紐約演員工作室對美國電影工業的影響
A. 試分析美國電影各發展階段的特點
一、起源
有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。
在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。
在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。
在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。
此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。
二、好萊塢的崛起
在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。
他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。
之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。
當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。
但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。
在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。
一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。
（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。
一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。
他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。
「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年
20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。
有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。
有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。
1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。
這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。
一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。
三、好萊塢的黃金時代
所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。
不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。
例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。
同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。
不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。
在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。
米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。
在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。
很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。
電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。
1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。
黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。
四、片廠制度的沒落
「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；
經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。
最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。
這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。
但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。
現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。
電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。
這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。
到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。
五、新好萊塢和後經典電影
後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。
後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。
「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。
好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。
同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。
早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。
這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。
Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。
這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。
(1)紐約演員工作室對美國電影工業的影響擴展閱讀：
今日好萊塢
一、運作特色
好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。
二、敘事美學
在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。
雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。
三、產業規模
美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。
B. 世界三大電影工業基地
說到電影工業基地，許多人都會想到現今最著名的好萊塢，然而很少有人真正的了解過好萊塢。下面就由我介紹世界三大電影工業基地，有時候我們也許不僅僅是看電影，還可以了解了解電影在哪生產的?
世界三大電影工業基地
1 好萊塢
好萊塢(Hollywood)，又稱荷里活，位於美國西海岸加利福尼亞州洛杉磯郊外，依山傍水，景色宜人。
“好萊塢”一詞往往直接用來指美國的電影工業，由於美國許多著名電影公司設立於此，故經常被與美國電影和影星聯系起來，好萊塢是世界聞名的電影中心，每年在此舉辦的奧斯卡頒獎典禮則是世界電影的盛會 。
好萊塢不僅是影視娛樂明星工廠，也是全球時尚發源地，世界上眾多商品是由於好萊塢的電影而成為奢侈品頂級品牌。好萊塢頂級品牌俱樂部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是頂級品牌運營組織，是一個名副其實的全球頂級品牌俱樂部。
然而當今的好萊塢已經風光不再。盡管還有一些後期製作工廠、電影技術支持公司和幾個大唱片公司仍然位於好萊塢，但昔年奠定好萊塢輝煌的各大電影公司卻只有派拉蒙一家還留在好萊塢。電影業絕大多數最富有和最成功的創作人員早在幾十年前就離開了好萊塢。從四、五十年代開始，好萊塢逐漸走向衰落，從一個風景如畫的住宅、創作和旅遊麥加蛻變為熙攘喧囂、淫亂低級、充滿罪惡的鬧市，到處充斥著低俗的旅遊紀念品商店、毒品販子、乞丐、遊民和妓女，到八十年代末這片衰敗景象達到谷底。
因此，再創好萊塢輝煌成為90年代的洛杉磯市長辦公室的頭等政治大事。具有諷刺意味的是，1992年的暴亂和1994年的地震使洛杉磯得到了聯邦政府的大量撥款，使好萊塢的重整成為可能和必須。重建計劃頗見成效，自1993年以來，犯罪率下降了21%，骯臟破敗的街道煥然一新。許多地標建築被重修，包括好萊塢大道6712號的埃及大劇院。年久失修、具有傳奇色彩的電影宮殿。
埃爾·卡皮坦大劇院，也由迪斯尼公司出資重新裝修，成為迪士尼在洛杉磯的櫥窗影院，是全美票房最高的單銀幕影院。還有其他幾十個工程也都破土動工，包括新建的好萊塢娛樂博物館和好萊塢歷史博物館。加上原有的好萊塢山上的好萊塢標志、好萊塢大門、3.5英里長的明星大道、中國大戲院門前的明星腳手印、好萊塢蠟像館、好萊塢製片廠博物館以及好萊塢紀念公墓等招牌景點，好萊塢每年仍吸引著上千萬遊人，在此消費約十億美金。看來，金絲鎮的輝煌大有卷土重來之勢。
風景名勝
杜比劇院
杜比劇院位於美國加州好萊塢的好萊塢大道上，2001年11月9日啟用，是奧斯卡金像獎頒獎禮的舉行地點。直至2033年，奧斯卡都會在杜比劇院舉行頒獎典禮。
杜比劇院，原名柯達劇院，2012年2月更名為“好萊塢高地中心，2012年5月更名為現名。
中國劇院
好萊塢最重要的景點之一就是位於好萊塢大道上的中國劇院，以知名明星的手印、腳印吸引各國遊客到此一睹明星足跡。中國戲院在1927年5月開幕，以其中國式建築的外觀得名，69呎高的青銅色屋頂高入雲霄，戲院內部也以中國藝術概念所設計。
比華利山
當年的名流巨賈離開好萊塢之後，大都搬到了比華利山，使之成為洛杉磯地區最豪華最富有的住宅區。
日落大道
日落大道一條商業街，它距離市中心1小時車程，位於Sunset出口和Fairfax大街附近。
這條街地處西好萊塢，時髦的服裝店，飯館及咖啡廳鱗次櫛比。而一到晚上，這里又是另外一番景像，各種夜總會，迪廳吸引了成群結隊的年輕人來到這繁華的霓虹燈下。在這條街，你能見到很多的好萊塢明星，但各個營業場所離得比較遠，你有必要打的或借一輛車前往。
環球影城
位於洛杉磯市區西北郊，好萊塢是世界著名的影城，20世紀初，一些製片商開始在這里拍片，到1928年已形成了以派拉蒙等八大影片公司為首的強大陣容。三四十年代以來，好萊塢成為美國的一個 文化 中心，眾多的作家、音樂家、影星就住在附近的貝弗利山上
星光大道
好萊塢星光大道(Hollywood Walk of Fame)是條沿著美國好萊塢好萊塢大道與藤街伸展的人行道，上面有2000多顆鑲有好萊塢商會追敬名人姓名的星形獎章，以紀念他們對娛樂業的貢獻。第一粒星於1960年2月9日頒贈予瓊安·伍德沃德(Joanne Woodward)。截至2013年6月20日上面共有2500顆星。
野外劇場
建於1922年的這個圓形劇場位於好萊塢北端，是一個百色的演唱會專用場所，你經常都會在電視或電影看到這個圓形劇場，甲克蟲樂隊也曾在此演奏。
每年7月初到9月初這里有一個野外音樂會，由洛杉磯樂團和好萊塢野外劇場交響樂團共同演奏。到了周五和周六，你還可以在這盡情欣賞電影音樂，流行音樂以及爵士音樂等多種音樂的演出。
比華利山飯店
比華利山飯店是世界電影界最喜愛的聚會場所。飯店佔地12英畝，沿著棕櫚掩映的日落大道呈條狀鋪開，整個旅館呈粉紅色調，被業內稱為“粉房子”，由豪華套間、舞廳、酒吧、咖啡廳以及高級別墅套房和各色園林所組成，整個設計是文藝復興時代的風格。
派拉蒙電影城
卓越(派拉蒙)電影公司所擁有的好萊塢僅存的片場位於Melrose大街上。這里有為一般人提供的游覽路線。這條路線需時兩個小時，你無需預訂門票，只要在Gower街上的入口處購得門票按指定時間進行參觀即可。
公司
二十世紀福克斯：20th Century Fox Film Corporation (NewsCorporation)
華特迪斯尼公司：The Walt Disney Company (independent)
哥倫比亞：Columbia Pictures (隸屬SONY)
獅門影業公司：Lions Gate Films(independent)
新線影業：New Line Cinema(隸屬時代華納)
派拉蒙電影公司：Paramount Pictures (隸屬維亞康姆)
環球影片公司：Universal Pictures(隸屬通用電氣公司)
華納兄弟：Warner Bros. Pictures(隸屬時代華納)
溫斯坦公司：The Weinstein Company(MGM distributes films)
頂峰娛樂：Summit Entertainment
夢工廠：DreamWorks Pictures(被維亞康姆收購)
米拉麥克斯影業：Miramax Films(被華特迪斯尼公司收購)
米高梅：Metro-Goldwyn-Mayer (被索尼電影娛樂公司收購)
雷電華：RKO(Radio Keith Orpheum)
塞繆戈溫電影公司：The Samuel Goldwyn Company
塞爾茲尼克國際影業公司：Selznick International Pictures
聯藝：United Artists(被米高梅收購)
頂級品牌俱樂部
好萊塢不僅是影視娛樂明星工廠，也是全球時尚發源地，世界上眾多商品是由於好萊塢的電影而成為奢侈品頂級品牌。好萊塢頂級品牌俱樂部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是頂級品牌運營組織，是一個名副其實的全球頂級品牌俱樂部。
2 寶萊塢
寶萊塢的製片廠外景寶萊塢(Bollywood)是對位於印度孟買電影基地的印地語電影產業別稱。寶萊塢時常被誤解為所有的印度電影，而實際上，它只代表部分印度電影產業。寶萊塢是世界上最大的電影生產基地之一，擁有數億觀眾。
印度人將“好萊塢”(Hollywood)打頭的字母“H”換成了本國電影之都孟買(Bombay)的字頭“B”，因而把“好萊塢”變成了“寶萊塢”(Bollywood)。
寶萊塢也被稱作是“印地語(Hindi)的影院”，其實烏爾都語(Ur)詩歌在這里也相當常見，同時英語的對白和歌曲所佔的成分也正在逐年增加。不少影片中的對白中都有 英語單詞 短語 ，甚至整個 句子 。一些電影還被製成兩種或三種語言的版本(使用不同語言的字幕，或者不同的音軌)。[1]
寶萊塢和印度 其它 幾個主要影視基地泰米爾語- Kollywood，特魯古語(Telugu)，孟加拉語(Bengali) - Tollywoord，坎拿達語(Kannada)和馬拉亞拉姆語(Malayalam)等構成了印度的龐大電影業，每年出產的電影數量和售出的電影票數量居全世界第一。寶萊塢對印度以至整個印度次大陸，中東以及非洲和東南亞的一部分的流行文化都有重要的影響，並通過南亞的移民輸出傳播到整個世界。
影片類別
寶萊塢的電影通常是音樂片。幾乎所有影片中都有 唱歌 跳舞的場面。印度的觀眾期望他們的花費物有所值，影片的表演者通常被稱作"paisa vasool"，即“錢之所值”的意思。歌唱和舞蹈、三角戀愛、喜劇再加上超膽俠的驚險場面：一起混和在一部三個小時長的，包含一次幕間休息的，華麗鋪張的表演之中。這些影片稱作“masala”電影，以印地語代表混和香料的“masala”一詞命名。如“masala”香料一樣，這些電影實來是各種東西的混和體。
影片的情節多是通俗鬧劇，裡面有很多些公式化的成分，比如命運不佳的情侶，憤怒的父母親，腐敗的官員，綁匪，心懷陰謀的惡人，淪落風塵的善良女子，失散已久的親人和被命運分開的兄弟姐妹，戲劇性的命運轉折，還有方便的巧合。
當然也有些影片有著多些的藝術追求和復雜些的劇情(比如Satyajit Ray、Mrinal Sen、Guru Dutt、Shyam Benegal、Hrishikesh Mukherjee和Gulzar等人的電影)，但這些電影往往在票房不敵口味更大眾化的電影。然而，寶萊塢正在轉變。他們希望看到不同的印度電影。
應該指出的是，符合大眾口味的電影中也有不少是有價值的，或者作為精雕細琢的娛樂片，或者以其自身的方式有著藝術上的成就。寶萊塢電影的任何一個影迷都能夠列出一系列超過普通masala電影的影片來。
剽竊指控
受到製作周期短和預算少的限制，一些寶萊塢的作者從西方成功電影中直接借來情節甚至場景，一些作曲者也從西方電影乃至其他印度電影中抄襲音樂旋律。多數對西方電影的抄襲都不會受到懲罰，因為西方人對此基本上一無所知;而且，許多印度觀眾本身也不熟悉西方電影和曲調。寶萊塢電影中終究存在多少抄襲是個廣受爭議的問題。有些人說是零星存在，有些人說相當頻繁。
獎項
印度銀幕雜志Filmfare在1953年舉辦了第一屆Filmfare獎(Filmfare Award)。該獎後來成為寶萊塢的奧斯卡獎。雜志的讀者進行投票，最後的頒獎在一個眾星雲集的盛大儀式上進行。該獎與奧斯卡獎一樣常被指責對影片商業成功的關注超過影片內涵。
其中受歡迎的一些獎項包括：
Zee Cine 獎
Star Screen 獎
星塵獎
這些獎項都有精心設置頒獎儀式，歌舞表演，有明星和嶄露頭角的新星參加。
以吸引海外的印度和外國觀眾。幾次典禮分別在阿姆斯特丹、新加坡、英國和南非舉行。
1973年以來，印度政府出資贊助了“國家電影獎”(National Film Awards)，由國家出資的電影節管理局(Directorate of Film Festivals - DFF)頒獎。DFF所面向的不光是寶萊塢電影，還包括其他地區的電影和獨立電影/藝術電影。頒獎典禮由印度總統主持，所有人都因此而渴望獲獎。
影響力
很多人說，寶萊塢的電影形式單一，內容自娛自樂。看一部覺得新鮮，看第二部就覺得雷同，只有印度人才會如此推崇不已。但是對全世界來說，寶萊塢就像印度最美麗的一張名片，展現了印度人獨特的魅力。而今，印度的電影明星們在世界名流的圈子裡風頭日健，不少好萊塢明星開始往寶萊塢發展。寶萊塢明星的婚禮上，可以請到美國前總統柯林頓夫婦和英國女王伊麗莎白;就連美國總統到訪，還傳出了寶萊塢第一美女沒空見布希的消息，可見印度寶萊塢的影響力，越來越大了。
3 香港電影
香港電影(Hong Kong Film)是華語電影的先驅者。華語電影是分割成四個地方發展的：香港電影、大陸電影、新加坡電影和台灣電影。在1997年回歸之前，香港已發展成為華語世界(包括海外華人社會)以至東亞電影的製作基地之一。幾十年來，香港一直是電影工業基地之一和電影出口地之一，人們把它稱做“東方好萊塢”。
起源
1 897年電影開始傳入香港。
1898年開始有商業性電影放映。
1901年出現第一家電影院喜來園。
1909年，上海亞細亞影戲公司在香港拍攝了影片《偷燒鴨》。
1913年，黎民偉和美國人布羅斯基合辦了香港第一家製片機構──華美影片公司，攝制了 故事 短片《莊子試妻》。
1923年，黎民偉又和他的兄弟等創辦了香港第一家全部由香港人投資的製片機構──民新影片公司，
1925年上映了它拍攝的香港第一部長故事片《胭脂》。
電影製作
香港的紙片模式，專業分工、組織結構雖比中國內地、台灣地區完善，但較之好萊塢仍顯得隨意機動，工業化程度遠不夠嚴密有序。
第一，按照好萊塢的工業規則，電影一旦開機便需按部就班，不能隨意更改劇本、變動進度。然而香港的電影導演，比如徐克、杜琪峰等，他們的拍攝 方法 卻大不相同：在保證按時交片的前提下，現場即興發揮、隨拍隨改、有時停工有時趕拍。這種做法恰恰是香港電影黃金時代最正常的作風習慣。
第二，香港盡管也有不少以導演強勢創作著稱的影片。
第三，香港電影素以拍攝迅速為特色。要說香港的拍攝速度有多快，1960年代，香港的粵語戲曲片就有“七日鮮”的紀錄，到了上個世紀90年代這個紀錄幾乎被追平，吳鎮宇導演的《9413》，只用了10天時間，而他主演的《古惑女》，也只用了12天。香港電影之所以要拍攝快，主要是為了趕檔期，既趕明星的檔期，更主要的是為了院線的上映檔期，港片興盛的時候，院線需要大量的港片填充各個檔期，尤其是每年的 春節 賀歲檔，更是必需有巨星坐鎮。
香港電影的主要類別有武俠片/動作片/功夫片、喜劇片、警匪片、黑幫片、文藝片、鬼片、情色片等等。
電影節
香港電影金像獎
香港電影金紫荊獎
香港電影評論學會獎
亞洲電影節
香港國際電影節
亞洲電影大獎
現狀
現在內地的觀眾普遍反映香港電影沒有過去的好看，首先是演員就沒有以前的那樣吸引人。香港目前新生代的女明星沒幾個能獨挑大樑，2015第34屆金像獎最佳新人提名中，王菀之佔了三個提名，可見香港電影新人演員已經到了匱乏的地步。這和過去張曼玉、林青霞、葉童、袁詠儀、王祖賢她們爭芳斗艷的時代已經是天壤之別，好的女演員實在是太少了，拍一部電影都找不到什麼好的女演員配戲。
男演員呢?香港電影眾所周知是以動作片打天下，現在的男演員演戲好的還是有不少，可是能打的就很少了。目前已經不年輕的甄子丹仍然是一枝獨秀，他的新作《葉問3》也已開機，但很明顯，甄子丹之後就很難再找到動作新人。像洪金寶、成龍那樣從小練功的武打演員，現在香港新生代明星中實在是太少了。畢竟洪金寶他們的年月，當時的父母還願意把小孩送去學武，這在今天看來已是很稀罕的事情。極度缺乏巨星和人才，缺乏創意是香港電影面臨的首要問題，如果香港電影想要再度輝煌，就必須有一大批新的電影人才給香港電影注入新的活力，就好像1979年發起的香港電影新浪潮運動一樣，只有這樣，香港電影才能起死回生。
現在香港電影一年當中都很難有30部電影開機，新演員就更難說出頭，王家衛的《一代宗師》之所以能在金像獎上獲得12項獎杯，也是因為競爭中太弱的緣故，如果是《一代宗師》放到1990年代，就很難拿下這么多獎杯了。
缺乏新人，缺乏新作，倚靠中國內地拍攝電影，香港電影其實已經融入了內地電影，以後逐漸就是中國電影了，香港電影和內地電影的區分越來越不明顯。或許，香港電影不是走向了沒落，而是走向了融合。
C. 好萊塢對美國的經濟文化貢獻究竟有多大
好萊塢對美國的經濟文化貢獻
幾十年來,影視產業一直是美國創意產業以至美國經濟的重要支柱,同時也是美國最大的私營經濟僱主之一。其經濟文化貢獻包括以下幾個方面:
創造就業。2008年,美國影視產業共提供了240萬個就業崗位和總計超過1400億美元的工資額。其中與電影和電視節目製作發行等直接相關的職業崗位工資總額為417億美元,年人均工資額5.56萬美元,比全國平均工資水平高出26%。其中29.6萬多人從事著影視節目生產、銷售、製造和發行等核心業務,覆蓋了影視業的主要職業類別,包括自由撰稿人,大型製片廠和獨立製片公司兼職或全職人員,電影製作室、特效數碼工作室、外景地服務、道具和衣櫃製造等核心產業兼職或全職人員等。這些工種的人均年收入接近7.6萬美元,比美國全國平均工資高出72%。另有超過45.3萬人從事著電影和電視節目的銷售、發行、流通等相關業務。他們主要受雇於電影院、DVD零售和出租業、電視台、有線電視公司和新涌現出來的新媒體公司、視頻網站等。
還有與電影和電視節目製作發行間接相關的職業崗位,包括由零售店、主題餐廳、主題公園和影視旅遊勝地等所創造的就業以及與該行業有業務往來的公司就業等。
產業聚集。美國影視產業是一個由很多大小公司組成的全國性網路。2009年影視業企業達到9.5萬多家,遍布美國各州,其中81%以上的影視公司不到10個人。有 4.9萬個公司從事著影視生產的直接業務,包括製作室、衣櫃公司和攝影器材公司等核心產業供應商。它們大部分都是小企業,93%的企業員工數量不到10人。這些企業64%分布於加州和紐約之外的地區。另有4.5萬多家企業從事著面向消費者發行電影和電視節目的相關業務,其中包括電影院、專門從事視頻零售和出租的企業、電視台、有線電視公司等。這些企業廣泛分布於美國各地,80%建在加州和紐約以外。
影視製作不僅需要核心產業供應商,也需要許多外圍業務服務商,如餐飲店、木場、服裝零售商和花店等。2008年,美國影視業為分布全國各州的14.4萬多家配套公司支付服務費400億美元。
娛樂受眾。2009年美國電影的全球票房達到299億美元,不僅在本土,而且成為世界各國的娛樂之王。對比其他娛樂休閑活動,電影在美國本土表現出突出而恆定的觀眾忠誠度。2009年有2.17億美國人走進影院看電影,占人口(2歲以上)總數的67%,即2/3多。這批電影觀眾2009年人均觀影6.5場次。2009年電影院入場人次超過主題公園及各類體育比賽的總和。在國際上,美國電影是拉動很多國家票房的引擎,市場份額超過這些東道國國產電影。
影視旅遊。據一項發布在美國《旅遊研究雜志》上的研究成果顯示,在一部成功的電影中出現過的景點,在影片公映後其旅遊業收入將上升75%。2008年,甚至在電影《慾望都市》還在拍攝製作階段時,其拍攝地紐約的某些景點每周就已吸引1200名遊客。紐約官方旅遊市場組織的CEO表示,《慾望都市》已經成為紐約的「全時商業廣告」。在阿勒岡州聖巴巴拉郡某葡萄酒廠拍攝的電影《杯酒人生》放映之後,聖巴巴拉郡的各葡萄酒廠的參觀者增加了三倍。
創造公共收入。2008年,美國影視產業為美國的公共收入貢獻了157億美元,其中聯邦所得稅129億美元(不包括企業所得稅、財產稅、營業執照稅和由間接就業創造的稅收收入),包括失業、醫療和社會保險等;州所得稅20億美元,包括營業稅等。
國際貿易支柱產業。在全球影視市場中,美國影視產業是少數幾個能始終如一保持貿易順差的產業,表現出強勢的國際競爭力。2008年,美國音視頻服務出口額為136億美元,較上年下降6%,但仍比2004年增加21%。影視服務貿易順差為117億美元,佔美國私營經濟服務貿易順差總額的7%,高於通信、管理與咨詢、法律、醫療、計算機以及保險等行業的服務貿易順差。
D. 20世紀20年代的電影工業發生了怎樣的變化
我以前已經談到過這個問題，但這次我將從一個稍微不同的角度來解決這個問題。整個20世紀20年代，美國電影業呈幾何級數增長。後來有了更多的劇院，更多的產品，業務也得到了整合，幾家大公司形成了「製片廠系統」:簽約演員、導演和編劇;在裝配線的基礎上做出的特性。連鎖影院發展起來了，其中大部分由經營電影公司的公司控制。
但是電影行業在美學和技術上也有進步。例如……這是1920年的裝飾和照明，帶有佐羅的標志…在1924年前後，以《巴格達的小偷》為背景進行了裝飾和照明……更加註重光源，更加註重造型。
因此，20世紀20年代不僅僅是有聲電影的時代，它還推動了藝術形式的發展，提高了電影製作技術，(在公司方面)鞏固了美國電影業，從製作到發行再到展覽。(垂直整合,有人知道嗎?)
E. 關於美國電影發展史
美國電影發展史：
美國是世界第一電影強國，雖然美國只有200餘年歷史，沒有什麼歷史底蘊，但在幾百年的短暫發展中，逐漸形成了具有鮮明特色的美國文化，其核心就是追求夢想，平等，自由，以及包容一切。而這些在其電影中都有著很好的體現，這些都是很多其他國家電影所不具備的。
包容這一點尤其是其他國家望塵莫及的，最典型的例子是2006年的電影《硫磺島來信》，能從侵略者和敵人的角度來表現戰爭，發掘敵人身上的閃光點與無奈，在全球恐怕沒有多少國家能做到。因而美國電影一直引領著世界電影產業發展的潮流。
19世紀末20世紀初，美國的城市工業經濟和中下層居民數量迅速增長，美國電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內，隨後進入小劇場，在劇目演出之後放映。1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院很快遍及美國所有城鎮，到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。
這些影片都是單本一部的，當時的產量是每月400部，主要的製片基地在紐約，如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年鮑特，E.S.的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》使電影從一種新奇的玩意發展為一門藝術。
影片中使用了剪輯技巧，鮑特成為用交叉剪輯手法來造成戲劇效果的第一位導演。電影收益高，競爭激烈。自1897年開始，愛迪生即為爭奪專利進行訴訟。
到1908年，成立了由愛迪生控制的電影專利公司，該公司擁有16項專利權，並與電影膠片專營者之一的伊斯曼柯達公司達成協議：只有專利公司成員組織方能購買伊斯曼膠片。到1910年，電影專利公司壟斷了美國電影的製作、發行和放映。
獨立製片商為擺脫專利公司的壟斷，相繼到遠離紐約和芝加哥的洛杉磯郊外小鎮好萊塢去拍片，這里的自然條件得天獨厚，遠離專利公司的控制，又臨近墨西哥邊境，一旦專利公司提出訴訟便可逃離。
格里菲斯此時開始了他的電影生涯，他於1907年加入比沃格拉夫公司，1908年導演了第一部影片《陶麗歷險記》。至1912年，他已為該公司攝制了近 400部影片，把拍片重心逐漸移向好萊塢，並發現和培養了許多後來的名演員，如塞納-馬恩省特，M.、璧克馥，M.和吉許，L.姐妹等。
到第一次世界大戰爆發前夕，鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所代替；電影專利公司的壟斷權勢也逐漸消失，終於在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。製片中心也從東海岸移到好萊塢。
第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業，卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地湧入歐洲市場。待到第一次世界大戰結束時，美國電影已經建立起在歐洲的霸權地位。
美國電影風格：
1、個人主義是美國價值觀中的核心組成部分，它重視個人成就、崇拜個人奮斗，講究個人價值最大程度地實現。
美國電影是灌輸個人主義的主要工具，從《蜘蛛俠》、《超人》再到《2012》，「救世主們」一次次讓美國扮演拯救世界的角色，英雄來到地球是「為了美國式的真理和正義」，讓觀眾在不知不覺中認同美國具有拯救並主導世界強權地位的天然能力。
2、美國電影很注重鏡頭和敘述場景的精雕細琢，自由女神像、星條旗、曼哈頓街道都是時常出現的鏡頭。
無論是現代科技製作出來的震撼鏡頭，還是藝術浪漫的日常生活場景的展示，都會激起一部分觀眾對美國的嚮往。
3、美國電影善於將精神內核和商業外殼有機結合，價值觀傾向被包裝在具有強烈視聽效果的表層結構之下。
美國影視產業不僅為美國帶來巨額經濟利益，帶動了美國文化產業的發展，同時推銷了美國的價值理念，營造了一個有利於國家形象傳播的「美國文化群落和文化生態」。
F. 好萊塢大量影視暫停拍攝，疫情對好萊塢電影行業的影響有多大
好萊塢是全球最大的影視基地，成千上萬的優秀影片都在那裡誕生，其對於影視行業的發展功不可沒，但是現在新冠肺炎的疫情影響，好萊塢的電影事業也受到了一系列的阻礙。我認為這次始料未及的疫情，對好萊塢影業造成了很大的經濟損失，且對於他後續的發展有很大的影響，同時也對好萊塢相關的演員很不利。
盡管疫情的爆發每一個人都不想看到，但是處在這樣危急的局面，好萊塢也只能去暫停影視的拍攝，一個行業的正常運作受到影響，那麼它的經濟損失會很大，但處在這樣的環境下也沒有辦法，所以只能去盡力彌補虧損，使接下來的影片得到正常的拍攝，從而得到關於電影應該擁有的收益，這是十分重要的。