美國青春電影論文

『壹』 論文達人進！求救！關於電影的畢業論文！

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從產業特徵看韓國電影振興

韓國電影振興現象產生的社會背景

經濟領域，韓國接受了資本主義的經濟體制，自60年代以後，經濟得到了飛速的發展。1997年亞洲金融危機之後，金大中政府採取一系列務實性對策，不僅迅速從金融危機的陰影中走出來，經濟發展還出現了新的局面。韓國成功地從一個農業國進入現代化國家，創造了所謂「漢江奇跡」。現代化是和都市化、工業化、教育的普及、職業分工的專業化、通信的發達等經濟發展現象緊密地聯系在一起並和特定的社會政治變革聯系在一起的。在這個過程中，韓國城市的發展顯著，都市化率從1950年的21.4%，發展到1995年的81.3%。
政治領域，80年代韓國進入政治解凍期，1980年的光州事件和1986年的民主運動(註：以大學生為核心發起的兩次民眾民主運動，抗議軍人專制政權，曾得到韓國社會各界響應，但最終被軍政府血腥鎮壓。前者亦稱光州民眾斗爭，後者亦稱六月抗爭。)使韓國獨裁政府惡名昭著。1988年通過國民投票實現了向民主政權的過渡；1993年文人政府上台；接著1998年出現了堪稱韓國政治史上具有劃時代意義的「在野黨交接政府」(註：1997年12月18日金大中在總統競選中獲勝，標志了韓國建國起第一次「政權交替」，在野黨第一次成為執政黨，少數黨第一次戰勝多數黨。)的政治發展進程。長期以來在韓國社會上爭論不休的政治不穩定進入90年代開始銷聲匿跡，整個社會慢慢進入民主化、多元化的發展進程中。
政治、經濟格局的變化不僅導致家庭結構的變化，而且引起了整個社會生活方式的變化。中產階級形成並穩步擴大，文化消費在消費支出中所佔比例逐漸上升。有線電視的開通、錄像市場的擴大、衛星電視的前景，一方面爭奪著電影觀眾，一方面因播放高品位電影節目而培養了觀眾，且它們都是以電影為核心的影像產業，這使得政府和大企業開始注意電影市場的價值。
大眾文化開始盛行。流行音樂樂隊等開始流行，消費人群年輕化，產品包裝要求提高，對大眾偶像的消費需求增強。
在現代韓國社會的變化過程中，青年群體又占著十分重要的位置。他們是經濟現代化的主力軍，在社會意識方面則是歷史變革的動力。截至1995年的統計，14-24歲的青少年人口略超過900萬，占總人口的20.2%。韓國政府的世界化政治戰略和提倡國際競爭力的經濟戰略，使得整個社會普遍認為，韓國的未來命運掌握在「一個背包就能周遊世界，懂電腦，會利用先進通訊設備，處變不驚，有堅強毅力，主張男女平等」的「新世代」身上。(註：金鎮旭(韓)：《80年代至90年代的韓國電影》，北京電影學院碩士畢業生論文，第27頁。)特別是大學生(占青少年總人口的約54.5%)(註：君冢大學(日)、吳魯平(中)、金哲秀(韓)：《東亞社會價值的趨同與沖突》，中國社會科學文獻出版社2001年，第44頁。)，他們在80年代經濟繁榮的環境下成長起來，有機會享受1988年奧運會以後的經濟富裕和政治穩定。他們將成為韓國電影的主要消費者。
在造成韓國電影振興繁榮景象大的社會背景中，有一個因素不得不指出：韓國民眾強烈的愛國心和罕見的民族凝聚力。韓國電影票房的奇跡，與韓國觀眾對本土電影非理性的熱愛，蜂擁而上的參與行為是分不開的。許多影片如《生死諜變》、《共同警備區》的上映，媒體一律不能有批評聲音，普通百姓如果不去看會被認為是「不夠愛國」。當政府放寬「電影進口限額制度」時，電影人立刻示威遊行，而韓國大眾媒體一律給予最大的支持，結果迫使政府對電影人和民眾做出妥協。
筆者認為，造成這種民族特質的原因有多種：一、有史以來，韓國即為單一民族國家，沒有像中國、美國等民族大融合的歷史；他們認為自己的血脈最純潔，最干凈，在韓國最常見的標語是「身土不二」(註：「身土不二」是一個比較寬泛的概念。筆者根據所閱資料整理出以下兩層意義：其一，它是熱愛本民族的象徵，對生養自己的土地抱有依戀與敬畏的復雜情感。體現在微觀的經濟領域上，韓國出產的商品上多印有「身土不二」，尤其是農副產品一律如此，其意類同於中國的「提倡國貨」。其二，它從人與土地(自然)的關系應和諧共處而延伸成為一種民族文化精神，與我國的「天人合一」有相通之處。「身土不二」不僅是韓國傳統，還是自70年代起由政府發起的「新生活運動」的具體內容，包含有城市民族化、鄉村現代化的意味。)；二、20世紀屈辱的被侵佔、被分裂的歷史，使現代韓國人具有強烈的獨立意識和民族自尊心；三、地理生存環境——如金大中所說，韓國為美、日、中、俄四大列強所包圍，本身又是山多地少、資源匱乏的小國(註：李立緒：《韓國啟示錄——韓國經濟危機實錄》，企業管理出版社1998年，第385—386頁。)；四、經濟領域內的「漢江奇跡」所賦予的自信心；五、韓國儒教傳統影響(註：中國儒教傳統中，有以道德之有無來作「華夷」之辨的言論，韓國儒教繼承了這種說法，甚至在某些歷史階段，把受西洋沾染的中國也視為夷。)。
了解這種民族特質或者說民族文化心理現象，對於解釋某些韓國電影現象是非常必要的。這種民族文化特質不是始自90年代的電影振興現象，而是一以貫之於包括韓國電影在內的韓國民族文化當中。
「從20世紀中葉以後的情況就可以看出：在朝鮮戰爭的危機中生存問題成為絕對的問題，從60年代到70年代，國家成為支配性的生產主體，以『民族文化』為中心形成了『國家主義意識形態』。相應地，韓國的現代化就意味著『獨裁下的開發』，接下來就出現了到70年代與80年代為止仍舊是『政治問題』獨佔主導性言論的現象。換言之，60年代以後，文化主要是在『理念上』被消費，而沒有確保其大眾性這種狀況。
「從這點上來看，應該說韓國文化論作為『大眾性消費品』而被生產和消費的條件具備是從20世紀80年代後期開始至進入90年代這一時期。在民主化取得某種程度的成就後，『政治言論』的影響力下降，人們有了一點可以說說『文化』的空閑和『自信感』。國際化的迅速進行同時也成為一種壓力，因而對自我與他人關系的設定也越發顯得重要。」(註：權淑仁：《大眾性韓國文化論的生產與消費》，《當代韓國》2000春季號，中國社會科學文獻出版社2000年，第61頁。)
漢城大學比較文化研究所權淑仁教授在《大眾性韓國文化論的生產與消費》一文中，探討作為大眾文化研究的「韓國文化論」缺失的原因。筆者借用這段話是想說明：韓國電影作為「大眾性消費品」具備被生產和消費的條件是從20世紀80年代後期開始至90年代這一時期。
韓國電影振興現象的出現，正在於政治、經濟、文化等外圍環境的成熟，和電影產業內部製作、發行、放映諸環節的合理營造——其中電影製作人對類型片的有意識的推進和發展又是極其重要的一個方面。
大資本的介入改變韓國電影產業格局
電影資金傳統上有兩大來源，但進入90年代，製片投資發生了兩次大變化，極大程度地影響了電影產業及電影形態。
1.產業背景
自50年代至90年代初，韓國電影工業基本上是以美國好萊塢電影消費市場為演變主導的。1986年韓國電影市場開放進口外國影片，迅速成為繼日本之後的亞洲第二大市場，一年即發行400部以上影片。其中100部影片為本土影片，300部是進口影片。其中僅好萊塢和香港兩地的娛樂片即佔70%多(註：全陽駿(韓)：《韓國：電影工業、美學、新潮流》，李蓮英譯，《新亞洲電影面面觀》，焦雄屏編，台灣遠流出版公司1991年，第101頁。)。80年代，韓國大電影公司將利潤由對本土電影的投資全面轉向進口好萊塢電影。政府雖然制定了「電影放映限額制」，但好萊塢利用美韓貿易談判的機會，強制韓國政府採取自由化的電影政策。美國電影公司不須經過壟斷進口的韓國電影公司，長驅直入韓國市場。
忠武路(註：忠武路是漢城市中心的一個地名，上世紀20年代韓國電影開始以來，主要電影製片公司和主要電影院都集中於此，既是韓國電影的搖籃，在90年代中期之前也是韓國電影製作方的代名詞。)是自20年代以來韓國電影製片公司的主要集中地。半個多世紀以來，他們以中小資本對抗好萊塢電影，勉強維持生產。電影資金的兩大來源，一是地方發行人的預付款，二是錄像版稅。80年代末期的「電影自由化」政策打破了20家電影公司壟斷本土電影的局面，一時間有一百家電影公司成立，活潑多姿，自由競爭，但規模既小，秩序全無，根本無力回天。
韓國的電影文化也深受好萊塢電影模式影響。忠武路電影街製片模式下的商業片，多運用好萊塢的敘事策略，來服膺儒家思想，一方面取悅觀眾，一方面不觸犯嚴格的電影審查制度。類型基本是通俗情節劇、古裝歷史劇、B級動作片和軟性色情片。
2.大企業涉足電影業
財閥體制是韓國經濟發展中的一大特色，現代、大宇等等大企業在韓國政府的支持下，對韓國經濟的高速發展曾起到十分重要的作用。政府同樣支持它們對文化事業的擴張。90年代初期每年都有一部絕無僅有的高票房電影，1991年是李明世執導的《我的愛，我的新娘》，1992年是金義錫執導的《結婚的故事》，1993年是創造了100萬觀眾人次的《西篇記》。這三個由新導演創造出的票房神話，賦予了大企業信心。他們相信只要方式得當，投資電影一定可以盈利。
韓國大財團紛紛投資電影業。他們首先買斷版權，繼而染指影院的運營、製作、流通、配送等相關環節，參與步驟比較有序。如三星、大宇、鮮京都從錄像帶的營銷開始，在較短時間內掌握了大部分主要國外電影公司的錄像帶版權，在製作領域，他們則首先以購買韓國電影的錄像帶版權的方式來參與。
大企業為迎接多媒體時代而忙於興建新劇場或租賃已有劇場。三星、大宇、鮮京和壁山等大企業在大城市裡買入主要電影院，或是建立新的復合電影院，來形成連鎖的放映系統。以1997年為例，剛剛成立電影事業公司的現代集團就租賃了漢城名寶劇場的5個電影館。
有的大企業則通過與國外的電影公司聯手來進軍電影業。第一製糖公司向美國的夢工場投資三億美元，得到其出品影片的亞洲地區版權；並和香港的嘉禾電影公司合作，在韓國設立了JACOM電影製作公司。
大企業的介入對於只有好的創意卻沒有足夠資金的新導演和獨立製片人來說，無疑相當於雪中送炭。以前忠武路製片體系中「論資排輩、熬年頭」的慣例被打破，那些從電影學校畢業或者留學歸來的新導演，獲得了一顯身手的機會，懷才不遇的副導演、商業廣告的導演們也有了意想不到的機會。李光熏由此導演了《封大夫》——1995年票房最高的國產影片；李民勇導演了《炎熱的下午》——一部風格獨特的女性主義影片。
1994-1996年間，大企業在電影業的投資蓬勃發展，完全激活了電影市場(也為日後的不穩定埋下隱患)。電影製作體系迅速分化，出現了四種不同的電影製作體系：原有忠武路製片方式，獨立製片人制，大企業直接製作方式以及獨立電影。不少年輕的導演和製作人脫離了忠武路製作系統，建立了以導演為中心的獨立製片人制度，如朴光洙製片、企劃時代、張宇錫製片等公司。
大企業都喜歡票房價值高的電影，注重迎合年輕一代觀眾的興趣，對這樣的電影不僅投入資金，並且要造成良好的土壤，使製作以創意為主的新電影的獨立製片人能夠紮下根來。他們既製作出了相對高投資的商業電影，也促使獨立製作方式的低成本電影向商業領域邁進。這三年間電影面貌為之一新，既有大製作、高票房的動作喜劇片《兩個警察》(Ⅰ、Ⅱ姜禹石)、浪漫喜劇片《封大夫》(李光勛)、以特技製作聞名的《銀杏木床》(姜齊奎)、科幻片《木槿花開》，也有票房評論雙豐收的低成本之作《時間長久持續》(金應壽)、《豬掉進井裡的那一天》(洪尚秀)、《鱷魚》(金基德)、《恐怖分子》(金永斌)、《千年的愛》，也有藝術電影如《黑土地白百姓》(裴庸均)、《花瓣》(張善宇)，女性電影如《像犀牛角一樣一個人走》(吳丙哲)、《炎熱的下午》(李民勇)、《媽媽有了男朋友》(金東斌)。大企業的進入，最重要的後果是，直接促成了韓國製片人制度的形成。
3.風險投資進入電影業
1997年亞洲金融危機爆發後，大企業自身難保，對電影的投入迅速減少，很多大企業紛紛退出電影業。只有三星是個例外，在1998年投資了6部影片，獲得相當大的成功。
金融危機後，財閥集團在國民經濟中的地位逐漸下降，政府積極扶植中小企業。尤其是在風險投資中小企業的政策引導下，中小企業逐步開始取代財閥集團在國民經濟中的主導地位。以高科技密集為特徵的風險投資中小企業給韓國以往比較臃腫與僵化的產業結構注入新的活力
1997年11月，通商事業部宣布電影業及相關產業屬於風險投資產業。這意味著電影融資比較容易，並且可以享受減免稅等優惠待遇。風險投資公司迅速占據了大企業撤資後的空缺。他們帶來全新的投資概念，同時引導獨立製作公司製作題材更集中的片子，並加強營銷概念，電影市場日趨專業化。
日信創投是忠武路上最知名的投資公司。它不僅作投資還充當投資管理者的角色。它的收益分配比例相當優惠：5∶5，而一般大企業都是6∶4。僅在1996年到1998年間，他們投資的電影就有《銀杏木床》《上網》《哈利路亞》《八月聖誕節》《安靜的家庭》《驅魔錄》。
電影政策及電影文化對電影的影響
1.電影政策
電影審查制度
韓國電影審查制度形成於20年代日佔期。八九十年代嚴格的審查制度嚴重阻礙了電影的健康發展。1996年10月4日，法庭宣布電影公映倫理委員會的審查違反憲法。這結束了70多年的電影審查制度，同時提出了新的迫切問題：建立等級分類制度。1998年，圍繞新的電影法(1994年制定的《電影振興法》)，年輕一代和保守派的分歧越來越大，問題焦點在於等級外電影專用館和電影振興委員會的設立。
對於韓國電影來說，目前的等級分類制度畢竟提供了更寬廣的題材空間和表現空間。《兩個警察》系列揭露警察的違法勾當，《美麗青年全太一》批判70年代的軍事獨裁體制，《花瓣》揭示了80年代群眾遭到鎮壓的「光州事件」。1999年有兩部影片《黃頭發》和《謊言》(張先禹)，因暴露鏡頭被禁，引起廣泛爭議。但是影片經修改勉強通過審查後，卻在市場上獲得巨大成功。
電影放映限額制度
朴正熙的軍政府在1966年開始施行限額放映制度，本意是過濾掉西方的某些影響，但在以後的數年中，它卻成了保護民族電影的一張安全網——政府立法規定每家電影院每年至少放映146天(具體天數後有變化)的本國電影，這就是所謂「電影季節制度」(Screen Quarter System)，本文譯為「電影放映限額制度」。
90年代中期以後，韓國國內幾度出現主張縮小甚至取消電影放映限額制度的論調。1998年12月2日，韓國外交通商部提議，參照與美國的雙邊投資協議，從2002年起將106天的限額降至92天。電影界擔心，如果這項提議獲通過，好萊塢洪水猛獸般的商業大片將逐漸淹沒本土電影。由此爆發了一場知名導演、明星發起的電影界大規模遊行示威。1999年6月電影界又兩次舉行示威活動。韓國政府被迫讓步，暫定在本土電影佔有市場40%的份額之前，維持限額制度。
盡管限額放映制度一定程度上損害韓國電影業的利益——韓國的電影放映量從1993年的640部降至1997年的502部，生產量從1993年的63部降至1997年的59部。但作為一種意識形態性極強、國家民族特性濃厚的特殊文化產品，電影應獨立於自由貿易協定之外，似乎在美國以外的國家已達成一種共識。
經濟政策調控
為振興民族電影，韓國政府在90年代至少三度啟動政策調控。90年代初期為鼓勵大財團進入電影界制定了減免稅收的電影振興政策。1997年後實行抵押版權融資制，比如1998年，國有的電影振興公司為10部電影作抵押版權融資，共提供30億元韓幣。這10部電影其中就有林權澤參加戛納電影節的《春香傳》。第三種舉措同樣重要，即是在1997年將電影業列入風險投資行業。
2.電影文化的普及
前文已簡要提到，90年代上半期大眾文化及其他娛樂媒介對電影的雙重影響。流行音樂、電視劇等大眾流行文化日益繁盛，觀眾普遍的文化素質提高，明星制初步建立等等，對電影呼喚與支持的一面畢竟大於搶奪電影觀眾的一面。從1995開始，韓國電影文化迎來充滿活力的時期。借紀念電影誕生100周年的機會，進入90年代後一直在上升的熱情終於爆發出來。
1995年3月大鍾獎電影節上放映了7部國外藝術電影。同年11月，電影製作公司「白頭大桿」設立藝術電影專業館，放映了前蘇聯電影《犧牲》、伊朗電影《何處是我朋友的家》、《橄欖樹下的情人》等國際一流的藝術電影。僅僅《犧牲》一片，在一個月內就吸引了兩萬名以上的觀眾。電影發行商開始注意「藝術電影」商業化的可能。這一年，王家衛的《東邪西毒》等三部影片在韓國上映，每部電影的觀眾人次都達到十萬以上。同時期開始，電影史上的經典影片通過有線電視進入了千家萬戶。藉助於這些積極的市場引導與開發，以前只熟悉好萊塢和香港商業片的觀眾，對電影的印象和理解開始改變。
大眾媒體開始積極報道電影新聞和介紹電影知識。就在這一年，電影月刊《KINO》和電影周刊《CINE21》創刊，他們把韓國和國際電影界的最新消息以一種雅俗共賞的方式介紹給韓國民眾。《KINO》目前已經成為韓國最權威的電影雜志。
90年代中期以後在韓國掀起的電影熱演變成一種電影文化熱，韓國各大學相繼開設了四十多個與電影相關的專業。大學里的電影講座擠滿了來自不同專業的學生。韓國國立綜合藝術學院設立了電影學校，購買了完備的電影製作設備。
電影節
在短時期內韓國還舉辦了釜山和富川兩個大型的電影節以及數十個小型電影節。其中釜山電影節至今已舉辦6屆，成為亞洲最重要的國際電影節之一。釜山國際電影節創始於1996年，由釜山藝術學校、中央大學二校的電影系提議，在釜山電影界和釜山市政府的支持下獲成。1996年10月的第一屆釜山國際電影節就達到18.4萬觀眾人次的良好效果。(註：金東虎(韓)：《亞洲電影發展的後盾——記釜山國際電影節》，(韓)《高麗亞那》雜志2000年春季號，中文版，第24頁。)

在諸多亞洲國家的電影節中，釜山電影節與眾不同的戰略值得重視。第一是它最初就定位於「非競賽性電影節」，避開了與其他電影節(如國際一流電影節和同時間的東京國際電影節)之間不必要的競爭，而專注於作為亞洲電影展台和展映國際最優秀電影的作用。第二是它推出的兩項特別計劃。「新浪潮電影」及其扶持制度：選擇亞洲新導演的第一二部作品展映，把它們推向國際舞台，並為保障這些影片在韓國境內的發行放映，給予發行商3萬美元的資助；釜山振興計劃(PPP計劃，開始於1998年第三屆釜山電影節)：為有電影製作計劃的亞洲導演和世界級的發行公司、製片人、贊助商創造合作機會，促成合作投資或共同製作或對影片後期製作提供贊助。香港的陳果、台灣的林正盛、日本的筱崎誠、中國大陸的賈樟柯、張元、王小帥等導演都從PPP計劃中獲益。釜山電影節對亞洲電影新人的成長，作出了切實的貢獻。
釜山電影節不僅為韓國電影和亞洲藝術電影提供了製作機會、拓展了電影市場，還和眾多的國際電影節達至溝通，使韓國電影大批進軍國際展台。僅1999年就有80部韓國電影計150次在73個國家和地區參展，其中包括戛納電影節和柏林電影節。此外，釜山電影節本身產生了相當可觀的經濟效益，為釜山影視業的發展提供了重要契機。釜山市政府選擇影視業為戰略產業，組建釜山電影委員會，推動了釜山文獻電影館、數家多功能影院的相繼建成，陸續籌建影視信息城、主題公園、動畫片中心，並對與釜山相關的電影行政和財政的支持。(註：金東虎(韓)：《亞洲電影發展的後盾——記釜山國際電影節》，(韓)《高麗亞那》雜志2000年春季號，中文版，第29頁。)其中包括以釜山為影片背景的《朋友》。
總體來說，電影節最根本的作用在於它成為韓國大眾文化生活中的一個「事件」。與報刊、電視、流行音樂等大眾傳媒一起，它們構築了韓國電影振興現象得以發生、發展的意識形態背景。
3.紀錄片與短片的繁盛
短片和紀錄片的發展，是90年代韓國電影界一個異乎尋常的重要現象。截至1999年，韓國年產短故事片300多部，並通過國內外各種電影節上映。
紀錄片
80年代韓國曾出現一批源自大學校園的電影團體，他們標榜「獨立」和「進步」，既反對官方和商業電影，也反對實驗電影和作者電影，而是試圖與進步的文化團體、工人階級聯合起來，拍攝紀錄片，並以錄像帶的流通來代替商業電影發行。
政治動盪的80年代末，他們在政治活躍團體、進步工會、學生會等群眾團體的支持下，製作出了一批反映韓國社會矛盾的影片。「電影製作所」(1987年成立)和「勞動者製作團」(1989年成立)是其中最為重要的兩個地下電影團體。前者拍攝的《理想國》(16mm，110分鍾)，第一次以劇情片方式處理光州事件；1990年的《罷工前夕》(16mm，100分鍾)則是以忠實刻畫工人運動為內容的劇情片，成為獨立電影的里程碑。因政府禁映，該片通過校園和工會禮堂自辦放映，而警方甚至出動直升機投擲催淚彈來驅散觀眾。「勞動者製作團」則是進步紀錄片的突破，他們製作了十數集每集1小時的《新聞電影》，專注於韓國工人運動的最新話題。事實上，這些電影團體建立了校園、工廠放映和錄像帶流通的獨立發行渠道。
如果說80年代的獨立影片內容上著眼於工人運動，政治導向上具有強烈的反政府性，價值取向偏於集體價值、共同空間優先個人、日常空間。那麼自90年代開始的獨立電影則遠為多元和復雜，嘗試著以多種方式去反映豐富的社會生活。
在紀錄片方面，邊英珠的《囁嚅三重奏》(1994-1999)用二戰期間淪為日軍慰安婦的婦女證詞來揭露性暴力和軍國主義問題；李慶順的《蒲公英》(1999)表現一位父親在民主化斗爭中痛失愛子的悲傷和勇氣；洪亨淑的《本名宣言》(1998)描寫一位旅日韓僑的流浪經歷；朴基福的《別管我們》(1999)則以離家出走的少年和家庭暴力為素材，描寫體制和反體制勢力都漠然無視的社會邊緣階層。這些紀錄片普遍不再以旁白或采訪來引導觀眾，而代之以客觀紀錄的方式來試圖還原生活本身。
導演金東元自80年代末一直追蹤城市開發區拆遷戶的居住權問題，已拍出《上溪洞奧林匹克》(1988)、《杏堂洞的人們》(1995)和《另一個世界》(1999)三部曲。《另一個世界》拍攝了拆遷戶爭取到開發區居住權之後的生活，關心的焦點從特權化的意識形態轉向日常生活的政治學，其關注的核心問題乃是現代社會中人與人之間的認識與溝通。筆者認為，不了解這些信息，就不可能充分認識韓國電影振興現象，不可能細致讀解韓國的類型片，如作者化的黑幫片《綠魚》、《搏動》。
短片
短片的繁榮是90年代另一個重要的電影現象。80年代的年均產量不超過50部，而90年代卻達到300部以上(註：南仁英(韓)：《差別美學，日常生活的政治學——評90年代韓國電影短片和紀錄片》，(韓)《高麗亞那》雜志2000年春季號，中文版，第30—35頁。)，其中大部分出自電影專業學生和業余電影愛好者。90年代初由三星公司出資舉辦的漢城短片電影節，既是短片的盛會，也是商業電影公司挖掘新人的地方。(2002年4月三星出資在北京舉辦了DV短片電影節。)90年代後期，韓國短片電影節增多，主要有獨立電影論壇、獨立短片電影節、釜山亞洲短片電影節等，很多韓國短片還參展戛納等大量國際短片電影節，獲得了較好的成績。
韓國90年代的紀錄片和短片具有三個層面的重要意義：1.為主流電影業提供新的電影人才和活化電影氛圍，一定程度上直接催生了韓國電影振興現象並刺激其發展；2.在題材和表現領域上有效彌補了商業影片不敢涉足的領域，與主流商業片互為補充，並成為新的電影美學的催化劑；3.使電影產業和社會文化、藝術保持著良好的互動關系，平衡著電影作為產業、藝術和意識形態的三重功效，是韓國電影能夠健康發展的深層原因之一。

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『貳』 由美國派淺談美國青春性喜劇

給你看兩篇影評吧。啟發啟發。
《美國派》從第一部拍到第六部，我一直是忠實的影迷，可以說是我從大學看到畢業，又看到工作後的系列電影。我把這樣的黃色幽默加惡搞的電影叫做青春性喜劇，它可以說象徵了我們內在中某一部分的隱秘沖動和不那麼高尚的夢幻。

影片對性的表現之大膽，用令人咂舌來形容，當不為過。幾個典型的鏡頭是：男主人公把精液射到自己奶奶臉上，搞的可愛的老奶奶一命嗚呼；集體裸奔；用比薩餅來手淫，等等，無一不驚艷，無一不刺激和出格。我曾懷疑過美國性開放是否到如此程度，因此問過一個美國朋友，他說，《美國派》有誇張之嫌，但基本上倒是符合事實。想起有次在高中課堂的黑板上寫下「在美國，政府給高中生發放避孕套」的話，並因此受到校長斥責的往事，突然覺得，中國和美國的教育（包括性教育），何止差十萬八千里。

即使是現在，在中國的一般學校，依然沒有正規和科學的性教育，依然是談性色變。這也不難理解，香港、韓國和日本的黃片，為什麼在中國那麼的有市場。我們就是靠這個來完成性教育的啊。現在還清晰的記得和幾個高中好友窩在錄像廳偷看黃色錄像的緊張和刺激，真是恍如昨日。中國人，特別是80年代以前的那些，基本是靠不合法的渠道，來獲得合法的性教育知識與啟蒙。當然，這和老祖先在新婚前夜才由父母口授性交之道，或許是高明了些。問問我們中國人，誰沒有看過黃片，這都成了老大帝國一種獨特的文化風景線。

中國人最有道德，也最沒有道德。所有的道德都發自獸性，把人當作獸來管治和奴役，卻沒有合乎情理的，發自人性的道德。一方面是性的嚴苛的禁忌，一方面是賣淫業的潛合法化與大規模的普及，正是相得益彰。即使是現代，色情業，仍被認為是上海的十大支柱產業。過度的神秘化與道德化，帶來的只能是慾望的泛濫和自我的合理化。所謂否極泰來，自古如是。

青春、性、喜劇，無疑含有對青春進行張揚和發酵的成分，美國的這一景象，被韓國、日本加以模擬和放大，而在中國，關於青春的電影和小說，幾乎都可以用這樣幾個見不得人的詞來概括：殘酷青春、壓抑、灰暗、逃跑、反抗和哭泣。差別之大，恐怕不是教育所能解釋的了的。必得到我們的文化傳統、政治語境和國人的道德性里去尋求，或許可得答案。我們沒有青春，沒有性，沒有喜劇，有的是無盡的秋寒，偷偷摸摸的手淫和暴力悲劇。作為曾經的高中語文老師，我知道我的處於花季的孩子們，是多麼無助、彷徨和莫名的躁動，又是多麼孤獨、壓抑和憤怒。他們在暗地裡看著第一縷陰毛盛大如夏樹，看著悸動不止的慾望怎麼被自我的鄙視和老師的呵斥壓抑，而不是被循循善誘的化解和轉化。他們不是祖國的花朵，只是迷惘的蟋蟀，獨自在黑夜裡發出喑啞的吶喊，卻無人響應。

看著那些肆無忌憚的美國孩子們，我只能暗自傷心。我們最需要的是性，可是，5000年來，什麼時候，我們真正的、自由的、快樂的，而不是抱著沉重的負罪感來滿足過我們的性。沒有，從來沒有。道德和秩序，把我們的性變成了禁忌，變成了犯罪，變成了為人的恥辱，變成了對國家的褻瀆，變成了對我們自身需求的壓抑和背叛。我們於是自覺的來壓抑自己的性，並把這種壓抑發揚光大成一種以自虐為特徵，以殺人為光榮的歷史文化遺產，一種延續著的牌坊傳統。我們由此獲得我們的道德感和自虐的優越性。中國人，很大程度上，正是以此勝於旁人的。

當然，由於性的規訓和執行，不僅是歷史文化的一部分，日常的一部分，也是我們獲得生存資源的一個硬性指標和媒介，所以我們就不得不被性瓦解著、分化著，通過集體性的強迫他者來實現自己的生存。故而，中國不發烈女，不乏貞節牌坊，不乏喜滋滋的沐浴皇恩浩盪的無數子民。在性的政治里，我們一向有著良好的自覺結盟的傳統，這一點，即使無數次失敗的農民起義，也不能媲美。

我一向堅信：人和人的關系，只有二種，一種是性的，一種是政治的。政治的關系，有羅爾斯所說的公共理性，哈貝馬斯的交往理性，西方業已實現的民主方式，也有歷時久遠的獨裁專制。性的關系，不只是表現在男人和女人之間，相反，政治的關系也不僅是男人和男人的游戲。問題是，當性變成一種政治，政治淪為性游戲，我們該如何自處？

性之所以美麗，是因為我們都是來自於它。沒有它，就沒有我們，沒有文化和世界，沒有詩歌和宗教，也沒有那麼多禁忌。性，不但是我們最深刻的存在，也是我們悠遊的唯一能源，我們的花開和花落，我們的成就和幸福。在最人性的層面上，性是我們看待生命，看待時間與虛無的超越性方式，看待世界的一種詩意態度和眼光。即，性，不但是存在的本體，也是存在的方式。就像孔雀既是孔雀存在的本命，也是其開屏的方式。猴子永遠不會開屏。

言及於此，有必要釐清三個關於性電影的概念。情色片、色情片和三級片。情色片是嚴肅的文藝片，是通過性的釋放與盛開的方式探索關於人性的命題，比如《西西里的美麗傳說》、《感官世界》、《夏日遺失的27個吻》、《索多瑪120天》、《地獄解剖》等，都有著嚴肅的追求與追問。而色情片，以性為主打，沒有嚴肅的追求和理想，只是通過一系列情節和場面的轉換來締造最大化的性快感與刺激，香港曾經製造出大量的此類東西，有名的有《燈草和尚》、《金瓶梅》等等。而三級片，過去用來指稱黃片和色情片，但我以為，它應該用來指那種沒有任何情節和美感，只有無數性交場面進行羅列的那種黃電影。而《美國派》式的電影，《色即是空》等這樣的，很難歸於上述三類，乾脆叫其為性喜劇吧。

啰嗦那麼多，歸根結底，還是性。個性的塑造，首在的源於性的淋漓和茂盛。生命之樹因此枝繁葉茂。但願性長久，千里共嬋娟。但願，我們都能自由自在的、毫不羞澀的成就自己的性。

這不是一部偉大的電影，它壓根兒就沒想去偉大。
它也並不搞笑，《情迷瑪麗亞》在SEX方面比它搞笑多了。
但是，它無比真實。我們年輕的時候都是這樣，永恆的利比多、荷爾蒙以及其他一些東西，在你還堅挺的時候，遠比你的頭腦、理想和其他虛無的東西，更起作用。人都是如此，食色性也，這是天性。任何人，包括虛偽的或者保守的一代，他們也是如此。
如此好的一個題材，我想，以後如果有機會作導演，倒想拍一個中國版的《中國派》，中國氣派。不過，中國的這種東西在青春和性之外，往往得加上殘酷，環境的殘酷，就像余華年輕時寫的小說。中國年輕人的青春是殘酷的，壓抑的。
我們愛而無法得，求不得，佛家「八苦」之一，這樣的一部電影無法像《美國派》一樣，以喜劇結尾。
《中國派》是一部悲劇，青春本應如此。每一部中國派都是如此。

寫這篇文之前先很八卦的查了IMDB的打分：第一部6.8，第二部和第三部均為6.2，第四部和第五部均為5.0，最新的第六部是5.4。

而我只看了1，2，6。

只能說第六部的5.4絕不是比前兩部好，最多就是迴光返照。

這幾乎是四海揚名的系列電影。主題很誘人，尤其對於在我們這個國家長大的少年。

「哪個男子不鍾情，哪個少女不懷春」，我們只在書中讀到的句子，在銀幕上，用最直接了當的方式展現在我們面前。性和愛，本來都那麼簡單自然，只是長久以來人們都用一種「糟蹋」的方式對待「性」，極力將其與「愛」分開。

其實，我們都明白那是徒勞，因為關於性和愛，造物主早就給我們一個美到極致的詞，靈肉合一。

想起溜過去的青春，以及正在渡過的青春，好希望像那四個男孩，CRAZY。

記得小學時候，我們的荷爾蒙讓我們有了初步的性意識，某某男生和女生接近一點，我們就會產生諸如「光著屁屁睡覺」的聯想。像清風拂過青澀的果實，撩動含苞欲放的花朵，讓我們的心裡有了怯生生卻甜滋滋的漣漪。

喜歡那個父親，其實我們中國的性教育就應該像這樣，躲躲閃閃的教，偷偷摸摸的學， 反而讓「性」滑向罪惡的一面，堂堂正正，正大光明告訴孩子們「SEX，這就是人類本源」。

喜歡本片里四個男孩在海邊的一幕，清澈的海水，清澈的少年，陽光明媚的日子裡，竟嗅到了青春成長的芳香。

很喜歡那個「橫笛女孩」，帶點神經質，碎碎絮絮的話，還有那顆很善良的心。

中國的導演，家長，校長，官員，都應該好好看看，不要把孩子們教成唐三藏，要教會他們像悟空一樣重然諾，有義氣，敢擔當，也像八戒一樣，有愛，想愛，去愛。

有性有情，至情至性，我本性情中人。
然搜到《美國派1-5》的合集下載，能享受到這樣的待遇，一方面說明此系列電影已然成為大眾心目中的經典，另一方面也說明，處男問題不僅僅是在美國是個問題，在中國同樣是個問題——若不是大家感同身受，怎會獲得如此愛戴？

當然，《美國派》系列確實很好看，尤其是前兩集。第三集開始就有點粗製濫造了，而第五集乾脆直接賣「波」了事。看著校園里一英里裸奔現場「波」濤洶涌的，我不由得懷疑這片是否還適合未成年人觀看——作為培養青少年正確愛情觀的性教育片，《美國派》當然應該是拍給未成年人看的，否則就沒有意義了嘛。我十分懷疑色慾橫流的資本主義成年世界裡還有未「破」的，又不是在拍《四十歲老處男》。

何況，當一個國家連拍電影都忘不了扯這事兒，說明這個問題在那個國家真是十分嚴重。至少，中國人就不會想到拍這樣的片子，想到也不讓拍。就算真讓拍，那也會先拍「處女片」，因為中國的處女問題要比處男問題嚴重。而且，處女問題是社會問題，處男問題是自己的心理有問題，性質還不一樣。

盡管同樣是「處」級，處男和處女在待遇上卻是不平等的。比如，在文藝作品裡，處女是悲劇，而處男是喜劇，但是，在現實中，正好相反，處女是喜劇，處男是悲劇。

不是么？男人都樂意找處女，可女人卻不樂意找處男，還說什麼30歲以後的處男不能要，因為不懂生活。天。這不是非逼著廣大可憐的處男同胞們去嫖妓么？是不是在談戀愛之前都必須先找百八十個妓女來實彈演習，完了還要通過個大考，女方掐著秒錶算勃起時間前戲時間實際完成時間，最後再舉辦一個隆重的畢業典禮，鄭重其事頒發一本畢業證書，現場還必須穿著由自己在學習過程中用過的套套編成的學士服？從此這就算是「懂」生活了？

卻說，盡管美國的處女問題跟中國的處女問題有所區別——美國的問題是，男友害怕女友是處女，中國則是，男友害怕女友不是處女，但是，就處男問題而言，兩國卻是如出一轍：處男都是被歧視的對象。在現代人眼裡，一個成年處男要麼是心理有問題，要麼是生理有問題，總之就是「有問題」！

那次在宴席上，大家閑扯，有人說自己還是處男，然後就看到一女生撅起小嘴，小聲咕噥了一句「誰信啊」。

從正常的生理需要來說，加上現代社會性生活門檻的日益降低，成年處男在社會上的存活率肯定要比成年非處男的低很多。但是，僅僅通過個別原因來判定一個成年處男實際存在的問題顯然是不科學的。畢竟，決定一個人是否處男的因素是很復雜的，可能是心理原因，也可能是生理原因，也可能真的不懂生活，但我想，更多還是生活方式的原因。

就像我前一陣回老家跟發小吃飯，他說自己還是處男，我問他怎麼看待這個問題，他輕描淡寫地回答了一句：沒什麼啊，個人生活方式不一樣而已。

這才是處男問題的關鍵，而且也正是電影《美國派》里所宣揚的價值觀：每個人都可以選擇自己的生活方式，別人沒有資格以自己的生活方式作為標准來指手畫腳。

每個人的人生是不一樣的，每個人的人生牽扯到的問題紛繁復雜，也許這一刻的任何一個改變都有可能決定人的一生。就像自然界里生物多樣性最初只是源自一個肉眼看不見的基因突變。誰敢說自己一定能決定自己的一生呢？

老子說：「歸根曰靜，是曰復命，復命曰常，知常曰明。不知常，妄作，凶。」骨肉皮癢同學說：「處男不可恥，一門心思破處才是真正的可恥。」

再說了，現在這情色資源多豐富啊，那點生活誰不知道啊？沒吃過豬肉，也看過豬××吧？

『叄』 電影與心理的論文

電影與心理學是兩個對大眾同樣具有吸引力的名詞。下面是我為大家整理的電影與心理的論文，供大家參考。

電影與心理的論文篇一

論電影與普通心理學的關系

電影與心理的論文摘要

【摘 要】通過打破了對心理學的傳統認知，以一種電影 文化 的視角來解釋普通心理學中的基本概念，包括感知和記憶等客觀心理活動、能力和意志等主觀心理體驗，從而讓社會大眾更直觀地理解心理學中的基本概念，不僅從電影中了解到與心理學之間的關系，而且還能更加全面地了解自己和他人，以及科學系統地認識社會中的心理現象，並更好地指導社會大眾的學習、工作與生活。

電影與心理的論文內容

【關鍵詞】電影心理學;感知;記憶;能力;意志

1 感知

感覺和知覺是個體心理中最基本的認知活動，個體對外界事物的刺激都需要通過視覺、聽覺、味覺、嗅覺和觸覺等感覺通道來接收，並作出相應的反應。而感覺和知覺既有區別，又有聯系。一方面，感覺是對客觀事物個別屬性的認識;知覺是對客觀事物整體屬性的認識。另一方面，感知覺的相互作用使人們可以為記憶，思維和語言等更高級的認知活動的進行奠定了良好的基礎。

黑澤明的《羅生門》這部電影中，就可以看出感知覺是一種客觀存在與主觀感受的統一，四個證人描述了四種截然不同的 故事 情節，或許就是因為他們的立場不同運坦行，每個人都會在社會角色，記憶水平， 思維方式 ，行為模式，表達能力，動機需要以及情緒體驗等方面有所差異或傾向。英國 經驗 主義哲學家貝克萊曾經說過，“存在即被感知。”，存在是相對的，而我們感知到的或許是一種存在，或許只是一種錯覺。

同樣在現實生活中，人類本質上看到的和聽到的只是一些有排列和組合的光波和聲波，並非顏色和聲音。所以說，當從客觀世界中獲取新的知識的時候，要相信唯一不變的真理就是“變”，所有的知識和真理都是被人們想像和建構出來的。比如大學生的學習生活，不能再使用中學的程式化學習模式，而要跳出原有被禁錮的思維定勢和刻板印象，用一種更廣闊的視角和接納的態度去對待學習和知識。不僅是心理學等社會人文科學，物理學也隨著社會的發展和科技的進步，從牛頓的經典力學到愛因斯坦的相對論，再到霍金的《時間簡史》，甚至到目前嶄新的研究領域，每一個時期都會有不同的研究範式，或者說是所謂的“永恆真理”。正如西班牙民間的一句 諺語 一樣，“在這變化莫測的世界上，既沒有真理也沒有謊言，所有一切都取決於我們看世界時所用鏡片的顏色。”

2 記憶

記憶中的“記”代表著識記，“憶”代表著回憶，記憶的過程就是一個對過去識記過的經驗，在現在時刻回憶的過程。記憶不但連接著人類的過去，現在和將來，還是連接感知覺與思維、語言的橋梁與紐帶。任何一種高級信息加工過程都不是在一個時刻進行並完成的，就好像看電影一樣，假如大腦沒有記住一個個獨立的故事情節，沒有回想起一個個單獨出現的故事畫面，就不能把每一時刻電影在我們的視覺和聽覺器官所產生的體驗連成一個有機的整體，從旁嘩而形成對電影的總體印象，評價和思考。

而《記憶碎片》這部電影可以讓人強烈地感受到記憶的重要作用，如果一個人沒有記憶，他的內心世界會產生怎樣的矛盾。正如電影中的主人公一樣，萊昂納多在失去短時記憶之後，只能通過照相片並加以備注的方式獲得記憶的片段，但即使這樣，失去記憶的人也很難把支離破碎的記憶片段有信寬邏輯地組合成事情發展的先後順序，從而對事情的前因後果的理解造成混亂。

最核心的問題還並不是失憶給人類的學習，工作和生活帶來的影響，而是無法了解自我以及存在的意義。“我是誰”，“我從哪裡來”，“我到哪裡去”，這三個基本的哲學思辨問題，在生活中的有些時候還會困擾著普通人，何況是失憶的萊昂納多。但從另一個角度看，萊昂納多在失憶的條件下，還可以意識到他存在的意義在於復仇，雖然他的行為和觀念可能是片面的，消極的，甚至是違法的，但是他可以意識到自己存在於這個世界的價值。相反，面對物慾橫流，燈紅酒綠的世界，我們現代人是否完全排除了功名利祿的誘惑和干擾?是否還記得自己存在的價值和意義?這一點是值得我們反省和思考的。也許是我們身處在紛繁復雜的社會中，不經意間對物質的慾望愈發強烈和敏感，物質世界讓我們跑得太快，以至於精神靈魂世界被遺棄在過去的某個角落裡，可悲的是我們身陷囹圄卻不能自拔。從這個角度看，失憶並不完全是一種消極的狀態，而是一種暫時的休養生息，它可以讓人類清醒地覺察到此時此刻的狀態，讓人類發現是否和你開始制定的目標和計劃有所偏離，讓人類重新關注在主我的角色上，而不是客我， “勿忘初心”一詞也是就是對人類記憶本能最好的見證和說明。

3 能力和意志

通過先天遺傳和後天發展兩種因素的交互作用，能力和人格共同組成了一個人穩定的，持久的心理特徵，這些是一種區別於他人最明顯的方式。而能力作為一種個體認知和行為的評價標准，對於不同的個體，能力的測量卻沒有統一的標准來界定。

通過電影《阿甘正傳》不難看出，能力衡量的標准不一定就是智商，主人公阿甘就是一個智商為75的智障者時，卻在 橄欖球 ， 乒乓球 ，從軍，捕蝦經商等生活中各種領域和方面都取得成功，現在學校中出現了許多“高分低能“的學生，所以對能力的認知需要運用一種全新的視角。

而通過後天培養來提高能力的一種最重要的因素就是意志。無論家庭，學校和社會這些外界環境因素多麼的充足，但如果個體內心中沒有意志作為精神支柱給予支持，那麼個體提高自身能力的機會就變得十分渺茫。意志與人類的動機和情緒有著密切的聯系，它可以對認知和行為進行控制和調節，從而來堅定人類的信念和理想，以實現我們的目標和計劃。

正如《肖申克的救贖》這部電影，最後歐亨利式的結尾讓觀眾看到了主人公安迪內心中的一股強大的力量。這種強大的力量就是意志，意志可以讓他在面對無期徒刑的牢獄生涯時形成強大的抗逆力;可以讓他在越獄過程中經歷常人難以忍受的環境時形成強大的抗壓力，從而可以讓他在夢寐以求的墨西哥海濱與老朋友相聚。

有趣的是，這兩部同年度進行奧斯卡金像獎爭奪的電影，把心理學中的能力和意志兩個概念結合在了一起，並賦予了新的意義。能力和意志是密不可分的。觀眾看到了阿甘許多方面的天賦，但是這些都歸於一個本質――“跑”，這種橫跨了美國的跑步就是阿甘無人能比的堅定意志所驅動的。而只有安迪一個人成功地越獄，也不只是在於他十年如一日的意志進行挖洞，同樣也要求他有一種精通財務制度的能力和分析判斷的能力，可以審時度勢，韜光養晦，在適當的時機做出最佳的選擇。總而言之，一個人必須具備全方面的能力和堅韌不拔的意志兩方面因素，把外在資源和內在素養進行有機地結合，才會成為一個真正的強者。就像企業家宋美遐女士所說：“長得漂亮是優勢，活得漂亮才是本事!”

4 總結

心理學作為一個研究型的社會人文科學，無論是和虛擬中的電影，還是和現實中的生活，都有密不可分的聯系。因為心理學是一門研究人類心理過程的科學，沒有任何人可以置身事外，正如《雲圖》那部電影所包含的跨世紀的人際關系和社會角色，人類就好比是一部電影巨作中的一張膠片，但小小的膠片卻表現了這個時刻最豐富多彩的畫面。歷史長河中的人類是渺小的，而人類唯一可以控制的就是自己，就是自己的心理狀態。其實，人的一生就好比一部電影，有高潮也有低落，而心理學教給人類的就是如何使這部人生電影更加波瀾起伏，豐富多彩。

電影與心理的論文篇二

心理電影的傳播與受眾心理健康的建構

電影與心理的論文摘要

[摘 要] 多數心理電影都會表現人物內心的焦慮、恐懼、愛情、欲求等，心理電影作為心理疾病的一種精神療法越來越被心理醫生心理咨詢師所重視。心理電影的傳播對受眾心理健康的建構研究理當受到重視。本文將以表現童年創傷心理電影的傳播為例分析心理電影的傳播對受眾心理健康的建構。

電影與心理的論文內容

[關鍵詞] 心理電影;人格分裂;傳播;心理建構

心理學電影是指以心理疾病為素材構建情節、設置沖突、解構心結、塑造人物形象的電影類型，它是伴隨著人們對心理的逐漸認識而發展起來的。心理疾病的特徵和性質極大地刺激了拍片人的 想像力 ，電影媒介把心理疾病素材作為情節工具和底色，表現人物心裡的想法、願望、焦慮、恐懼、愛情、欲求等，以推動觀眾對人類自身行為的再認識，於是，在故事片、喜劇片、動作片、犯罪片、暴力片等類型的基礎上增加了心理電影這個新的類型。經典心理電影作為一種心理疾病的精神療法越來越被心理醫生心理咨詢師所重視。

“成功的電影都是那種能在無意識層面上反映當時社會上具有決定性的動力群體的影片。”[1]成功的心理電影能使受眾通過電影媒介看到導演批判意識下所掩蓋的非理性因素，在無意識狀態下達到與人物溝通交流獲得心理快感的目的。因此心理電影要求創作者具備專業的電影理論知識掌握專業的心理學知識，在對自己的思維活動、情感意識、創作心理等進行理性分析和規律把握後，能藉助電影中運動的聲畫媒介闡釋劇中人物內心情感和心理現象藝術地引導受眾的觀影心理。雖然業界公認高票房是電影生命力的根本保障，但擁有一個值得受眾長久思考的內涵承載才是影片價值的根本所在。成功的心理電影不僅能夠調動觀眾的情緒而且還能夠激活其潛意識本能使其與劇中人物進行感同身受的情感交流，讓長期受超我抑制的某種情緒從隱秘處釋放出來，繼而使影響心理健康的內心情結得以揭示、展露和解構。

經典心理學電影，如《愛德華醫生》《精神病患者》《沉默的羔羊》《迷牆》，它們所反映的主題均具心理學意義，都從童年情結深層次剖析了人物性格。如《沉默的羔羊》將弗洛伊德性本能理論與電影受眾的審美快感有機地融合，其鏡像語言的象徵性，既隱喻了克拉麗絲兒時未能成功救得慘叫的羔羊的不幸經歷，同時沉默也體現了克拉麗絲把夢想深深埋藏在心裡的執著，她竭力用行動證明自己不再是任人宰割的羔羊，最終她戰勝了性變態和對性的恐懼實現了她的夢想。當觀影者進入夢幻狀態把自己當成克拉麗絲時現實中無法實現的願望也就通過想像得到了滿足。

“如果我們將鏡頭對准生活，所有的大全景也許會引導我們做出這樣的結論，大多數人都在浪費他的寶貴時間，去世的時候都帶著一種未嘗夙願的遺憾……無論命運如何捉弄我們，我們都心懷希望。”[2]心理電影與其他類型的電影比較更具有對受眾心理願望的補償功能。“當受眾認同主人公及其生活慾望並在心理為他們喝彩時，事實上是在為自己的生活喝彩”[3]，受眾觀看心理電影的過程實際上就是接受心理疏導、解構心結的過程，這樣特殊的觀影按摩、心理激勵有利於健康心理的建構。

一、表現男性愛缺失的成長心理——《迷牆》

影片《迷牆》以PINK的人生故事為線索，表現主人公童年喪父難以癒合的戰爭創傷、少年期心靈備受學校刻板 教育 的摧殘、青春期戀母卻又不得不離開母親的惶恐、青年期愛情受挫、事業失意，孤獨彷徨乃至走上極端暴力最終崩潰的人生歷程。

(一)父愛缺失的童年孤獨

主人公PINK父親犧牲於二次世界大戰一次橋頭堡戰斗中。影片開始黑暗中一雙大手點亮一盞油燈PINK父親出現在昏暗的光暈中。接著油燈的光亮疊化為烈日下的巨大全景，地平線上小PINK遠遠跑來，畫面中太陽的光芒眩目而溫暖且多次反復與整個影片的快節奏和陰暗色調形成鮮明對比，讓受眾對主人公PINK嚮往卻又難以達到的充滿父愛的理想世界感同身受。童年的PINK與同齡孩子一樣，希望玩旋轉木馬、滑滑梯等比較刺激的游戲時能有父親相助、保護、激勵。在社區游樂場當他牽著別人父親的衣襟懇求幫助遭到拒絕後，落寞地回到家裡翻出父親的遺物戴上父親的軍帽，父子倆的影像交替出現，此時孩子孤獨的心多麼渴望得到撫慰，然而物依舊父已亡，觀影至此很難不為之動容。孩子的健康成長需要強大的父愛做支撐，罪惡的戰爭卻無情地奪走了PINK們的父愛。父愛的缺失成為PINK童年最深的創痛，父親的形象在PINK的潛意識中反復出現揮之不去。按照弗洛伊德的精神分析理論，此種創傷將伴隨並影響PINK們的一生。

(二)師愛缺失的少年逆反

教師理應為孩子的健康成長導航，可PINK記憶中卻有一個源於導航者的極大創痛事件，童年的好奇心驅使他在鐵軌上引爆子彈，車輪駛過子彈爆炸的瞬間，車窗口無數戴著面具的乘客不約而同地指責謾罵疊化為老師兇狠的訓斥，課堂上教師當眾嘲笑他寫作的詩歌，嘲笑與謾罵甚至體罰，除此之外，PINK很難感受到來自老師的溫暖，老師在他的成長中並未發揮正面引導作用。少年PINK無力與教師及其背後強大的能把人馴化成機器的教育制度抗衡，只能把全部痛苦和憤怒藏在心裡：教師在家裡受老婆虐待精神變態，將學生當成發泄的對象。孩子對那位黑袍教師的超現實想像，黑色幽默中映射的恰恰是活生生的現實。學校教育對每個孩子施行教化試圖磨平個性，使之成為符合社會主流意識形態認同的標准化機器零配件，因此，被教師橫加指責當眾羞辱的PINK現象絕非偶然。然而在文化越來越後現代的當下，PINK們顯然對於扼殺自由天性的傳統習俗充滿抵制和反抗。PINK式反抗是明證!

(三)愛情受挫的青年危機

PINK充滿性沖動的青春期，因為性而產生的焦慮與困惑久久縈繞很難揮去，在PINK心中男女關系相當危險，青春期母親床上的骷髏、年輕人混亂的性活動，象徵男女生殖器互相逗引的雌雄花朵，詭異的背景音樂中，動畫形象由花變成骷髏，最終貌似女性生殖器的花朵將貌似男性生殖器的花朵擊碎吞噬，動畫中的吞噬與被吞噬隱喻了現實生活中頻頻上演的真實事件：背叛和引誘。骷髏、亂性、雄性花被吞噬等顯示了PINK對於女性的總體認知，在性、感情、婚姻面前因為缺乏父輩的引導，PINK像個長不大的孩子總是輕易被拋棄。童年喪父的孤獨、少年教師的侮辱、青年妻子的背叛，種種畫面交織出現，讓PINK的精神極度迷惘，肉體在冰冷的泳池中陷落，鮮血染紅池水，靈魂即將出竅。“牆外有人嗎?”誰來幫PINK推倒那道冰冷厚重的牆!《迷牆》通過呈現青年PINK的意識流動，不僅將PINK時代青年人空虛的精神世界表達得淋漓盡致讓觀眾看到了一個飽受現代物質文明戕害的靈肉混合體，也讓攘攘逐利者浮躁的心靈有片刻的清醒和寧靜。《迷牆》誕生之初雖然曾一度成為禁片，但從心理學傳播的角度來講，它能跨越時空成為一部驚世駭俗直指人類靈魂和命運的預言式天書，確是一部不可多得的心理學電影寶典。 二、表現性別角色分裂的《精神病患者》

人格分裂學名稱為“解離症”，別名“分離性身份識別障礙”。它的主要特徵是患者將引起他內在心理痛苦的意識活動或記憶，從整個精神層面解離開來以保護自己，但也因此喪失其自我的整體性。[3]

《精神病患者》中有著戀母情結的“諾曼·貝茨”是個特殊的人格分裂患者，常態下他是旅店老闆，變態下他兼容已故的母親和戀母的兒子兩個角色。他五歲喪父與母親相依為命，長大後無法容忍母親另有情人於是弒父殺母。弒母的罪惡感使他盜回母屍做成標本並使母復活，而復活的“母親”因嫉恨便會殺掉兒子喜歡的女人而後快。希區柯克引用弗洛伊德的性心理分析和精神分析學說，在片尾安排心理醫生把諾曼·貝茨對母親又愛又恨的心理做了詳細解釋：諾曼·貝茨因嫉恨而弒父殺母，由於有強烈的戀母情結事後總是將自己扮演為兩個角色：時而是強悍霸道的母親，時而是逆來順受的兒子。罪惡的根源在於親情的缺失導致人性的扭曲繼而導致性別角色混亂。像貝茨般兼容母親和兒子兩個角色的病例非常罕見，屬於戀母情結的變異和病態表現。

三、表現女性超我、本我、自我三重人格分裂的《綠茶》 衣著嚴謹表情冷漠遵守道德傳統不過分表達自己的感情，這是《綠茶》女主人公碩士吳芳的“超我”形象，也是吳芳人格的基本成分。童年時代的她親眼見證了備受精神病父親折磨的母親意外殺死父親的慘劇，兒時的精神創傷讓吳芳情感表達受阻無法與人正常交往，成年後渴望著被愛卻又不知道如何付出愛，當然也不可能自由戀愛，她只能通過頻繁相親去結識異性。童年時代的精神創傷導致她對愛的追求止於心理渴望而行為被動，她甚至通過算命來捕捉偶爾閃現的戀愛機會，因為她的內心沒有足夠強大的力量去追求愛，她付出愛的能力是欠缺的。除非愛神主動降臨，否則她很難體驗到獲得愛情的快樂。

而“本我”的吳芳，則以朗朗的形象活躍在影片中，她美麗活潑，以在酒吧彈鋼琴為職業，和各種各樣的男人交往，眾多男人的追求不僅讓她的性需要得到滿足，也填補了童年時代不受重視的心理空白，她和男人接觸從不投入感情，徹底消解了情感的壓抑和道德的束縛，避免了母親式的孤獨與絕望。朗朗的人格其實是吳芳原始人格中的另一個基本組成部分，童年生活中痛苦和不愉快已不見蹤影，保留的只是沒有受過任何約束和壓抑的快樂的自由自在的天性。

“自我”的吳芳由男主人公陳明亮造就，陳用旺盛的生命亮光碟機散了吳芳童年的陰霾。吳芳在沉寂和壓抑中感受到了自己從未感受過的男人的關懷和重視，分裂的人格得到了整合，成為一個性愛和情愛欲求完整統一能用正常的符合社會道德的方式滿足自我心理和生理需求的女人。吳芳和朗朗，她們是一個女人的兩個面，在每一個女性身上，都有著連自己也難以理解甚至是矛盾的東西存在著，它們的共存，影響著女性的意識和行為。《綠茶》對具有人格分裂症狀的女性心理做了頗有意味的呈現，帶給人們無盡的迷惑和思考。

通過以上案例分析，我們發現心理學電影多從童年情結深層次剖析畸形的成長環境造就的畸變性格，主人公總是處於各種各樣或主觀或客觀的威脅中，他們的被困和解困會激發觀眾去喚醒並思考心靈深處無法排解的相似情結，並在觀影的無意識狀態中釋放或轉移積壓許久的心理抑鬱。當主人公走出困境，受眾長期抑鬱著的內心焦慮和恐懼等情感會隨之釋放，從而在心理上產生一種快感。這種快感可以減緩或避免心理疾病，利於觀眾的健康心理建構。大量的調查研究證明，電影的製作與傳播尤其是心理電影的傳播不僅能帶來票房收入，傳播人文精神，而且還會給受眾帶來有效的心理按摩，讓觀眾的喜怒哀樂情緒得到合理宣洩。受眾愛的能力、工作的能力、面對困局的勇氣、對美的感受力、 人際交往 技巧的學習、心智的開啟、性靈的陶冶、智慧的增長等均能在心理學電影營造的夢幻中潛移默化地完成。總之心理電影傳播是藝術地進行心理疏導與心理激勵，建構健康心理的重要途徑無論傳者受者均需要高度自覺。

電影與心理的論文文獻

[1] [意]安東尼奧·梅內蓋蒂.電影本體心理學——電影和無意識[M].艾敏，劉儒庭，譯.北京：中國廣播電視出版社，2007：60.

[2] 韓薇.電影心理學在我國發展現狀淺析[J].今傳媒，2011(04).

[3] [美]羅伯特.故事——材質、結構、風格和銀幕劇作的原理[M].周鐵東，譯.北京：中國電影出版社，2001：164.

[4] 陳紅.心理電影賞析——大學生心理健康教育的新途徑[J].江蘇經貿職業技術學院學報，2010(01).

[5] 趙曉珊.認同機制與觀眾心理[J].文藝研究，2011(06).

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『肆』 教育電影方面的論文

教育電影是以學校教育活動為內容的故事電影,由於它具有特殊的教育資訊傳遞功能,因此其人物、主題、特殊情節和特寫畫面等均能在培養卓越小學教師的職業理想、職業使命、職業認知和職業情感方面起到直觀性的輔助教育作用。下文是我為大家蒐集整理的關於的內容，歡迎大家閱讀參考!

篇1

論教育電影在師范教育中的功能與效應

[摘要]教育電影因其媒介特性和內容優勢，在師范教育中將教育目的與職業定向、教育過程與職業養成有機結合起來，具有幫助師范生樹立教育理想、培養教育智慧、把握教育現狀、引導身份轉變和了解學生成長的功能與效應。

[關鍵詞]教育電影師范教育功能效應

在師范教育中，除了利用電影的影像媒介優勢以外，電影的題材內容也是重要的教學材料，尤其是優秀的教育電影。所謂教育電影，是指以教育故事為題材，集中反映教育改革、學校風貌、師生關系，以塑造教師形象和學生形象為主的藝術電影和紀錄電影。教育是一種「有意識的、以影響人的身心發展為首要和直接目標的社會活動」，包括自我教育、家庭教育、學校教育和社會教育。教育始終是關涉家長、學校、社會、 *** 的主要問題，教育的改革和發展總會與傳統產生許多戲劇性的矛盾和沖突。因此，文學藝術非常關注教育問題，教育電影是思考教育問題、開展教育實踐的合適媒介和文字。

西方自二戰後開始關注教育電影。《音樂之聲》大受好評，《死亡詩社》引起了關於「何為好的教育」的教育智慧的討論，《心靈捕手》提供了優秀的心理教育範例，《蒙娜麗莎的微笑》中超越傳統與追求真善美的凱瑟琳老師引起了媒體和公眾的關注，而《春風化雨》又譯《放牛班的春天》對教育智慧與愛心撫觸作出了新的詮釋。中國教育電影也比較繁榮，建國後有《武訓傳》、《祖國的花朵》、《朝霞》等;新時期以來也產生了多部影響較大的教育電影，如《苗苗》、《燭光里的微笑》、《紅衣少女》、《孩子王》、《一個都不能少》等，以及紀錄片《高三》、《請投我一票》等。這些電影對教育教學過程、教師形象以及教育的外圍問題進行了冷峻的觀察和思考，凸顯了富有理性的現實意義和教育啟發價值。

一、教育電影的特性及其在師范教育中的優勢

電影是綜合性極強的藝術樣式，構成復雜、內容豐富，是培養文化藝術素養的優質媒介。正如魯迅所說，「用活動電影來教學生，一定比教員的講義好」。教育電影因為關注教育問題，從而在教育媒介與教育內容兩個方面都具有無法比擬的優勢。

1.媒介的逼真性與教育的現實性

前蘇聯電影藝術家普多夫金認為：「電影是這樣一門藝術，它為力求現實主義地再現現實提供了最大的可能性。」電影藝術能夠十分准確、十分精細地紀錄客觀現實，具有視聽的真實感，其塑造的人物、敘述的故事、表達的感受真實可信。電影的逼真性不僅是形式的逼真、表象的逼真，更表現為內在本質的真實性，因而具有強烈的現實意義。教育電影極為關注教育與家庭、社會的關系，關注教育現狀和教育過程中的沖突和矛盾，能夠引導學生關注社會與教育現實。

2.媒介的豐富性與教育的多元性

教育電影的藝術構成元素豐富，其表現內容和藝術形式都給受教育者展示了無限的觀摩和交流體會的空間。教育電影雖然主要是關注和表現教育主題與題材，但同時也會涉及天文地理、時事政治、山川風物等，人與自然、社會的內容無所不包，可以極大地拓寬師范生的視野。而教育就需要多元的內容和形式，於是，教育電影的媒介特性與教育的多元性相契合。例如《放牛班的春天》、《蒙娜麗莎的微笑》等影片，在教育思想、教育手段、教育藝術等方面提供了成功的範例，同時又反映了西方國家的社會、家庭問題，一些優美的音樂、出色的繪畫作品貫穿影片始終，給人以藝術薰陶。這類影片可以帶來教育結構的多元性和教育效果的豐富性。

3.媒介的生動性與教育的活潑性

電影可以生動真實地表現聲畫世界、時空世界和情感世界。對於受教育者來說，電影不僅是「視聽盛宴」，也是能帶來情感體驗和心靈震撼的藝術和生活方式。教育是「人與人的主體間靈肉交流活動」。，不是一言堂，不能滿堂灌，而應是一種對話與交流、互動與啟發，應該具有更多的活潑性。教育電影因其媒介的生動特性恰好能滿足教育活潑性的要求。

4.媒介的夢幻性與教育的啟發性

電影是一種時空幻覺，美國電影藝術家奧遜·威爾斯認為「一部影片就是一部夢的綵帶」，所以好萊塢被譽為「夢工廠」。電影作為想像的藝術，可以開啟觀眾的想像之門，培養觀眾的想像力和創造力。教育過程在一定程度上就是開啟想像、啟迪智慧的過程，需要想像力和充滿想像力的思考和創造。想像力是一個民族，乃至人類進步所必須具備的生命素質，是人類和社會發展的潛在動力。教育電影中充滿了無限想像的行為，它們像夢幻一般給受教育者以極大的吸引力，鼓勵他們去競相施展自己的夢幻能力，去豐富並發展人類的文明。像《死亡詩社》中對詩意的想像、對生命的憧憬極大地鼓舞了學生的學習和生命熱情;像《草房子》把異想天開、頑皮淘氣的趣聞軼事穿插在主人公桑桑小學六年的成長故事中，留給觀眾的是詩性的感動，是契合兒童實際的想像與幻想的美妙課程。

二、教育電影在師范教育中的功能與效應

1.樹立教育理想——教育追求與職業信仰

在師范教育中，幫助師范生樹立教育理想和教育信念，使其堅定執著教育追求，是師范教育最為重要的培養目標。師范生一旦樹立了教育理想，選擇將教育作為終身職業，那麼執著的教育追求便與職業信仰合一，能夠起到旗幟和航標的作用，引導師范生無怨無悔地執著於教育事業，把自己的青春、愛和生命奉獻給學生。像《黑板》、《鳳凰琴》、《美麗的大腳》和《我的教師生涯》等，集中反映了中外鄉村中小學教師的形象，表現他們在國家和民族最為艱難時刻的教育追求、教育信念和教育修養。師范生觀看這一類電影，能夠對教育的神聖和教師的崇高精神耳濡目染，激發起內心的情感，確定職業生涯規劃的方向。

2.培養教育智慧——專業能力與職業素養

優秀的教師應該「傳道、授業、解惑」，應該具有高超的教育智慧。《死亡詩社》、《蒙娜麗莎的微笑》、《心靈捕手》等幾部教育電影具有豐富的教育內涵，集中反映了教師超群的教育智慧。電影中的教師有學問、有思想，更有對教育的獨到理解，他們能夠按照科學的理念和自己的理解來設計學生喜歡的課程，最終既有效地達到了教學目的，又贏得了學生的尊重和喜愛。例如《死亡詩社》中的基廷老師就是一位詩性智慧型教師，他是威爾頓學校的優秀畢業生，後又畢業於劍橋大學。為了改變學校只強調升學教育、嚴格管制學生的現狀，他從自己的文學課開始改革，讓學生領悟「把握今天，讓生命超凡脫俗」的要義。他自稱「船長」，讓學生們叫他船長，要求學生把課本中關於詩歌理論的章節撕掉，鼓勵學生站到課桌上從不同的視角看待事物，激發膽小懦弱的托德的詩性智慧潛質，鼓勵學生們獨立思考、自己選擇生活。當學生們悄悄組織「死亡詩社」時，他默默地支援，讓學生們在朗讀拜倫、惠特曼的詩作中感受到生命的原初力量。學生的天性、夢想、勇氣和愛情冉冉升起——生命的重要意義、 教育的根本價值由此凸顯出來。盡管世俗的力量最終導致基廷老師被迫 辭職，但是他激發了學生們的生命慾望，最終贏得了學生的尊敬和愛戴。教育智慧與教育 藝術是教師 職業素養的應有之義。

3.把握教育現狀——時代需求與職業使命

師范生的教師專業能力除了教育理想和教育智慧、專業知識和專業能力以外，還包括對教育 發展現狀的把握、對學生身心發展和學習規律的了解等。了解和把握教育現狀是當好一名教師的重要前提，其途徑可以多種多樣，如學習教育方針政策、關注教育新聞報道、到學校調研等，還有一個途徑就是觀看有關教育問題的影視作品。因為教育電影，尤其是現實題材的教育電影，往往對教育現狀和青少年問題進行了冷峻、深入甚至是尖銳的觀照和反思，會呈現出與公眾視野差異巨大的「教育影像」。例如《十三棵泡桐》就呈現出另類的「殘酷青春」——對教育現狀和青少年學生 心理問題的揭示令人觸目驚心，紀錄片《高三》記錄教育競爭與應試教育的嚴酷，《走路上學》聚焦我國西部艱苦的教育條件與學生的求學毅力。師范生觀看此類電影，從感性層面了解教育現實問題，從理性層面樹立與時代需求相適應的職業使命感和教育責任感，對職業規劃做出理性的判斷。

4.引導身份轉變——農村支教與職業選擇

師范生的身份比較特別，「今天是學生，明天是老師」，在其專業發展過程中，除了樹立教育理想、培養教育智慧以外，還要通過教育教學 實習，實現身份轉變——教師專業自我的形成，在心理、志趣與個性上從一個受教育者轉變成一個教育者。身份轉變是職業選擇的重要條件。我國自2003年起不斷開展農村支教與「大學生志願服務西部 計劃」等系列活動，鼓勵高校畢業生到基層去、到西部去 工作。近年來有多部表現支教題材的電影問世，值得師范生觀看。例如《美麗的大腳》，反映了一位從北京來的志願者教師夏雨，在被農村婦女兼教師張美麗的教育行動及理想所感動後，到西部農村從事教育事業。又如《天那邊》講述了女大學生許曉萌和戀人江可可到西部農村小學支教的故事，在艱苦的教育條件下，許曉萌逐漸成熟起來，學會面對生活、選擇職業，在經過曲折後二度歸來，繼續駐守在天那邊的鄉村小學中。這部影片堪稱對大學生進行職業引導和身份轉換的「支教宣傳片」。師范生作為時代青年，他們願意將滿腔熱血和滿腹才學奉獻給西部和貧困地區教育事業，奉獻給天那邊的「花兒與少年」。

5.了解學生成長——因材施教與職業要求

觀看教育電影，還可以幫助師范生了解學生成長過程，了解青少年身心發展的規律，這樣才能教好書、育好人。像電影《跑吧，孩子》、《天堂的顏色》、《草房子》、《家庭作業》、《男生賈里新傳》以及動畫片《淘氣包馬小跳》等，主要關注受教育者——青少年學生的學習、生活、成長等諸多問題。教育工作應該遵循一條自孔子流傳下來的 經驗原則與職業要求——因材施教，其主要內涵是深入了解學生的一般情況和個性特點，對不同學生採取不同的教學方法和手段，做到「各因其材」，「長善救失」。師范生觀看這樣的教育電影，既可以觀摩、學習影片中教師的成功經驗，又可以生動直觀地了解學生身心發展規律，增加對青少年教育的一種新的理解，為走上講台做好充分的職業准備。

作為培養未來教師的師范教育，除了理論學習、教學 實踐、人職輔導等途徑以外，開展以教育電影為主的影像教學，能夠有效地提升教學效果。應該在師范教育中大力開設「電影課」，充分發揮電影藝術尤其是教育電影的功能與效應，用優秀的教育電影感染學生、教育學生，使其為將來教師職業做好充分的准備。

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『伍』 關於電影的論文範文

電影作為八大藝術之一，於19世紀末從歐洲傳入日本後，成為一項極具代表性的大眾娛樂，並得到了世界的廣泛認可。下文是我為大家搜集整理的關於電影的論文範文的內容，歡迎大家閱讀參考!

關於電影的論文範文篇1
淺析岩井俊二青春電影的美學特徵

一、長鏡頭與交叉剪輯下意境的營造

從長鏡頭渲染下的青春純愛電影《情書》、《四月物語》，到交叉剪輯鏡頭下表現成長歷程和蛻變的《關於莉莉周的一切》、《燕尾蝶》。岩井俊二在影片風格和題材上都做了最極端的挑戰，在其“青春片”所營造的意境中，愛情的唯美，生活的殘酷，青少年心靈的困惑和壓抑，都是對青春期少男少女真實精神世界的微妙探詢。岩井俊二在影片中多採用長鏡頭和快速交叉剪輯相結合的方式。在《關於莉莉周的一切》中，身著白色襯衫的少年戴著耳機靜靜地佇立於青綠的麥田中，沉迷於莉莉周的音樂世界裡。在電影片尾處蓮見刺向星野的鏡頭與楊德昌的《牯嶺街少年殺人事件》中小四用刀刺向小馬的鏡頭敘事手法不謀而合。岩井俊二在一次采訪中也坦率地回應了這個問題，“我很喜歡楊德昌的電影，但每個人對電影的出發角度不同造就了對電影理解上了差異，《牯嶺街少年殺人事件》中有一半也是我自己的心聲，而另一半我把它放在了《關於莉莉周的一切》中”。“同樣是青春成長題材的影片，《牯嶺街少年殺人事件》採用的是一種壓抑陰冷的含蓄表達，而《關於莉莉周的一切》則強調形式上的動感，熱情、誇張、充滿爆發力”。

二、弱化情節強化情緒的主觀表達

岩井俊二在中國內地的走紅，直接聯系著“青春文學”，這也是其電影創作的又一特色――建立在小說創作基礎之上。當然，“岩井文學”中不可避免的導入了導演本身的價值觀，相對於故事情節，他更注重人物的情緒表達和心理變化。一方面，他帶著懷舊的情緒追溯逝去的時代，影片中對童年世界的懷舊成為成年人對青春的缺失的一種幻想性解決途徑。《情書》中沒有強烈的沖突情節，在兩條線索下的敘事時空中，通過兩個素未謀面女孩的書信聯系在一起，渡邊博子在寄託哀思中無意探尋出一段塵封多年的愛戀，女藤井樹在書信的來往中才發覺青春期的情愫早已生根發芽，只是隨男主角的離開戛然而止。岩井俊二沒有在敘事的策略上突出對死亡的恐懼，而是通過情緒的升華給予了觀眾更多的思考空間。另一方面，他通過社會的角度來表達對青年成長和意識形態的思考。影片《燕尾蝶》中，觀眾可以在碎片式的故事情節中感受到主人公內在情緒的微妙變化，從而引發內心的思考。這也是“岩井文學”所衍生出來的弱化情節而強化情緒的“青春敘事”方式的建構。但是，此類情節弱、情緒濃的主觀表達方式並不適用於任何題材的電影，對其後期電影主題的表達也有所限制。

三、青春意象背後人性的共通之處

“意象，指對存在於記憶中的事物在感受上，知覺上的體驗。而電影中的意象是表意之象，是導演主觀的“意”和客觀的“象”的融合，它是藝術創造過程中的產物”。寫滿藤井樹名字的借書卡、刻在鳳蝶胸前的燕尾蝶……岩井俊二運用極簡的影像風格，將青春的熱烈與生命的脆弱透過自然意象和虛擬意象表現出來，對青春期群體的人文關懷貫穿始終。

“《四月物語》中的落滿櫻花的街道和女主人公手中的紅色雨傘是岩井俊二對青春短暫和熱烈的意象隱喻”。《關於莉莉周的一切》中，“以太”一詞貫穿於影片的始終，是青春的神秘、崇高和超自然力量的代名詞。同樣，《燕尾蝶》中所營造的並不存在的城市“元都”，象徵著青春里慾望的深淵。岩井俊二把所有不可言喻的意象都融入了客觀存在里，這也是他對“青春”充滿無限可能的另類闡釋。

《燕尾蝶》的“蝴蝶”意象含蓄而凄美，暗示著兩個女孩成長歷程中的蛻變。固力果胸口的蝴蝶紋身是她存在的證明，她來過，以一個飽受生活磨難的姿態，帶走了一隻蝴蝶的脆弱和美麗;鳳蝶，歷經世間創傷卻依然滿懷希望，胸前刻的燕尾蝶是她長大成人的專屬記號。她們渴望飛翔，即使是在追求人生破繭而出一刻隕落，岩井俊二採用這種獨特的青春意象，表達了他對已逝青春的祭奠。沉淪或者毀滅因其陰暗而被電影避之不談，但這卻是真實人性的一部分，岩井俊二試圖將成長中的青年從喧嘩虛幻的社會現象中抽離出來，從而理解現實的殘酷和真實世界的難能可貴。

岩井俊二是一個主觀意識特別強的導演，正如他自己所說：“我創作電影的理念是徹底極端的”。在影片《燕尾蝶》中，他塑造了強盜、妓女和拾荒者的不同身份來展現大城市高速運轉中一群病態而畸形的社會底層人士生活的場景，但他並沒有將這種陰暗徹底的呈現，而是從他們蒼涼的生活狀態和精神的缺陷里挖掘出了人性深處共有的善良。即使是在動盪不安的青春里，少年依然保留著內心的純凈。
關於電影的論文範文篇2
淺析日本電影中的中國古典文學

1.研究背景

電影作為八大藝術之一，於19世紀末從歐洲傳入日本後，成為一項極具代表性的大眾娛樂，並得到了世界的廣泛認可。特別是於上個世紀50年代，日本電影迎來了其黃金期。以導演黑澤明的《羅生門》(1951年)為首，溝口健二的《西鶴一代女》(1952年)，衣笠貞之助的《地獄門》(1953年)等連續在國際電影節上獲得大獎。縱觀日本電影的獲獎史，日本的時代劇，也就是極具日本風格的電影，獲得了國際電影界的歡迎。但是，很少為人所知的是，日本電影不僅從自己的“日本風”中取材，同樣也將外國文化作為素材，並加以改編。例如作為電影推廣初期的明治、大正時期，那時的觀眾所最為熟悉的外國文化，則是中國的古典文化。

2.不同時代中的以中國古典題材的日本電影

尚處於日本電影草創期的1911年，吉澤商店製作了《西遊記》。緊接著1912年，在西遊記廣受好評的情況下，再接再厲攝制了《三國志》。另外，還有很多例如《豹子頭林沖》(1919年、日活向島攝影所、小口忠導演)、《西廂記》(1920年、日活向島攝影所、田中容散導演)等一系列以中國古典作為題材的電影被持續不斷地搬上了日本大熒幕。

之後，世界格局發生了改變，第二次世界大戰爆發。電影主流也由無聲進入了有聲期。戰爭時期，日本電影又製作了一系列如《孫悟空》(1940年、山本嘉次郎導演)、《水滸傳》(1942年、岡田敬導演)、《鴉片戰爭》(1943年、牧野博導演)等為日本帝國主義服務的國策電影。

日本戰敗後的1950年代，日本電影進入了轉型期，邁入了黃金時代。《楊貴妃》(1955年、溝口健二導演)、《白夫人的妖戀》(1956年、豐田四郎導演)、長篇漫畫電影《西遊記》(1960年、藪下泰司、手?V治蟲、白川大作導演)等各種日本觀眾喜聞樂見的中國古典文學題材的電影，不但在日本上映，還進入了香港及東南亞等華語圈市場，成為了一道獨特的風景。

1970年代，電視取代電影，走進了日本的千家萬戶，成為了時代的主流。1978年至1980年，日本電視局製作的系列連續劇《西遊記1》和《西遊記2》，不但在日本受到廣大觀眾好評，甚至被中國中央電視台引進，走進了中國的千家萬戶。另外，於2007年製作的電影版《西遊記》(澤田鐮作導演)，以43.7億日元的票房，位居當年日本本土電影收入第四位。

3.從中國古典文學到日本電影

以《西遊記》為首，《三國志》、《白蛇傳》等以中國古典為原型的故事，經由日本導演、編劇以及演員的演繹，介紹給了日本的觀眾。但是，這些作品都有一個共同的特點，就是有許多地方經過了改編，展現出了與原作頗為不同的風味。

將外國的古典作品翻拍成電影，將具有各種全新的可能性。並且，雖然原作是古典文學作品，但內容也並不是一成不變的，其故事隨著時代的發展，也一直產生著變化。例如《白蛇傳》，最初馮夢龍主編的《警世通言》版本，其中的白娘子的性格，以及最後的結局，都與如今我們耳熟能詳地《白蛇傳》頗有不同。而日本電影選擇哪個版本的故事作為故事底稿，則具有極為深刻的意義。歷史故事也同樣，由於製作方所處國家和立場的不同，講述出的故事也會具有情節上的差異。上文中提到過的日本版《鴉片戰爭》這部電影就是最好的例子。研究日本版的各類中國古典或歷史故事電影與原版的異同，可以從中發現其政治意圖及意識形態，因此具有極為重要的意義。

4.結論

因此，狹義上而言，本研究為日本電影研究，但廣義上而言，其實為媒體以及大眾文化研究。由於本研究所涉及的研究對象可以說是歷來未被傳統研究所重視，因此，分析此類電影將可一窺日本電影的時代特徵、對外來文化的受容史，以及中日電影交流史。更是對日本電影史的一種補充，具有不可輕視的意義。
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