藝術博物館。
3 異形
Alien 1979
4 沉默的羔羊
The Silense of The Lambs 1991
5 萬聖節
Halloween 1978
導演：約翰·卡朋特
忘掉那一連串半生不熟的無聊的續集，別管那些毫無靈感的討厭的仿製品，比如《十三日星期五》。《萬聖節》曾經是，現在也是甚至將來仍可能是鬼怪電影的佼佼者。它還是歷史上最能賺錢的獨立製作影片之一——以30萬美圓得到 了5500萬美圓票房。《精神病患者》對它的影響隨處可見，從最細小的枝節到有傑米·李·柯蒂斯扮演的在險境中尖叫的臨時保姆。「我們都是《精神病患者》的影迷。」卡朋特承認。
6 大白鯊
Jaws 1975
7 精神病患者
Psycho 1960
導演：阿爾弗雷德·希區柯克
所有恐怖片之母（可別由格斯·文森特的翻拍版來判斷）。它的許多著名的要素現在已經昭然若揭：那些驚人的剪接（僅在淋浴一場戲里就有50多次），安東尼·博金斯扮演的神經質的兒子，伯納德·赫爾曼尖厲的小提琴曲譜。但最暗藏的技法是更微妙的展示的。例如希區柯克決定在珍妮特·雷那場被殺戲中使用幾把不同的匕首。「他不停的換刀，於是觀眾不可能將目光集中到母親身上，」花了七天沖淋浴的雷說，「他們邊看邊想，可能是裝成托尼的人，或者可能是一個女人，但想不到是托尼。」這一招現在仍然管用。
8 七宗罪
Seven 1995
導演：大衛·芬奇
從影片開始時抖動的帶刮痕的膠片中，《七宗罪》滲透出比任何一部布拉德.彼特的電影都多的末日預示和瘋狂的創造力。在這部電影之前，暴食、貪婪、懶惰、嫉妒、憤怒、傲慢和縱欲。都只是在主日學校才會出現的言之無物的單詞。而隨著電影的推進，這七宗死罪成了宣講神啟般的連環殺手可怕的動機。他是如此瘋狂，以至為了避免留下指紋而剝去了指尖的皮膚。從它凄冷、陰郁的場景到無比殘酷的結局，《七宗罪》是如此的虛無和困擾，很難理解它如何得以通過審查。
9 閃靈
The Shining 1980
導演：斯坦利·庫布里克
庫布里克改編了斯蒂芬·金的這部關於托倫斯一家在科羅拉多州積雪的冬季里輕率地陷入瘋狂的小說。電影更多地因為片中寫在打字機紙上的話（「只用功不玩耍，會把你別傻瓜」，「喬奧奧奧尼埃埃埃啦！」）知名，而不是因為它是一部美麗而愉快的恐怖片。陰森的音樂,美妙的,幾乎無休止的固定鏡頭伴隨著傑克.尼克爾森進入瘋狂的殺氣,這是歷史上最有藝術氣息的恐怖片。當然並不是所有人都這么認為。斯蒂芬·金對它的唾棄是眾所周知的，他說：「我認為他是想用這部電影來傷害大家。」（他在1997年製作了自己的6小時電視版本。）
10 羅斯瑪麗的嬰兒
Rosemary』s Baby 1968
11 猛鬼街
A Nightmare on Elm Street 1984
導演：韋斯·克拉文
該片推出了孩子們最害怕的鬼怪弗雷迪,它會在他們入睡時潛入。克拉文把玩的是少年夢魘中最老套的一面，不論是將純潔的兒童卧房成了謀殺現場,還是電話中伸出了魔鬼的舌頭。弗雷迪後來還玩笑般地變成了自己的影子。當然在他的這部首演影片里弗雷迪可不是什麼好玩的東西。另外還有一個驚喜：年輕的約翰尼·德普在該片里活活地被一張床給吃掉了。
12 怪形
The Thing 1982
13 活僵屍之夜
Night of The Living Dead 1968
導演：喬治·羅密歐
這部電影里僵屍的
怪異行為啟發了好多後來者。這是一部10萬美圓成本的黑白片，據說其資金的一部分是主演羅素·斯特雷納出的。盡管這部關於受到放射性物質輻射的死屍獵取鮮
活人體的影片造價低廉（糟糕的錄音里幾乎全是蟋蟀的鳴叫），有人估計它的票房收入約5000萬。由於與發行商之間的法律問題，製作人只看到了票房收入的一
小部分，於是在1990年又重拍該片。至於原片，它就象那個年代的《女巫布萊爾》。
14 凶兆
The Omen 1976
15 凶靈
Carrie 1976
16 連環殺手亨利
HenryPortrait of a Serial Killer 1990
17 幻影
Phantasm 1979
導演：唐·科斯卡雷里
影片的敘述詳盡得就象《芝麻街》里的故事，而且鵪鶉尾巴似的發型古怪得分散了人們的注意力。但這部停屍房驚悸片的兩個部分-——名叫「大個子」的詭異的總
統守墓人和飛舞的,能變成血水四濺的顱鑽的鐵球,在20年後仍然令人毛骨悚然，盡管當時的技術很落後。「我們想盡一切辦法讓鐵球飛起來，用鋼琴弦和魚線什
么的都不行,」導演科斯卡雷里說,「最後找了個預科學院棒球隊的外野手從攝象機後面把它投出去。」
18 陰風陣陣
Suspiria 1977
導演：達里奧·阿金圖
只要挺過頭十分鍾你就會象在家裡一樣平安無事。這部非常風格化的影片是義大利恐怖片大師柯金圖的開山之作。講述一個跳芭蕾舞的學生（《意外之喜》的傑西卡·哈珀）懷疑她的舞蹈學校是一場女巫大聚會。影片中利刃刺入被害者跳動的心臟的特寫被人們一致認為是最惡毒的謀殺場景。而哈珀的遭遇就好多了。「那些在我頭發里爬動的其實是米粒,」她回憶道,「它們是蛆的特技替身。」
19 搭車人
The Hitcher 1986
導演：羅伯特·哈門
「媽媽說永遠別這樣做。」年輕的司機（托馬斯·豪威爾）為英俊的搭車人打開車門時說。不聽老人言吃虧在眼前的老話再次應驗：這個有魅力的搭車人在以後的
90分鍾里不斷的驚嚇著男孩和他的同伴，美麗金發的詹尼弗·傑森·雷。「人們說這是一部暴力電影，真不知他們怎麼想的。」豪威爾說。他說這話時忘了他在片
中的台詞：「真想知道眼球被戳穿了是什麼樣子。」《搭車人》會讓你重新考慮穿越美國的度假計劃。
20 奪命索
Dead Ringers 1988
21 黑暗邊緣
Near Dark 1987
導演：凱瑟琳·彼格羅
很難找到一部恐怖而不至於愚蠢的僵屍電影，但導演彼格羅很好的填補了空白。由比爾·帕克斯頓主演壞透了的僵屍，與他的一群嗜血的製造屠殺的僵屍們游盪在美國中部。劇本是彼格羅和《搭車人》的劇作者埃瑞克·瑞德合寫的。「掉下來了,你的臉,全掉下來了。」這已經不是父輩時代的吸血鬼了。
22 繼父
The Stepfather 1987
23 妖夜荒蹤
Lost Highway 1997
導演：大衛·林奇
不知明年二月我們是否能在《妖夜荒蹤》的三周年慶上聽到驚呼聲。即使在起居室看它也不能減輕恐懼。一對洛杉磯嬉皮夫婦發現有人在他們入睡時拍攝他們的錄象。影片最嚇人的一場戲是羅伯特·布雷克扮演的陰森無眉男子在一個派對上，他告訴男主角他此時此刻正站在數英里之外他的家中。當我們不信邪的英雄用手機證實了那人不是開玩笑時，你得笑兩聲才不致失神。
24 怪胎
Freaks 1932
25 逝影驚心
The Vanishing 1988
⑹ "雲霧"之中的「草船借箭」——紐約現代藝術博物館（5）
"雲霧"之中的「草船借箭」——紐約現代藝術博物館（5）
我們最後參觀三樓和二樓的展室，這里展出的是更為後來的各種類別的現代藝術品，包括影音、燈光作品，工業和時裝設計等，藝術風格上也是更為先鋒、新銳和極端。其中許多藝術品非常抽象深奧，讓人有「如墜五里雲霧」之感。一些作品乾脆就是在幾塊大木板上刷上顏色，擺在展廳里。這些藝術品有何「藝術價值」，不敢妄議，也許是我的智力水平和審美能力不足，只能老老實實承認自己看不懂。(據說這些我們看不懂的藝術品，也能在藝術拍賣行拍出幾千萬美元的高價！）
但在二樓的展品中，倒是有一作品讓人眼前一亮：——蔡國強的《草船借箭》。蔡是一位旅美華人藝術家，曾在2008北京奧運會開幕式上，創作出在北京夜空沿中軸線向鳥巢大步走去的29個焰火大腳印。《草船借箭》是他1998年的創作。有意思的是，這件作品也是館內重點介紹的作品，但現場語音解說器只提供英語解說，——因為「草船借箭」是小學課本上的歷史故事，家喻戶曉，中國人一眼就能看明白。
⑺ 微型傢具的電影
美國電影《 微型傢具》
基本信息
片名： 微型傢具
英文片名： Tiny Furniture
更多片名： 微型家私
導演： 莉娜·杜漢(Lena Dunham)
製片： 凱莉·馬汀(Kylie Martin)
編劇： 莉娜·杜漢(Lena Dunham)
主演： 莉娜·杜漢(Lena Dunham)
類型： 劇情
地域： 歐美
國家： 美國
片長： 98分鍾
發行公司： 獨立電影頻道
出品年份： 2010
上映日期： 2010-11-12 美國
劇情介紹
22歲的奧拉(莉娜·杜漢 飾演)剛從中西部文理學院畢業，帶著對未來的一片迷茫回到了母親的翠貝卡工作室。她幾乎身無長處，可以拿出來說的寥寥無幾：只有一個看起來毫無用處的電影理論學位，一顆沒有方向感的大腦，一共357次點擊量的Youtube頁面，一名離她而去尋找自我的男友，和一隻時日無多的倉鼠。算得上幸運的是，她童年的好友還住在這里，想找工作時恰逢飯館招聘，單身的她還邂逅了幾段浪漫。奧拉很快就把藝術專業拋到腦後，投身全新的生活，其中包括：一個沒前途的主婦工作、在東村派對上凍得要死、從她母親的普拉達錢包中偷走20塊錢、參加在布魯克林舉辦的可悲的「藝術展」、畫了一個難看的紋身、喝光酒櫃里所有的葡萄酒、與妹妹鬧得翻天覆地。面對這些令人啼笑皆非的生活瑣事，她只不過想知道自己是誰……
幕後花絮
本片的導演、編劇兼主演莉娜·杜漢，是一名與女主角身世相仿的新晉電影人。她在1986年出生，是一個典型的紐約女孩，於兩年前畢業於歐柏林大學的創新寫作專業。也就是那一年，她開始了這部電影的籌備工作。與片中過得非常辛苦，卻依舊一事無成的奧拉不同，莉娜的生活多姿多彩：在2007年便製作了自己的第一部短片《Dealing》，參加了當年斯拉丹姆電影節的展映；在2009年創作了第一部長片《Creative Nonfiction》，電影講述了一個大學女孩艾拉，試圖分清將劇本創作與現實生活區別開來。本片受邀在西南偏南電影節放映；此外，她還製作了兩部網路系列劇「Tight Shots 」和「Delusional Downtown Divas」，內容均與藝術系的大學生活息息相關；同一年，她還被委任為古根海姆舉辦的首屆年度藝術獎進行創作。因為她的出色表現，《電影人雜志》評選她為「25個獨立電影新面孔」之一。迄今為止，她已經製作了10部短片。除了電影製作外，她還撰寫了許多與電影有關的文章。在《訪談雜志》、《Onion A/V Club》、《This Recording》和《Paper Magazine》等多本雜志上都能看到她的作品。
在《微型傢具》中，不僅女主角的生活很貼近莉娜本人，劇中母親和妹妹的扮演者均由她現實中的家人所扮演。她的母親勞瑞·西蒙斯是一位具有國際知名度的藝術家、攝影家。在上個世紀七十年代，她的作品得到廣泛的受到關注。其拍攝對象主要是布娃娃、口技玩偶、時裝假人模特，極少的情況下會拍攝人。她用這些模特創造出極富心理潛台詞的圖像。這些作品大多數被收藏在紐約大都會博物館、現代藝術博物館、古根海姆，以及當代藝術博物館等多家著名藝術殿堂。在2006年，她製作了自己第一部電影《The Music of Regret》。莉娜的妹妹格蕾絲·杜漢，正如片中的設定，比她小6歲，曾就讀於紐約聖安學校，在學校中，除了學生的身份外，她還是編劇和戲劇導演，她創作的詩歌還曾獲得大獎。今年秋天，格蕾絲將正式進入布朗大學學習。
這部由三位才華橫溢的一家人主演的電影，受到了許多評論家的贊譽。
⑻ 走進藝術大師專欄｜007「盧梭-尋找夢的寶藏」
推薦指數 : ★★★★★
主題 : 藝術大師
《ルソーの絵本・夢の寶さがし》(日)
《盧梭-尋找夢的寶藏》(中)
作者: [日]結誠昌子
《盧梭-尋找夢的寶藏》是《你好，藝術》這套書中的一本。
本書主要介紹了法國周日畫家亨利·盧梭的代表作，著重展示了盧梭的「天真」繪畫風格和他異想天開如夢境般的自然場景。
"大自然就是我最好的老師。"
—— 亨利 · 盧梭
不得不說這本《盧梭-尋找夢的寶藏》名字起的很好，蝦蝦對亨利・盧梭的作品不是很熟悉，但是很早以前看過《沉睡的吉普賽人》，對這副畫有印象，感覺是一個靜謐而又詭異的夢境，類似某些雜志的插圖，但又讓人記憶深刻。
亨利·盧梭，法國後印象派畫家。他是藝術史上很特別的存在，不像大部分的知名藝術家那樣受過專業教育，亨利幾乎完全是自學成才的。盡管他承認從 Félix Auguste Clément 和 Jean-Léon Gérôme 這兩位學術風格的畫家那裡得到了一些「建議」。然而，在很大程度上，他的藝術作品都來自他的自我訓練。由於他的風格缺乏當時其他藝術家的一些精緻技巧，導致他被貼上「天真」畫家的標簽，並經常被評論家鄙視。
雖然盧梭有進入學院的「野心」，但一直都沒有實現。他在41歲時才開始了他的藝術家生涯，已經過了上學的年齡，也沒有富餘的錢請老師，只能靠自學。盧梭來到巴黎，找到了一份小職員的工作，他一邊工作一邊畫畫。
亨利·盧梭在成名之前，沒有人贊成盧梭去畫畫，他的生活是動盪不安的，唯一支持盧梭激情的是他對自己才華堅定不移的信念。
雖然亨利的作品被當時的藝術界詬病， 但是沒想到他作品中鮮明的色彩、奇妙的意象和精確的輪廓源自流行的印刷文化的風格和題材，卻引起了年輕一代前衛畫家的共鳴。
更令人驚訝的是，盧梭的「天真」藝術與新生的印象派步調一致，很快就分成了一個完全不同的流派。他畫作中的原始風格和奇幻元素，受到了畢加索和羅伯特·德勞奈的欽佩，這也讓盧梭在有生之年有了最低限度的謀生手段。
我們一起來看看繪本中亨利・盧梭的作品《眺望塞爾夫橋》，盧梭一定是很喜歡各種交通工具的人，這張畫里船舶、飛機、熱氣球、飛船都到齊了，橋上的小房子整整齊齊，水面也是平靜無波， 秋日午後的安逸寧靜，右邊的樹木像士兵的隊列，橋很像小時候玩的木頭積木，沒有一絲風的感覺，整個場景彷彿揭示了一個兒童的夢境。
這幅畫名字特別的長，《召喚藝術家參加第二十二屆獨立沙龍畫展的自由女神》。順帶說一句， 獨立沙龍是不需要審核的，所以盧梭每年都會選送一些作品去參展。
背景是法國的三色旗，吹喇叭的天使，飄揚的各國旗幟，穿著黑色正裝的畫家們都把選送的畫夾在咯吱窩底下，隊伍很長呢，看來參展的人不算少。中間歡迎的居然是只大獅子，不知道這些畫家有沒有瑟瑟發抖。
這張就是蝦蝦印象比較深刻的《沉睡的吉普賽人》，背景深邃，夜空中月亮皎潔，獅子就那麼安靜的站著，彩色頭發的女人也安靜的睡著， 她身無長物， 只有一根棍子和一個瓶子，和一把曼陀羅琴，畫面的構成無比簡單， 但能看出來是在沙漠腹地。
女人的條紋裙子和條紋布料以及黝黑的膚色和隨身的樂器讓人不由的聯想到流浪吉普賽人。純色的平面、簡單的幾何形狀、夢幻般的氛圍和異國情調的主題都集中在這副「簡單」的畫面里，也許這就是亨利的作品讓人著迷的原因之一。
《被花豹襲擊的馬》，畫面中心白馬莫名的表情，妖異的長腿和除了斑紋很難識別的花豹，周圍張牙舞爪的植物，讓人看了就想哈哈大笑，雖然是個搏鬥場面，但黃色的花兒裁判吹了哨子，咬人是犯規的。
亨利非常喜歡野外的場景，他說曾經過去墨西哥叢林。但據考證，亨利從來都沒去過墨西哥，所以他所畫的植物應該是法國植物園里觀察到的。不過，在一個充滿幻想的人腦子里，也許他自己根本就分不清哪些是真實的，哪些是夢境，他的世界也許就跟他的畫一樣離奇。
《夢》是紐約現代藝術博物館的館藏， 這幅畫堆積了各種元素，整個畫面被擠得滿滿當當， 但是又有種莫名的和諧感， 和其他畫家喜歡表現得女性柔弱的一面不一樣， 畫面里的女子是非常強壯的，她的手指向畫面的中心，一個黑色的吹奏樂器的人，一不留神就會被忽略。 樹上長了很多鮮艷的果實，還站著同色的鳥兒，樹下有獅子，這應該是盧梭很喜歡的動物之一。 仔細看，獅子右邊還有一條大蛇，橘黃色的身體，第一眼看以為是尾巴，但是放大看，原來蛇頭是半黑半橘的， 面對著畫面的主角。
盡管在一生中受到很多的批評，但盧梭的風格卻對下一代前衛藝術家產生了巨大的影響，如畢加索、費爾南德萊傑、馬克斯貝克曼和整個超現實主義運動。詩人華萊士史蒂文斯和西爾維婭普拉斯也從盧梭的畫作中汲取靈感，作曲家喬尼米切爾也是如此。甚至在現代， 廣受好評的動畫電影馬達加斯加的場景也借鑒了盧梭的畫作。
直到今天，盧梭的作品仍在繼續展出，人們對他的畫作的研究和欣賞比他一生中的任何時候都要多。
盧梭畫了好多叢林畫，雖然都不是在叢林里畫的，他把幻想中的景物通過畫面展現在大家的面前， 他的夢是簡單、寧靜，而又快樂的。盧梭是個有夢的畫家， 他的經歷離奇，但又真實， 只要有夢，堅持下去， 也許有一天就能成真。
Dreams
——泰戈爾
Dreams are lighthouses that
guide the direction of life.
A man without a dream is
like a bird without wings;
A man without a dream is
like a ship losing its direction.
Facing the sun,
it will be hope;
Brave growth is a kind of edge.
I believe that dreams
are the best faith.
It guides me forward and
makes me no longer hesitate.
Even if the road ahead is
full of thorns and difficulties;
Even in the face of failure,
pain and struggle.
As long as you make
your strong wings,
you can fly against the wind;
As long as we turn hope into strength,
miracles will fall from the sky.
I believe, I am me.
Unique and unstoppable;
Not afraid of loneliness,
not afraid of wind and waves.
Because of you,
side by side with me.
I believe in making great strides
towards my dream.
We can change the world,
we can realize our dreams.
⑼ 紐約現代藝術博物館有什麼收藏
博物館最初以展示繪畫作品為主，後來展品范圍漸漸擴大，包括雕塑、版畫、攝影、印刷品、商業設計、電影、建築、傢具及裝置藝術等項目，直到現在，其藝術品數量已達15萬件之多。主要展示從十九世紀末至今的藝術作品。該館亦有不少美國現代藝術家的經典作品，如傑克森?波洛克、喬治亞?歐姬芙、辛迪?雪曼、愛德華?霍普、安迪?沃荷、尚?米榭?巴斯奇亞、岑克?克羅斯、雷夫?巴格許與賈斯培?瓊斯。
現代藝術博物館同時也是將攝影藝術納入館藏的重要機構，在第一任攝影部主任愛德華?史泰欽的主持下，收入了不少新聞攝影與藝術攝影的傑作，並由約翰?札考斯基擴大規模，將電影、電影劇照等也納入收藏，使得此館成為美國電影與影片收藏的重鎮。
該館也針對設計作品開始典藏，包括有野口勇的設計產品、喬治?納爾遜、保羅?拉茲羅、埃姆斯夫婦等設計的椅子、燈具。收藏品范圍相當廣，小從第一個能自動調整角度的滾珠軸承，大至一台貝爾47D1型的直升機。
紐約現代藝術博物館內的座椅擺放和院中雕塑相呼應，充滿了藝術感。
⑽ 實驗電影的歷史沿革
19世紀20年代的歐洲， 電影作為一種藝術媒介日漸成熟，隨著社會精英知識分子對大眾娛樂的抵觸情緒的日漸弱化，以及在視覺藝術領域中先鋒藝術家的大力倡導， 實驗電影應運而生。.達達主義和超現實主義的藝術家也紛紛開始藉助實驗電影一展身手。
René Clair拍攝的Entr'acte就是當時一部讓人們發現除了那些瘋癲的大眾喜劇片以外也有莫測情節的藝術電影。像 Hans Richter, Jean Cocteau,，Marcel Duchamp， Germaine Dulac 和 Viking Eggeling當時也拍攝了不少經典的達達和超現實主義的短片。
這個時期最有名的實驗電影一般認為是Luis Buñuel 和 Salvador Dalí's 合作完成的 Un chien andalou. 而更抽象的歐洲先鋒電影的代表則是Hans Richter的動畫短片和 Len Lye的 G.P.O 影片。
當時在法國的一些電影人也通過財政上的資助和通過在電影俱樂部來發行和放映他們的片子， 盡管這些電影還是偏重於情節敘事，而並不是嚴格意義上的先鋒派的學院電影。電影研究學者 David Bordwell 稱這些電影人為 French Impressionists （法國印象主義電影）包括 Abel Gance，Jean Epstein， Marcel L'Herbier 和 Dimitri Kirsanoff. 在這些電影中 包含了對情節敘事的實驗探索 ， 律動跳越的剪輯風格和鏡頭的搖移， 以及對角色自身主觀性的強調 ， 這些也構成了這類片子的特徵。
1950年以 Isidore Isou的 Treatise on Slime and Eternity 在當年的嘎納電影節上的放映引發的騷動為標志代表Lettrists（字母派）先鋒藝術運動在法國的興起。
這項運動的發展以針對Charlie Chaplin （卓別林）的批評的不同態度而走向分裂 。其中的Ultra-Lettrists （超字母派）
顯然更加激進， 他們宣揚電影已死 ， 把（超級書寫）（hypergraphical）的拍攝技巧展示給大眾。 這其中最為矚目的作品就是Guy Debord 拍攝於1952年的。
Howlings in favor of de Sade (Hurlements en Faveur de Sade)
與此同時，蘇聯的電影藝術家們也 在現代繪畫和攝影藝術之外展現了 他們獨特的蒙太奇理念。
像 Dziga Vertov，Sergei Eisenstein,，Lev Kuleshov， Alexander Dovzhenko 和 Vsevolod Pudovkin這樣的電影就向我們展示了全然不同於1910-20年代的好萊塢主流電影的拍攝模式和風格， 所以盡管他們不是實驗電影， 但也對豐富實驗電影的語言和促進實驗電影的發展傳播做出了貢獻。 The U.S. had some avant-garde filmmakers before World War II, but much pre-war experimental film culture consisted of artists working in isolation.
早在第二次世界大戰前美國就出現了一些先鋒電影人，但當時的情況是這些藝術家彼此做著自己的電影，對美國來說並沒有形成一個整體和可以概括的實驗電影文化及其團體。在 Rochester和 New York ,James Sibley Watson 和 Melville Webber一同執導了 The Fall of the House of Usher (1928) 和 Lot in Sodom (1933). Harry Smith, Mary Ellen Bute, 藝術家 Joseph Cornell, 和畫家 Emlen Etting (1905–1993) 在19世紀30年代就製作了不少早期的實驗電影傑作。而Christopher Young 也拍攝了一些明顯受歐洲影響的實驗電影。
1946年 ， Frank Stauffacher開始為舊金山藝術博物館(the San Francisco Museum of Art )製作了幾部名為 「電影中的藝術」的系列電影。（舊金山現代藝術博物館(the San Francisco Museum of Modern Art)還有很多極有意味的實驗電影在放映展出）
而由 Maya Deren 和 Alexander Hammid 於1943年執導的Meshes of the Afternoon 被認為是第一部有重要影響的美國實驗電影。
它獨立製作發行的模式也為後來的實驗電影所沿襲， 而且也很快被 Cinema 16和一些類似的其他電影社團所採用。
不僅如此，這部影片同時也確立了一種實驗電影所能達到的美學典範。
這部電影的夢幻般的感覺溶繪了 Jean Cocteau 和一些超現實主義的色彩，同時又具有個人，新鮮和典型美國化的特徵。
類似的還有Kenneth Anger, Stan Brakhage, Shirley Clarke, Gregory Markopoulos, Willard Maas, Marie Menken, Curtis Harrington and Sidney Peterson這些藝術家拍攝的早期作品。
引人注目的是， 很多這些電影人都是洛杉磯Los Angles和紐約New York的一些有先鋒藝術傳統的大學開設的電影課程班的第一批學員。
當時在(黑山學院)Black Mountain College (現在已不存在) 和 San Francisco Art Institute(舊金山藝術學院)就開設了「非主流電影課程 。在Black Mountain College任教的Arthur Penn 提出一般大眾包括好萊塢和一些藝術家以為商業電影和先鋒電影互相排斥甚至是水火不容的觀點是完全錯誤的。一個有力的支持他的觀點的例子是 Nicholas Ray 和 King Vidor在他們各自離開好萊塢後的創作後期也拍攝創作先鋒電影作品。 主要參考文章 ：《 結構電影》
電影社團和個人製作的模式在接下來的將近20年時間里一直發展。 到60年代初，一些美國的先鋒電影人帶來的一種新的理念，讓人們日益關注。
接下來的情況正如 P. Adams Sitney描述的， 像 Stan Brakhage和一些美國實驗電影藝術家們早期的的作品 著重的是作者的個人意識 ，如同文學作品中的第一人稱的敘述一樣， 將筆換成了鏡頭， 將紙換成了膠片。
而這時的 Brakhage 的 Dog Star Man則有所不同 ，這部作品不但從個人的自省轉向更加抽象的觀念，而且也明顯帶有抵制當時美國大眾文化的傾向。
另一方面， Kenneth Anger 則在 Scorpio Rising 加入了搖滾樂（後來這被看作預見mtv之作），作品對當時好萊塢的經典影片也是極盡挖苦，嘲弄之能事。
Smith 和 Andy Warhol 兩位更是在他們的作品中將這種對艷俗的挖苦和誇張模仿發揚光大, 這也是Sitney 說的 Warhol 和解結構電影的關系證據之一。
還有一些先鋒電影藝術家更將傳統電影的敘事框架拋離得越來越遠。
盡管新時期美國電影還是更多的傾向於保留傳統的敘事框架 但一些像Hollis Frampton and Michael Snow 這樣電影人還是將上述抽象理念， 極簡主義 ，對大眾審美戲弄的嘗試和解構唯物主義溶入自己的作品從而創造了一種後來被稱作高度格式化的電影的概念 -- 對記錄媒體本身進行再創作然後重新展示出來， 這包括對膠片， 投影效果， 還有最重要的--時間的再加工。
熟悉並習慣於好萊塢生產線上提供的那種夢幻電影的人們看到這種和自己審美趣味孑然相反而且還讓人一時摸不著頭腦的電影時自然對這種把電影解構成一堆單個元素的」胡亂「拼貼有不少爭論。 盡管像Frampton後期的作品因為 Edward Weston, Paul Strand 和他人參與攝影的關系而簡直可以說是一場迷幻的聖典了。
60年代末 P. Adams Sitney 發表於 Film Culture雜志上的一篇文章才使得結構電影的概念和與此相關的眾多電影人為人們所知。隨後逐漸地眾多的電影人也開始拍攝更加」學院風格「的 」結構電影「。
與上面的Sitney文章積極鼓吹不同， 一篇登載於第2000期的Art In America.的針對結構主義的評論就把這種為結構而結構的電影風格批評為保守和形式大於內容。 70年代發展的觀念藝術給實驗電影帶來更近一步的沖擊。 Robert Smithson , 一位主要活動於加洲的藝術家拍攝的不少影片就主要是記錄了他本人製作的大地藝術及其相關的作品。
Yoko Ono 也加入了拍攝觀念電影的潮流.。其中反響最大的作品 Rape ,，用鏡頭跟蹤拍攝一位婦女的方方面面，記錄一切，完全侵入她的生活直到她躲入自己的公寓，背影消失在觀眾的視線中。
大約就在這個時期新一代的年輕藝術家開始紛紛涉足這個領域，而他們中的很多人都曾是早前的先鋒藝術家的學生 。
Leslie Thornton, Peggy Ahwesh和 Su Friedrich這樣出色的藝術家通過自己的創做進一步拓展了構造主義藝術的表現內容同時不失其個人標志性的特色。 Laura Mulvey 的寫作和拍攝的電影作品極大地推動了當時女性電影的發展,，以她的作品為標志女性電影開始呈現出蓬勃發展的景象.這些女性電影反映了當時常見的好萊塢電影中加強的男性對女性的俯視視角及男女不平等的性別規范對女性的侵害。
對這種矛盾和不平等的現象的反擊和抵制是這些女性
電影的一大特徵：
Chantal Akerman 和 Sally Potter 就是70年代其中最著名的2位女性電影藝術家。
Video art 在這時也作為一種新興媒體出現在藝術創作的視野中，女性藝術家 Martha Rosler 和 Cecelia Condit 就 充分發揮了和展示了其優點和特色做出了出色的作品。
80年代， 女性主義，同性戀和一些政治題材的實驗作品相繼出現並引起人們的關注.。其中象
Barbara Hammer,，Su Friedrich,，Tracey Moffatt， Sadie Benning，Moira Sullivan 和 Isaac Julien 這樣的電影人就通過自己的實驗作品來尋求各自特異身份和政治
主張的大眾認同。