日本無聲電影導演

① 日本有哪些著名的電影導演

1，黑澤明

黑澤明，1910年生於日本東京都荏原郡大井町1150番地。日本電影導演、編劇、製片人。1936年，創作首篇劇本《達摩寺里的德國人》，由此進入了電影圈。1941年，在拍攝完劇情片《馬》之後，黑澤明開始專注於電影劇本創作。

2，北野武

北野武（Kitano Takeshi、きたの たけし），1947年1月18日出生於日本東京都足立區，日本導演、演員、電視節目主持人。1973年，北野武與兼子二郎組成相聲搭檔Two Beats。1975年，作為漫才演員初登小熒幕。

3，三池崇史

三池崇史（Takashi Miike），1960年8月24日出生於日本大阪府八尾市，日本演員、編劇、導演，1991年，以錄像電影《暴風！迷你巡邏隊》開始導演生涯。

1995年，三池崇史製作了首部影院原創作品《新宿黑社會》。1999年，憑借愛情片《切膚之愛》獲得鹿特丹國際電影節的國際影評人聯盟獎和荷蘭影評人協會獎。

4，竹中直人

竹中直人（Naoto Takenaka），1956年3月20日出生於日本神奈川縣，畢業於多摩美術大學裝飾美術系，日本編劇、導演、演員。1985年，參演劇情片《薄化妝》而出道。1988年，出演戰爭歷史片《二·二六》。

5，小津安二郎

小津安二郎（1903年12月12日-1963年12月12日），出生於日本東京。日本電影導演、編劇。1923年，進入松竹公司蒲田電影製片廠擔任攝影助手；1926年，任助理導演；1927年，拍攝了電影處女作《懺悔之刃》。

② 介紹些日本知名的好導演

強烈推薦！！！因為我實在是太喜歡了！絕對不會讓你失望的！！！他是一位電影詩人，他的電影有東方的含蓄美。

岩井俊二(Shunji Iwai)

1963年1月24日生於日本宮城縣仙台市。從小愛好廣泛的岩井俊二學生時代已經愛上電影、美術和音樂等多種藝術形式。1987年從橫濱國立大學畢業後，他進入了日本的電視行業。此後的幾年中，岩井俊二一直從事MTV、廣告以及有限電視節目的導演工作。這階段所拍攝的大量的MTV和廣告對他日後電影的影象風格產生了重要的影響。
1993年岩井俊二為富士電視台的《IF……》系列節目拍攝了兒童題材的電視短片《煙花》，受到了普遍好評。由於岩井俊二出色的編導才能，日本電影導演協會破例把他評為當年的最佳新人電影導演。而1994年岩井俊二的電視短片《愛的捆綁》繼續好評如潮，不但被製作成電影發行，還贏取了1995年柏林電影節的NETPAC獎。
1995年，岩井俊二推出了他的劇場電影處女作《情書》。《情書》以清新感人的故事和明快唯美的影象首先在日本國內引起了空前的轟動，而影響很快就波及到整個東南亞甚至歐美。現在，這部美麗動人的《情書》不但成為眾多亞洲影迷心中的最愛，更被眾多影評人視為日本新電影運動中最重要的作品之一。
緊接著的1996年也是岩井俊二創作頗豐的一年。首先，他以反映精神病患者為題材的短片《夢旅人》在柏林電影節上獲得記者評審委員會獎。隨後他又馬不停蹄地把自己的第二部小說《燕尾蝶》搬上銀幕。深刻的主題、復雜的故事情節、五百萬美圓的巨額投資以及眾多明星的加盟使得《燕尾蝶》成為岩井俊二至今為止最具震撼力的影片。

③ 請介紹一下日本電影導演鈴木清順

1〕

關於鈴木清順的基本風格特色，以及電影事業上的重要經歷，在萬象已出版的《感官世界——游於日本映畫》中，我已有另文交代。在這里不再浪費筆墨篇幅重覆了。

〔2〕

吾友龐奴（李照興）於〈CAMP片之王鈴木清順〉（見《香港經濟日報》1996年7月17日）一文，言簡意賅地點出SUSAN SONTAG的經典文章「NOTES ON CAMP」，是理解鈴木清順世界的不二法門。CAMP的美學特徵：人工化、誇張及風格化的演繹，在鈴木清順的電影里，可以引用的例子俯拾皆是。鈴木清順在《東京流浪客》（TOKYO DRIFTER, 1966）中的表演舞台，又或是《刺青一代》（ONE GENERATION OF TATTOOS, 1965）里的西部酒吧，均充分反映導演對布置藝術，乃至一切視覺裝飾性的元素均瞭然把玩於胸。和CAMP的口味不謀而合，這些表面上的視覺風格元素，委實路人皆知，不用再多加分析。

〔3〕

是CAMP美學背後種種物質及精神上的意涵，我認為對理解鈴木清順的世界會有更大的啟發性。正如SUSAN SONTAG指出CAMP的口味本質上僅能夠在富裕社會出現，又或是在一些能夠體驗富裕帶來的精神變態之圈子生根。富裕相隨的過剩狀態，不獨指物質層次，而且也是文化精神方面的情況。鈴木清順身處的時代，單從電影這一媒體來說，已屬於文化超飽和的局面，他曾在〈世紀末的映象〉（《國文學》第22卷第8號，1977年）一文，提到《暴力輓歌》（FIGHTING ELEGY, 1966）被人認為有種暖昧性，似乎有黑澤明、溝口健二、五所平之助及小津安二郎各自部分的影子。面對這種情況，鈴木清順唯有慨嘆過去的電影，就如卷著身體的蛆蟲，有理也不易說清。

〔4〕

然也正因為這種文化上的飽和狀態，恰好成為CAMP美學成長育成的最佳土壤。傳統美學追求目標的極致完成，歌頌上層文化的尊嚴及嚴肅，以和諧為方向。經過二十世紀的藝術家洗禮（如藍波及卡夫卡等），藝術可以變成不斷製造矛盾，以暴烈來處理精神內心掙扎的刻劃。而CAMP肯定的不過是對失敗看重的一種感性，是經驗的戲劇化表現，純從美學出發，不涉道德判斷層次。鈴木清順承接片廠導演的系統（對比於小津安二郎之於松竹、黑澤明及成瀨巳喜男之於東寶），他沒有機會如「上一代」的導演以個人鍾情的題材，去展現自己的世界。但同時又沒有如年紀相若的同儕及後進，如大島渚、今村昌平、吉田喜重及筱田正浩等人競相以實驗性爭先。處於一個夾縫位置，鈴木清順倒恪守作為日活片廠生產娛樂片的導演本分，回歸CAMP美學的本質——從享受、欣賞出發，而非判斷評價先行；內里正流露對人性的熱愛，包括對鄙俗之類的低下趣味之鮮活呈現。

〔5〕

鈴木清順的黑幫片，大部分於五、六十年代以雙連場的「贈品」形式，推出?場面對觀眾。有趣的是，作品本身的「模範讀者」（MODEL READER）與「經驗讀者」（EMPRIRICAL READER）（解說可參閱UMBERTO ECO的《SIX WALKS IN THE FICTIONAL WOODS》）明顯截然不同。在真實時空內欣賞這批作品的「經驗讀者」，應屬流連里巷的?井之徒。導演在電影中對人物的種種把弄，幾成為對戲院內「經驗讀者」的平行嘲諷。當然表面上對黑幫片中英雄的諧趣塑造，或許對「經驗讀者」 慣常的觀影經驗是一種「不敬」的表現；但骨子裡卻把英雄拉回落水狗的層面，將人性種種難以言盡的怪癖及弱點放迴文本，令作品重拾現實的土壤。諷刺的是，時代轉變後發現作品的「模範讀者」，竟然是一群知識份子——他們才真正理解及享受鈴木世界的CAMP片美學。鈴木清順一生極力抗拒任何被學院化的企圖，甚至嘲諷自己的《關東浪子》（KANTO WANDERER, 1963）只虛有一些所謂「意念」，實質上不比其他日本導演（如加藤泰）的黑幫片出色。「無容置疑《關東浪子》確是擁有『意念』，但也反映出一部作品一旦有了『意念』，便不用理會電影多麼沉悶。這正是學術取向的危險之處。」（參考BRANDED TO THRILL: THE DELIRIOUS CINEMA OF SUZUKI SEIJUN TO THRILL一書中，ICA,1994,"SUZUKI ON SUZUKI"一文）可惜命運卻不斷教他與知識份子結緣，1967年鈴木清順被日活社長解僱，發動遊行示威為他「伸冤」的正是一眾知識份子：電影導演、評論家及學生組織等。命運的波折九曲十三彎，不以個人意志而轉移。

〔6〕

回頭說來，以對類型電影的戲擬（PARODY）乃至顛覆的角度，去閱讀鈴木清順的作品，未免失諸片面。其實他早期的警匪偵探片，往往仍大致依循類型的規范，只在個別鏡頭及場面加上別致花樣及心思，令作品的吸引力更大；由《無影之聲》（VOICE WITHOUT A SHADOW, 1958）至《野獸之青春》（YOUTH OF THE BEAST, 1963）莫不如是。往後他在作品中加入OFF-BEAT的元素，過程時常反覆拉纏：如《東京流浪客》正是因為鈴木清順在《刺青一代》中走得太遠，而被日活命令安分守己去完成。更深一層的考慮是，鈴木清順對類型本身的種種戲謔，本質上與巴赫汀（BAKHTIN）的公眾廣場概念是一脈相承的。傳統黑幫片的規范是向心的支配力量，而鈴木清順加進去的不依牌理元素：大量原色的穿插（如：《肉體之門》及《東京流浪客》等）、沒由來的強風（《春婦傳》及《河內的卡門》）及不按常規的季節變化（《東京流浪客》）等，均凝聚成一股離心力量。離心力固然是對向心力的一種挑戰，但絕非旨在顛覆更替，而是豐富了原有的秩序，體現一種進行式卻肯定共存並蓄的精神。在這重意義上，鈴木清順日活時期的作品，與一般日本新浪潮導演的取向，正好道不同而各走一端。後者致力破壞建制，確立新秩序的努力，和鈴木清順的態度是本質上的差異。用概括的話來說，日本新浪潮是另一次全速發展及頌揚菁英文化的嘗試；鈴木清順著眼的反而是菁英文化與大眾文化的對話（注意絕非反精英文化），和後現代主義理論精神可不謀而合。

〔7〕

或許用鈴木清順作品中的笑聲，更可能把問題釐清說明。IAN BURMA在〈THE ECCENTRIC IMAGINATION OF A GENRE FILM-MAKER〉中認為「鈴木清順電影中的笑聲，是處理對暴力恐懼的一種方法。它提供了儀式上的靜化。」（同上引 ICA.書）他正好僅從表面處境著眼去理解鈴木清順的笑意。事實上，鈴木清順作品的笑聲正好擁有巴赫汀「狂歡化」理論（CARNIVALIZATION）中笑聲的曖昧及雙重性特點。在「狂歡節」中，笑既嘲弄戲謔，亦歡樂從容，褒貶合一；而穴戶錠（SHISHIDO JO）正是鈴木清順賴以表現笑聲曖昧性的主要憑依。穴戶錠是鈴木清順的愛將，與一般當紅的青春偶像相較（如石源裕太郎、小林旭、渡哲也，甚至後起的高橋英樹），他其貌不揚且流於猥瑣。然而在作品中往往以「智者」的形象出現。《無影之聲》中他的笑聲成為兇手留下的唯一線索；《龍蛇爭霸》（DETECTIVE BUREAU 2-3: GO TO HELL, BASTARDS!, 1963）及《野獸之青春》里笑聲均洋溢玩弄對手的促狎快意；至《殺手烙印》（BRANDED TO KILL, 1967）更糾纏復雜，在與頭號殺手的逐鹿中，笑聲里快樂與嘲弄（甚至對自己）並生，而坦然面對指定游戲中做為一粒棋子投入參賽的處境。換句話說，穴戶錠的笑不斷挖苦對手（銀幕上的對頭及銀幕下的觀眾），也充分享受成功的快意輕松（縱然只是短暫的）。他飾演的英雄（無論忠奸）往往均十分享受面對現實的刁難挑戰，從游戲中去追尋快感——暗藏的脈絡為「智者」（菁英）全身投入大眾文化中生活共存，產生的永遠是對話而非對抗的狀況。

〔8〕

SUSAN SONTAG把CAMP分為NAIVE CAMP及DELIBERATE CAMP兩類：前者無心插柳，卻大樹成蔭（如ART NOUVEAU 的工匠）；後者則刻意為之，削弱了CAMP的震撼力。鈴木清順的CAMP素，固然刻意為之；但「CAMPING」的過程中，力量沒有受影響，我認為乃因他具備CAMP的軸心要素：一本正經（SERIOUSNESS）。他對輕浮、失敗、不莊重及享樂的認真，自然非以一板一眼的形式顯現。正如我說鈴木清順拓展了黑幫類型片的語言文法，假使他聽到亦必然發笑打諢。然而正因為一切乃辯證統一，所以鈴木清順的電影世界才名符其實為一種「討人愛的犬儒主義」（SWEET CYNICISM）。

〔9〕

更深一層的吊詭是，鈴木清順以黑幫類型片確立CAMP片之王的美學秩序，以游戲筆墨及玩樂心態鮮活操控這個男人陽剛當道的世界；但同時又可以藉軟性色情片向女人致敬，把一貫用來剝削女人的形式灌注入新生命，其中尤以野川由美子（NOGAWA YUMIKO）為他手上傳情達意的重要棋子。這方面的作品包括《裸體年代》（AGE OF NUDITY, 1959）、《頭頭碰著黑》（EVERYTHING GOES WRONG, 1960）、《肉體之門》（GATES OF FLESH,1964）及《春婦傳》（STORY OF PROSTITUTE, 1956）等等。其中的性愛場面來得一般處理，絕非好此道觀眾會滿意的程度；其中以《肉體之門》的名氣較著，是歷史上的第二次改編。早於1948年牧野雅弘（MA-KINO MASAHIRO）已把這本田村泰次郎（TAMURA TAIJIRO）的名著改編；同年溝口健二也推出以妓女為題材的《夜之女》（WO- MEN OF THE NIGHT,1948）。兩出作品遭遇回異，前者幾近拷貝不存，後者卻名垂影史；鈴木清順於1964年的翻拍，未嘗沒有翻案伸冤的意味。更重要是鈴木清順打破了日本電影老掉牙的保守傳統；女人不應享受性愛之樂。野川由美子在《肉體之門》中，正是在完全自主自決的情況下（先已看過前輩受折磨的景況），為快樂負上責任。鈴木清順以四種顏色來劃分四名妓女（紅、黃、綠、藍），其中以綠色來主導野川由美子飾演的MAYA一角的打扮——而綠色在鈴木清順的象徵系統中，正好是平和（PEACE）的代表。

〔10〕

CAMP美學中往往有非政治化的傾向，鈴木清順基本上也不例外；唯一隻有《春婦傳》及《暴力輓歌》較具政治閱讀意涵，而且同樣表現出對日本皇道不信任的態度。《春婦傳》以逃兵引出對國家的忠誠抉擇疑問，結果川地民夫（KAWACHI TAMIO）飾演的士兵選擇愚忠，沒有得到好結果。《春婦傳》一方面著力批評了軍國主義的虛妄；同時藉男女易位，以野川由美子突顯出女性才是戰爭中的英雄。倒是《暴力輓歌》中的政治信息，不如《春婦傳》中的明顯。《暴力輓歌》的劇本由另一位日本名導演新藤兼人（SHINDO KA-NCTO）執筆，本來僅像一部刻劃少年青春、暴力與性的作品。高橋英樹飾演的KIROKU，暗戀所寄宿家庭的女兒MICHIKO；他生理上的性慾無處發泄，轉化在拳頭上作補償，對MICHIKI純真的愛情遭置散，其實是對暴力和權力美好憧憬的平行映照，伏線留在片末KIORKU對一個俳句老師MISA的景仰身上。MISA原來是日本的革命理論家北一輝（KITA IKKI）。KIROKU對他仰慕正好同時滿足於性與權力的幻想：北一輝既是少年將士心中的偶像，而在小鎮又與美麗的女侍應有染；性與權力在他身上得到完美統一。可惜KIROKU與MICHIKO的無疾而終，也正好預示了他對權力的憧憬同樣是一場虛幻的想像，終於亦會落得被出賣背叛的收場。要明白電影的含義，我們必須對北一輝加以說解。北一輝是（1883-1937）年輕一輩軍官擁護的理論家，早於1919已發表《日本改造法案大綱》，鼓吹政府把一切國有化；目標並非要行共產主義，而是要鞏固國策的根基，為天皇服務。他生命的高 在1936年策劃了著名的二．二六事件，鼓動皇室派軍官實行武裝政變，要求殺死一干大臣，為天皇建立軍部的獨裁政體。可惜得不到天皇的首肯，結果在三天後被下令鎮壓，瞬即平定政變，而北一輝亦以首腦的身分被判處死刑。此事後來其實也被吉田喜重拍成《軍法》（MARTIAL LAW,1973），成為他從《情慾與虐殺》（EROS PLUS MASSACRE, 1969）揭?的三部曲之結束篇。整件二．二六事件的最大啟示為北一輝覺得被天皇出賣，因為他沒有支持以天皇之名而進行的起義。而年輕的軍官亦認為被北一輝出賣，因為他沒有達成口中倡言的理想主義。至於鈴木清順在《暴力輓歌》的最後一幕，暗示KIROKU會上京追隨北一輝，既預示了他未來的慘澹收場，同時亦將青春之夢被成人的偽善及政治目的所蠶食而變質的結局道破。暴力輓歌——正好有出師未捷身先死的喟嘆在內。

鈴木清順（SUZUKI SEIJUN）

1923年5月24日生於東京。在青森縣的高中畢業後，立即考進剛創立不久的鐮倉學院電影系，後來再投身入松竹當副導演。直到1954年，他改投日活，展開驚人的人工幻化美學。可惜於1968年，日活當時的社長堀久作認為鈴木清順只拍一些「令人看不懂的作品」，於是把他解僱。經過文化界聲勢浩大的遊行示威抗議，日活才同意道歉並作出賠償。踏入八○年代，鈴木清順展開「大正三部曲」的創作（《流浪者之歌》、《陽炎座》及《夢二》），全情顯耀自己鍾情的夢幻世界。

鈴木清順電影作品年表

1956 《港的乾杯．勝利在我手中》（HARBOUR TOAST: VICTORY IS
IN OUR GRASP）
《海的純情》（PURE EMOTIONS OF THE SEA）
《惡魔之鎮》（SATAN'S TOWN）
1957 《浮草之宿》（INN OF FLOATING WEEDS）
《八小時的恐怖》（EIGHT HOURS OF TERROR）
《裸女與槍》（THE NUDE AND THE GUN）
1958 《暗黑街的美女》（BEAUTY OF THE UNDERWORLD）
《不會來的春天》（SPRING NEVER CAME）
《未成熟的乳房》（YOUNG BREASTS）
1959 《無聲之影》（VOICE WITHOUT A SHADOW）
《愛的書簡》（LOVE LETTER）
《黑暗的旅券》（PASSPORT TO DARKNESS）
《裸體年代》（AGE OF NUDITY）
1960 《狙擊護送車》（TAKE AIM AT THE POLICE VAN）
《沉睡的野獸》（SLEEP OF THE BEAST）
《密航零線》（CLANDESTINE ZERO LINE）
《頭頭碰著黑》（EVERYTHING GOES WRONG）
《去死吧！流氓集團》（FIGHTING DEINQUENTS）
《橫渡山峽的春風》（THE WIND-OF -YOUTH GROUP CROSSES
THE MOUNTAIN PASS）
1961 《東京騎士隊》（TOKYO KNIGHTS）
《無鐵炮將軍》（THE BIG BOSS WHO NEEDS NO GUN）
《散彈槍之男》（THE MAN WITH A SCATTER GUN）
《海峽的血水》（BLOOD-RED WATER IN THE CHANNEL）
《百萬元奪命逃》（MILLION DOLLAR SMASH AND GRAB）
1962 《青年流氓》（HIGH-TEEN YAKUZA）
《投我一注的傢伙》（THE GUYS WHO BET ON ME）
1963 《龍蛇爭霸》（DECTIVE BUREAU 23.GO TO HELL, BASTARDS!）
《野獸之青春》（YOUTH OF THE BEAST）
《惡太郎》（THE BASTARD）
《關東浪子》（KANDO WANDERER）
《殺手烙印》(BRANDED TO KILL)
1964 《花與怒濤》(THE FLOWER AND THE ANGRY WAVES)
《肉體之門》(GATE OF FLESH)
《誓不饒恕》(OUR BLOOD WON『T ALLOW IT)
1965 《春婦傳》(STORY OF A PROSTITUTE)
《惡太郎傳.生於惡星之下》(STORIES OF BASTARDS:BORN UNDER
A BAD STAR)
《刺青一代》(ONE GENERATION OF TATTOO)
1966 《河內的卡門》(CARMEN FROM KAWACHI)
《東京流浪客》(TOKYO DRIFTER)
《暴力輓歌》(FIGHTING ELEGY)
1977 《悲愁物語》(A TALE OF SORROW AND SADNESS)
1980 《流氓者之歌》(ZIGEUNERWEISEN)
1981 《陽炎座》(HEAT-HAZE THEATRE)
1985 《CAPONE的淚潮》(CAPONE『S FLOODS OF TEARS)
1991 《夢二》(YUMEJI)

④ 日本第一部電影是什麼

《本能寺會戰》（1908，牧野省三執導）為日本第一部由解說員站在銀幕旁用舞台腔敘述劇情的無聲影片。第一部真正的有聲片是五所平之助導演的《太太和妻子》（1931）。

⑤ 無聲電影最偉大的導演是誰，他的代表作又是什麼

美國電影大師大衛．格里菲斯時期，代表了美國電影開始稱霸全世界的時期。

2、格里菲斯對世界電影的主要貢獻在哪兒？

（1）把電影從戲劇中分離出來，使電影成為一門獨立的「第七藝術」。

（2）著力於探求電影特技，尤其是攝影構圖和蒙太奇。

（3）他的影片中所體現出來的不再是場面，而是鏡頭，這是世界電影史上的首創。

3、格里菲斯第一部影片是（《陶麗歷險記》）。

4、1908至1912年，格里菲斯時期拍攝的影片的特色？

（1）同情下層人民的痛苦遭遇。《埃德加．愛倫．坡》描寫了一個下層知識分子的悲慘故事。

（2）表現技巧上的獨創性。

（3）發現和培養了許多有才能的演員。

5、奠定格里菲斯在世界電影史上占重要地位的，是他於1915年導演的《一個國家的誕生》和1916年導演的《黨同伐異》。

6、《一個國家的誕生》是以（美國南北戰爭為背景），描寫（白人）在南部遭受所謂殘暴的黑人的殺害、搶劫和強奸，以至不得不（組織三K黨起來抗擊黑人）的故事。

7、《黨同伐異》是由《巴比倫的陷落》、《基督受難》、《聖巴戴萊姆教堂的屠殺》、《母與法》4個小故事組成。影片創造的「最後一分鍾營救法」發展了蒙太奇的表現手法。格里菲斯是世界電影史上（第一個）系統使用蒙太奇的電影導演。

8、為什麼世界電影史上里程碑是《一個國家的誕生》和《黨同伐異》？

（一）《一個國家的誕生》：

1。內容上：影片主要通過其中一個家族即卡梅隆一家的遭遇，來反映美國南北戰爭的歷史背景。有著濃重的種族主義傾向。

2。藝術手法上：（1）在廣闊的史詩場景中，發揮了電影的時空跳躍性和蒙太奇的多線對比作用，使得影片富有強烈的節奏感。 （2）影片充分運用景別和多變的攝影技巧。影片由1000多個鏡頭組成，一個場景分成幾個鏡頭，以推、拉、跟、搖、移的拍攝方法，運用了大遠景、全景、中近景、近景和特定等鏡頭。

（二）《黨同伐異》：

1。這部影片由古代《巴比倫的陷落》、近代《基督受難》、現代《聖巴戴萊姆教堂的屠殺》、當代《母與法》的4個小故事組成。

2。影片的主題是：「排斥異己與仁愛的斗爭。」告誡人們，人們之間應該寬容、博愛，互相殘殺會造成仇恨。

3。在技巧表現上確實有新的獨創性。（1）它打破了戲劇的「三一律」，第一次把時空相距甚遠的故事組織在一起，這是交替蒙太奇理論的實踐基礎。（2）巧妙地運用了隱喻蒙太奇。

（3）豐富發展了平行蒙太奇。

（三）綜上所述，《一個國家的誕生》和《黨同伐異》在電影上的貢獻，所以說它們是世界電影史上的里程碑。

9．《黨同伐異》是一部鴻篇巨著，片長3小時40分鍾。

謝爾蓋·愛森斯坦（1898年1月23日——1948年2月10日），世界電影史上里程碑式的人物，一個偉大的創造者，也是最大的理論家。他的開拓意義在於用自己的創作實踐對蒙
太奇電影理論進行了深入的探索和研究，為形成較為完整的蒙太奇理論做出了極大的貢獻。

愛森斯坦於1925年拍攝的《戰艦波將金號》被譽為世界無聲電影中最偉大的史詩之一。影片描寫的是1905年俄國革命中的一個真實事件。當時，沙皇專制制度已經腐敗透頂，廣大工農對沙皇反動統治的不滿和反抗日益強烈，罷工浪潮遍及全國。歷史上著名的「血的星期日」，沙皇政府血腥鎮壓和平示威群眾，更加激怒了人民。人民的革命情緒也傳到了黑海水兵中間。反動軍官對他們的無理欺凌使他們早已忍無可忍。一天，波將金號戰艦的水兵們發現給他們做湯用的肉是生了蛆的腐肉，這成為水兵們起義的導火索。他們佔領了波將金號，駛向敖德薩港口。敖德薩的市民給水兵們送來大批食品，聲援他們的革命行動。正當這團結、熱烈的革命氣氛達到高潮時，沙皇反動當局的哥薩克騎兵向港口石階上的水兵和敖德薩市民進行了殘酷的鎮壓。黑海艦隊攔住了波將金號，但是其他戰艦拒絕向波將金號發動進攻，波將金號成功逃脫。

《戰艦波將金號》不僅是愛森斯坦的代表性作品，同時也是蘇聯蒙太奇學派的頂峰之作。提起這部作品，那長長的敖德薩階梯，滑落階梯的嬰兒車，張著血盆大口的軍炮，一手拄地疲於逃命的無腿殘疾人，抱著孩子請求軍警停止殺戮的驚恐而絕望的母親，中彈倒地的男青年，中彈而死的推嬰兒車的年輕母親，眼睛流血的中年婦女……這些充滿節奏和激情的經典段落就會馬上在腦海中鮮明地呈現出來。片中敖德薩港口120級台階上，沙皇軍隊開槍射殺數千民眾，愛森斯坦動用了將近3萬群眾來突出影片的敘事場面，特寫鏡頭和全景鏡頭交替出現，將大場景分割成延時剪輯，使實際時間只需二三分鍾便可走完的敖德薩階梯，被隊列的軍警用了超過10分種才走完——實際時間被完美地擴展為美學上合理的影片時間，雖然這種誇張的手法違背了現實邏輯，但「屠殺在無休止地進行著」的意念驟然加強，電影的魅力與優勢完美地顯現出來。

影片上映後，立即引起轟動，受到各國人民和電影藝術家、電影理論家的交口贊譽，被公認為世界電影藝術的經典作品，並在國內、外多次獲獎：1952年，在比利時由63位世界著名導演評選的「世界電影12佳作」中排名第一；1958年，在布魯塞爾國際電影節上評選電影問世以來十二部最佳影片中又名列第一。蘇聯電影史家評論道：「影片《戰艦波將金號》是一部真正革新的作品。它在電影表現形式上有許多新的發現。節奏鮮明的蒙太奇和獨特的拍攝角度，出色的畫面構圖，它所引起的多種多樣的情緒，整體的驚人的和諧和細節的高度表現力——這一切使影片享受到應得的榮譽。」這是對該片藝術特色的最好概括。就連對蘇聯恨得咬牙切齒的納粹頭目戈培爾看了影片後也欽佩不已，命令那些屈從於納粹的德國電影界：「你們給我拍一部《戰艦波將金號》一樣的影片。」愛森斯坦以一艘永不沉沒的戰艦引領了世界電影的發展。

⑥ 如何評價柯貞年導演的電影《無聲》

《無聲》這部電影的整個基調給人的感覺是悲傷、無能為力、痛苦無助的感覺，雖然在影片中好像所有的問題都已經有了一個看似公平的結果。但影片最後的神轉折，最後那個小男孩的眼神以及行為給影片留下了很大的留白。生活還在繼續，但是之前所遭受的苦難與悲傷卻依然在黑暗中滋生。

影片中最觸動人的是貝貝說的那句話，「你和他們一起欺負我就好啦」。為什麼受害者不肯說出來，任由欺負，甚至還為施暴者袒護。依賴學校，怕自己一無是處，怕被孤立，怕被嘲笑，她甚至自己去做手術以防止懷孕。

從起初向教師告狀的反抗到最後的任由欺負，是校長和老師的默聲，是同學的無視，是家長害怕的聲譽被毀。受害者不僅沒有得到保護，反而還要遭受被強暴名聲的二次傷害。

(6)日本無聲電影導演擴展閱讀：

劇情簡介

泰仁（劉亞仁飾）和昶福（劉在明飾）以幫犯罪組織處理屍體謀生。一天，老主顧勇石找到二人，委託他們照看被誘拐的11歲孩子裴初喜。第二天，就在泰仁和昶福准備將初喜送還給勇石時，出現在二人面前要處理的屍體竟然是勇石，二人被迫捲入了一場未曾預料到的事件中 。

《無聲》是由洪義正執導和編劇，劉亞仁、劉在明等主演的犯罪驚悚片。該片講述了兩名專門負責處理屍體的犯罪組織底層成員突然被下令照顧一個被誘拐的孩子而發生的故事。

該片於2020年10月15日在韓國上映 。

劉亞仁憑借該片獲得第41屆韓國青龍電影獎最佳男主角獎。

⑦ 介紹一下溝口健二

溝口健二
溝口健二（Kenji Mizoguchi）生平簡介

日本電影導演。1898年3月16日生於東京，1956年8月25日卒於京都。1920年溝口健二進入日活公司向島片廠做助導，從此進入了電影界。1923年就推出了處女作《愛情復甦日》，他導演的第5部影片《敗軍的歌曲悲慘》引起了人們關注。不過早期的藝術創作並不穩定,《霧港》(1923)模仿美國作家E.奧尼爾的劇作，被認為是《安娜•克里斯蒂》的翻版。到1934年他一共拍攝了五十部無聲電影，可惜現今存世的只有三部拷貝。從1930年日活的第一部有聲片《故鄉》開始到他1956年卒於京都，溝口健二一共完成有聲片38部。 溝口健二的電影題材很廣，偵探、通俗、諷刺、喜劇、以至軍國主義和無產階級傾向的電影他都拍過，不過讓他立足於世界電影大師之林的資本卻是對日本藝道以及傳統日本女性悲劇題材的作品。1936年溝口健二拍攝了兩部奠定日本電影現實主義風格的電影：《浪華悲歌》(Osaka Elegy)和《只園姊妹》。1937年又拍攝了《愛峽怨》、《殘菊物語》。這些影片大都以女性被奴役和被犧牲的悲劇命運為題材，同時在拍攝技法上也形成了「一個場面、一個鏡頭」的長鏡頭表現手法。 二戰期間溝口健二比較重要的作品主要有古裝劇《元祿忠臣藏.前後篇》(The 47 Ronin,1942)，這是一部形式庄嚴、製作華美的復仇劇，影片的史詩氣勢之後在他鼎盛時期的作品時已自成一派。1952年他推出了名噪一時的《西鶴一代女》（Life of Oharu,1952），以畫卷和史詩的形式在銀幕上呈現出了日本的歷史世界，結果獲得第十七屆威尼斯電影節的最佳導演獎。1953年溝口健二的《雨月物語》（Tales Of Ugetsu）再次在威尼斯電影節上獲得榜首的銀獅獎（該年沒有金獅獎）。這部影片也被認為是日本影史上最重要的作品之一。影片以兩對夫婦在戰亂年代的遭遇來折射女性在亂世中被傷害和摧殘的悲慘命運，故事大綱脫自極具妖異、神秘、幽艷氣息的上田秋成的作品，全片鏡頭運用和特技效果十分出色，使影片充滿神秘、朦朧和凄美的氣氛，再加上演員生動的演出，溝口「女性電影大師」的名號一時傳播開去.1954年溝口健二再次名震威尼斯，他的《山椒大夫》(Sansho the Bailiff,1954)又一次獲得威尼斯電影節銀獅獎，同年的另一部作品《近松物語》(Chikamatsu Monogatari,1954)也頗受好評。他影片中如詩如畫和悲壯纏綿的古典情調極為動人，而他拍攝中的長鏡頭表現手法也尤其受到法國影評人和新一代導演的推崇。之後溝口健二還有根據中國古代詩人白居易《長恨歌》改編的《楊貴妃》（1955），以及《新平家物語》（Shin Heike Monogatari,1955），他的最後一部影片是取材自芝木好子作品的《紅線地帶》Street of Shame ，1956），溝口健二於同年8月24日因白血病卒於京都。 為表彰他對日本電影事業的貢獻，日本政府曾授予他紫綬獎章，逝世後，又追贈四等瑞寶章。

溝口健二（Kenji Mizoguchi）作品年表

1922年拍攝第一部影片《愛情復甦之日》，《813》（根據莫里斯·勒勃朗的《亞森·羅賓》改編）。

1923年：《魯賓莫諾》（偵探片），《銅錢王》（偵探片）。

1924年：《丹東》，《無人知道的遺址》（偵探片），《山岡之歌》，《霧之港》（根據E． 奧尼爾原作改編），《血與靈》。

1925年：《街頭小景》。

1926年：《紙人傷春》，《不給錢不打仗》。

1927年：《帶孝的新娘麗莉》（根據高爾茲華綏原作改編）。

1928年：《一個小學女教員的愛情》。

1929年：《東京進行曲》。從1923至1929年間攝制的影片中，許多都取材自明治時代的著名小說。

1929年：《都市交響樂》。

1930年：《故鄉》（第一部有聲片）。

1932年：《愛情復甦之日》，《可是他們還在繼續干》。

1933年：《當今的氏族神》，《瀑布飛瀉》，《祗園的節日》。

1934年：《神風連隊》。

1935年：《羊脂球》（根據莫泊桑原作改編），《虞美人草》。

1936年：《祗園姊妹》，《浪華悲歌》（編劇：溝口健二與吉川，主要演員：山田五十鈴）。

1937年：《愛與怨的峽谷》。

1938年：《殘菊物語》。

1940年：《大阪的女人》（《浪花女》）。

1941年：《一個演員的生涯》，《元祿忠臣譜》（前集）。

1942年：《元祿忠臣譜》（後集）。

1943年：《第三代團十郎》（分三集）。

1947年：《女人的勝利》，《女演員須磨子的戀愛》。

1948年：《夜間女人》。

1950年：《雪夫人的命運》（木暮實千代主演）。

1951年：《武藏野夫人》（森田中主演）。

1951年：《西鶴一代女》（《春子的一生》，京町子主演）。

1952年：《雨月物語》（攝影：宮川，主演：京町子）。

1953年：《祗園姊妹》（重拍片）。

1954年：《近松物語》，《山椒大夫》。

1955年：《楊貴妃》（與香港合作攝制，彩色片，攝影：杉山，主要演員：京町子，森，山村）。

1955年：《瀆神的英雄》（《新平家物語》）。

1956年：《紅線地帶》。共攝制了100部左右影片。

1956年8月24日卒於京都。

⑧ 關於無聲電影的知識

1927年，美國著名的華納製片公司推出了電影史上第一部有聲片，給世界電影帶來了一場翻天覆地的革命。這之前，電影（1895年12月28日為世界電影發明日）全是無聲電影，電影史上稱這個時期為「默片時代」。

無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)，基登的《航海者》(1924)和《將軍》(1926)，H.勞埃德的《大學新生》(1925)；西部片主要有《篷車》(1923)、《鐵騎》(1924)和《小馬快郵》(1925)等；歷史片有C.B.地密爾的《十誡》(1923)和《萬王之王》(1927)，格里菲斯的《暴風雨中的孤兒們》(1922)，R.英格蘭姆的《啟示錄四騎士》(1921)等。

第一次世界大戰後，不少歐洲導演陸續來到好萊塢，他們和美國導演一道，拍攝出無聲電影的最後一批重要影片，如F.鮑沙其的《七重天》(1927)、C.勃朗的《肉與魔》(1927)、H.金的《史泰拉恨史》(1925)和K.維多的《大檢閱》(1925)等。R.J.弗拉哈迪的《北方的納努克》(1922)則為紀錄電影奠定了基礎。

而中國電影默片的黃金時代如果從1913年的《難兄難弟》開始算起，到1934年的《神女》、《上海24小時》等為止，幾乎延續了整整20餘年。

但是，應該說，電影從來都不是無聲的。因為在聲音進入電影之前，人們藉助樂師給電影配樂；在日本，甚至有專門的說唱演員，當影片放映時，他們以說唱形式講解影片的內容。所配樂曲一般是由樂師根據銀幕展示的劇情即興演奏；但有些影片，例如1908年的法國影片《吉斯公爵被刺》，則由著名的作曲家聖-桑專門為它作曲。放映時，樂師根據作曲家提供的總譜演奏。不用說，演奏的規模視條件而定：大多數是由一位樂師獨奏（鋼琴或小提琴），有時由幾位樂師合奏，偶爾則出動交響樂隊。

到3O年代，聲音已成為電影藝術中不可缺少的元素。在默片時代已經出現的類型片，由於聲音的出現而更趨成熟，更多樣化；至於音樂喜劇片、警匪片，如果沒有聲音就無法出現和發展。聲音也為電影表現提供了更具寫實效果的條件。

⑨ 電影《無聲》解析是什麼

電影《無聲》解析：

影片在開始部分融入了喜劇片元素，消解了犯罪片嚴肅的氛圍。這主要體現在主角身份反轉的設定上。電影一開始，由劉在明飾演的昌福與劉亞仁飾演的泰仁在賣雞蛋，觀眾誤以為二人是雞蛋售賣者；其後，極具喜感的穿衣、吊繩與鋪地場景，讓人聯想兩人可能是動物屠宰者。

當被懸吊的受害者出現時，會懷疑二人是犯罪者；但黑道室長一夥出現並掩埋屍體場景出現後，觀眾才終於確認角色的真實身份。在短時間內，人物身份多次反轉與錯認，形成良好的喜劇效果。

自被綁架的11歲女孩楚熙進入泰仁的生活後，影片便朝向觀眾熟悉的韓式溫情片發展。導演用較多的鏡頭展示了泰仁、泰仁妹妹與楚熙的日常生活，特別是二人情感關系的變化。整理房間、等待哥哥（泰仁）一起吃飯、洗衣、讓泰仁陪同去衛生間、照相等極為細節化的生活場景，是典型的溫情片敘事元素。

後段部分融入了黑色電影元素，使犯罪片明確的結局變得晦澀。黑色電影受存在主義哲學的影響，多以表現世界的荒誕、悲觀命運與絕望的人性為主題。室長殺人與被殺的命運突然轉變、昌福一貫的自信與手拿救贖金時慌亂的對比與突然死亡，凸顯了生命的無常與人生的荒誕；泰仁與楚熙情感關系的錯認，又指向人與人之間的溝通障礙。

《無聲》劇情簡介

泰仁（劉亞仁飾）和昶福（劉在明飾）以幫犯罪組織處理屍體謀生。一天，老主顧勇石找到二人，委託他們照看被誘拐的11歲孩子裴初喜。

第二天，就在泰仁和昶福准備將初喜送還給勇石時，出現在二人面前要處理的屍體竟然是勇石，二人被迫捲入了一場未曾預料到的事件中。

⑩ 無聲電視是哪個年代的事啊 麻煩知道的人告訴我``謝謝！

無聲電影
出自Cinepedia
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無聲電影，亦稱「默片」，是對有聲電影發明之前所有電影的統稱。電影誕生之後，由於電影聲音技術的局限，早期電影是有影像而無對白和聲效的電影。為了解決這一局限，無聲電影多採用單畫面的字幕來表現重要對白和音效，故也稱「默片」。有些院線在電影放映時，會在現場由音樂家根據劇情發展進行即興伴奏。到了1920年代末，隨著有聲電影技術的發明，《唐磺》（1926）、《爵士歌王》等影片開始在部分地採用有聲技術，使當時的觀眾非常震撼，無聲影片註定要被有聲電影淘汰。

目錄 [隱藏]
1 歷史
2 間幕
3 現場音樂與聲音
4 演出技巧
5 播放速度

[編輯] 歷史
因為默片沒有與影像同步的聲音或說話，所以會加入所謂的「間幕」，以文字表示向戲院觀眾展示主要對話，甚至對電影內容的評價，或後來發展的暗示。所以間幕的寫手就成為了默片時代的電影界中非常重要的一種專業，很多時候都與劇本寫手的職位分開。間幕（那時候通常稱為字幕）自身很多時候都成為了一種視覺上的元素，有著對電影本身或電影里的行為的一種闡釋或簡介；甚至可以提高戲院內的氣氛。

按照當時的說法，第一部「百分之百」有聲電影是1929年上映的《紐約之光》（Bryan Foy導演）。此後，隨著有聲技術的進一步完善，影像、聲音結合技術的發展，電影徹底走上有聲電影的道路。

無聲電影時期，誕生了一大批電影藝術大師，梅里愛、格里菲斯、卓別林、愛森斯坦、勒內·克萊爾、茂瑙等，他們在電影創作實踐中已經積累和完善了一套成熟的影像蒙太奇藝術。有聲電影誕生初期，這些默片藝術大師對有聲電影的出現產生過強烈的貶斥和抵觸情緒。的確，早期有聲電影在技術和藝術上的幼稚，曾對默片蒙太奇藝術的精妙產生過不良作用，但隨著它在技術和藝術上不斷發展、成熟，以不可阻擋的勢頭成為電影發展的方向，許多默片大師也開始嘗試有聲電影的創作。

[編輯] 間幕
播放默片幾乎時時都需要現場的音樂，1895年12月28日，在盧米埃爾電影於巴黎的首映中，有了第一位現場鋼琴師。一開始，人們一直認為音樂不可或缺，對氣氛或培養觀眾情緒都是非常重要的；很多小鎮或住宅區的戲院都有琴師。在1910年代開始，很多大城市開始有管樂師，或整隊管弦樂團。大量的戲劇管樂和調音器，都能夠有效刺激觀眾的情緒。

給默片的樂譜多是即興創作的。可是當播放正片變得非常普遍時，由琴師、管弦樂師、指揮和戲院本身演奏的默片音樂，便匯集起來。1915年，格里菲斯的劃時代大製作《一個國家的誕生》內，幾乎所有的樂曲都是由J.C.比爾撰寫的；由那時候開始，原創、專為該電影而寫的樂譜就愈來愈普遍了。

在默片的高峰時期，電影製作是僱傭最多樂師的行業（最少在美國如是）。而有聲電影的出現，加上當時正值大衰退時期，他們的生計受到非常嚴重的破壞。

很多國家的電影業界都嘗試用其他方法把聲音帶入電影。在 巴西，早期的電影配有清唱表演、小型歌劇，或有歌手在後台配合唇形唱歌。在 日本，電影除了有現場音效，還有辯士（弁士），為電影作出現場的配音和評論。弁士成為了日本電影的重要元素，他們也為外國電影（大部份是美國電影）提供翻譯。他們的受歡迎，是其中一個默片在1930年代仍在日本大行其道的原因。像卡爾戴維斯這一類的作曲家，就是專門為默片製作管弦配樂的。

[編輯] 現場音樂與聲音
默片非常依賴大量的身體動作和面部表情，好讓觀眾知道和了解角色的內心思想。現今大部份的觀眾，或許會認為默片中對身體語言的倚重是膚淺和裝模作樣。正因如此，現在默片中的喜劇通常比戲劇受歡迎，因為過態的演出在喜劇中比較自然。可是，有些默片是演得頗為含蓄的，這取決於導演的取向和演員的演技。默片中的過態演出通常都是演員在舞台表演中培養出來的習慣，很多知道新媒體的取向的導演都不鼓勵這種演法。

[編輯] 演出技巧
直至1925年，大部份默片的播放速度都比有聲電影緩慢，因應年份和影院的不同，每秒約有16至23格，而非24格。除非很小心地把他們的原本速度播出來，他們的動作可能變得不正常地快或奇怪，致令很多現今的觀眾都覺得默片的可觀程度甚低。同時，有些畫面在拍攝的時候特意用上了低速攝影，好使動作加快，這種技術在較低俗的鬧劇中尤其普遍。很多時候，整套電影的每秒格數都不一樣，而且都是人手拍攝，在同一出電影內很可能有多種速度。這種問題令許多學者和影迷相當煩惱，尤其是今日許多「數碼重組」的DVD推出，默片的播放就更麻煩。2002年版弗里茲·朗《大都會》數碼重組版，就引來很多的爭議。

播片員很多時候都把默片放得比它們的拍攝速度稍快一點。很多電影都以一秒18格或更高的速度播放，有些更快得像有聲電影一般（一秒24格）。就算拍攝速度是一秒16格（常稱"無聲速度"），把35毫米的硝酸底片電影以這樣的慢速播放，就會有相當大的機會引起火警。播片員通常會接到片商的速度指示，例如某幾卷或鏡頭的播放速度，以配合音樂總監的配樂。有時電影院更會因應電影的受歡迎程度或每時的時段調整速度，好獲得最大的利潤。

[編輯] 播放速度
在有聲電影出現以前，曾經有過數以千計的默片，但歷史學家估計當中的八、九成已經永遠遺失。在二十世紀早期的電影通常使用非常容易起火的硝酸底片拍攝，這種底片需要小心的保存，好使它們能夠避免損壞。很多時候，當片子已經上過畫，很多人都會認為它們已經毫無商業價值，就會草草收存，甚至完全不存。數十年後這些底片已經被壓碎成為灰塵。有些會循環再用，但大部份都在戲院火警或騰出空間時銷毀了。所以，默片的保存一直是歷史學家的優先處理事項。