美國電影黃金時代
① 黃金時代影評:女神湯唯男女通殺
電影黃金時代評論
黃金時代。電影之所以最終命名《黃金時代》，源自蕭紅寫給蕭軍信中的一句話「這不正是我的黃金時代嗎？」 折射了1930年代民氣開放、自我意識覺醒，百舸爭流的年代，那是蕭紅這樣的知識分子的黃金時代，也是追求自我的女性的黃金時代。
蕭紅，一個民國女子，經歷了逃婚、未婚先孕、生子後被棄、母子分離、幼子夭亡、顛沛流離、與四個男人發生情感糾葛，這還只是她人生的一部分，真正貫穿她生命的主旋律——是以寫作為武器，喚醒更多人的自我覺醒意識。她一生如同動盪塵埃，從未停歇，直到最終客死異鄉，她幾乎經歷了那個時代的女性不敢想像的所有事情。她的文字、她的感情生活和她坎坷的命運，本身就比一部電影還要精彩跌宕。王安憶曾說，有故事有才華的女人很多，蕭紅之所以能被歷史記住，是因為她把自己的熱情轉化為更巨大的東西，去影響其他人。
蕭紅骨子裡有東北女人的熱烈，她和張愛玲都是自我意識覺醒的女性，都忠於自我。北國冰雪中長大的蕭紅活得炙熱投入，燃燒自己，心懷天下；而上海風骨的張愛玲活得冷峻淡然，永遠冷眼旁觀，有一種置身事外的氣度，只活自己的。
1936年10月21日於日本東京，蕭紅從報紙報道中得知恩師魯迅先生逝世的噩耗，萬分悲痛，是魯迅賞識她的才華，寫信召喚她從青島前往上海，助她發表成名作《生死場》，先生和夫人許廣平更是經常將年輕一輩作家聚到家中，組飯局聊文學，對蕭紅恩情匪淺。在電影《黃金時代》曝光的劇照中，蕭紅哀悼魯迅一幕也被還原，湯唯自曝對蕭紅的悲痛感同身受，在片場的情緒不能自持，卻委屈地被導演下禁令「不準放開哭」，為了戲劇的完美，拍攝時她只能使勁地憋著，喊「cut」了才躲起來一個人痛快淚奔，「在那使勁地哭，趕緊把那些東西漚出去，那一刻感覺要把蕭紅前半生的眼淚都流了」。
女神湯唯「男女通殺」戲內湯唯蕭紅上身，演活這位民國文學洛神，而戲外的湯唯，也獲得電影中其他演員的青睞，田原說，「湯唯就是我的女神」，王紫逸說，「湯湯是我的女神」，當黃金眾星談起湯唯來，不論男女，都不乏公開向湯唯表白的，無論他們本身就已是普通觀眾眼裡的女神男神。就像電影中和湯唯對手戲最多的兩位，馮紹峰和朱亞文，倆人不約而同地曾找來電影《晚秋》看，結果，馮紹峰說「被她的文藝氣質所折服」，而朱亞文更是「看到了很多年沒看到的，那種雌雄同體的魅力」。
當然，之所以人氣如此高居不下，更是因為大家眼中私下真實的湯唯，還有個關鍵詞「可愛」。馮紹峰說：「拍戲的時候，湯唯請我們去看《北京遇上西雅圖》的首映，裡面有很多很可愛的橋段，像極她平時的某一方面」。王紫逸說：「她不一直是高冷的！有時候她在片場暈暈乎乎的磕這一下、碰那一下，你都覺得她好可愛」。
以上就是電影黃金時代的影評和評論，演繹蕭紅的湯唯，也是一位忠於自我的女性。喜歡的朋友請持續關注365語錄台詞網站，我們將持續為你更新電影黃金時代的相關信息。
② 跪求《黃金時代》百度雲無刪減完整版在線觀看，加斯東·莫多主演的
鏈接: https://pan..com/s/1r2NvsB_PcDUue6colSz2Tw
提取碼: bcrm 《黃金時代 L'âge d'or》
導演: 路易斯·布努埃爾
編劇: 路易斯·布努埃爾、薩爾瓦多·達利、薩德侯爵
主演: 加斯東·莫多、萊雅·賴斯
類型: 喜劇
製片國家/地區: 法國
語言: 法語
上映日期: 1930-10-28
片長: 60 分鍾、63 分鍾(美國)
又名: The Golden Age、L'Age d'Or、Age of Gold
影片開始是紀錄片風格的打鬥場面：一群蠍子跟老鼠對抗；接著呈現出遊擊隊跟主教軍的斗爭；貫串全片多是違反一般常規的視覺形象，而自由的程度也大得驚人 ：發怒的蠍子、維蘇威火山噴出的熔岩和帶有紀錄性的場面；極端超現實場面、標新立異的場面交替出現：如一頭母牛躺在一個年輕女孩的床上；基督變成了性虐待狂患者；作父親的毫無感覺地開槍射殺自己的小孩，當僕人房舍起火，他卻置之不理，甚至一輛牛車穿入房間，他也視若無睹；愛人們朝夕渴望相聚，但見面後卻感到無所適從，只有進行集體損毀，將犁耙、長頸鹿、聖誕樹焚燒；兩個主教從樓上被仍了下來。更有甚者，一對愛人的眼睛被擠出，手被咬掉，在一條狹窄街道的碎石上翻滾著，同時可以聽見艾呂聲音唱到「愛情，愛情，愛情呀！」一種近乎神秘的愛情概念作為一種可以改變一切的，可以為人們贖罪的東西……
③ 《黃金時代》的經典台詞
關於《黃金時代》的經典台詞
電影《黃金時代》講述一群年輕人經歷了一段放任自流的時光，自由地追求夢想與愛情的故事，也記錄了蕭紅的一生，我不能選擇怎麼生，怎麼死，但我能決定怎麼愛，怎麼活，這是我要的自由，我的黃金時代！黃金時代經典台詞語錄由名言網收集整理！
1.湯唯：有我所不樂意的，在天堂里，我不願意去；有我所不樂意的，在地獄里，我不願意去；有我所不樂意的.，在你們的世界裡，我不願意去。
馮紹峰：那你為什麼還眷戀這個世界？
湯唯：我只願蓬勃生活在此時此刻，無所謂去哪，無所謂見誰，那些我將要去的地方，都是我從未謀面的故鄉；那些我將要見的人，都會成為我的朋友。
2.湯唯：你知道我別無所求，我只想有個安靜的環境寫寫東西。
3.湯唯：以前是以前，不是現在，你就沒有好好聽過我說一次？
4.湯唯：我不能選擇怎麼生，怎麼死，但我能決定怎麼愛，怎麼活，這是我要的自由，我的黃金時代！
以上這篇黃金時代經典台詞就為您介紹到這里，希望大家能夠喜歡。如果您喜歡這篇文章，請分享給您的好友，更多精彩不容錯過。歡迎持續關注我們的後續更新，名言網匯集和分享最新最熱門的精彩內容。
;④ 試分析美國電影各發展階段的特點
一、起源
有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。
在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。
在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。
在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。
此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。
二、好萊塢的崛起
在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。
他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。
之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。
當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。
但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。
在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。
一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。
（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。
一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。
他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。
「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年
20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。
有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。
有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。
1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。
這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。
一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。
三、好萊塢的黃金時代
所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。
不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。
例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。
同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。
不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。
在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。
米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。
在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。
很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。
電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。
1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。
黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。
四、片廠制度的沒落
「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；
經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。
最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。
這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。
但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。
現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。
電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。
這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。
到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。
五、新好萊塢和後經典電影
後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。
後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。
「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。
好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。
同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。
早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。
這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。
Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。
這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。
(4)美國電影黃金時代擴展閱讀：
今日好萊塢
一、運作特色
好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。
二、敘事美學
在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。
雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。
三、產業規模
美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。
⑤ 黃金時代電影劇情介紹
黃金時代電影劇情介紹：
上世紀二十至四十年代的中國，那是一個民氣十足、海闊天空的時代，一群年輕人經歷了一段放任自流的時光，自由地追求夢想與愛情，有人在流離中刻骨求愛，有人在抗爭中企盼家國未來。
蕭紅，一個特立獨行的女子，一路流亡，從北方到南方，從哈爾濱到香港，一邊躲避戰亂，一邊經歷著令人唏噓又痛徹心扉的愛情與人生。對生的堅強對死的掙扎在她筆下穿透紙背，她的人生亦是如此。
這部電影非常過癮，有些在文章里間接看到的場面，都成為了直觀的畫面。蕭紅和她的那些男朋友們，我個人非常欣賞，也很喜歡導演這樣的處理。多數人都會有一些八卦心理，在電影《黃金時代》里，這些都「非常堂正」地表現了出來，連小小的細節都很到位。
蕭紅實在留給了我們太多的傳奇色彩，她31歲就已經完成了一生。悲劇也罷，喜劇也罷，轟轟烈烈地完成了，這是那個時代賦予她的。
⑥ 好萊塢黃金時代的時間與人物都是什麼
好萊塢在20世紀30年代進入全盛時期：當美國經濟處於大蕭條時期時，美國 的電影工業反而進入了黃金時代。1927年，第一部有聲電影《爵士歌手》(The Jazz Singer)的上映標志著黃金時代的開始，到了 1932年所有的電影都是有聲的了。1935年出現了第一部彩色印片電影《貝琪•夏普KBecky Sharpe)，1936年的 電影《亂世佳人》(Gone with the Wind)在《貝琪•夏普》的基礎上又完善了彩色印 片法技術。1933年的影片《金剛》(King Kong)中加入了特技。
這一時期也出現了許多受歡迎的明星，如克拉克•蓋博(Clark Gable)、克勞 黛•考爾白（Claudette Colbert)、格雷塔•嘉寶（Greta Garbo)和馬克斯兄弟（Marx Brothers)等。米高梅公司(MGM)、華納兄弟公司（Warner Bros)和雷電華公司 (RKO Studio )是這一時期妤萊雞主要的影片產商。其他影片公司，如福格斯電影公司（Fox)、派拉蒙電影公司（Paramont)、環球電影公司（Universal)、哥倫比亞電 影公司（Columbia)和聯美電影公司（United Artists),在這一段經濟艱難時期也有 較好的表現〇這一時期的經典影片包括《亂世佳人》(Gone with the Wind)、《奧茲 國歷險記> (The Wizard of Oz)、《關山飛渡》（Stagecoach)、《異國鴛鴦》 (Ninotchka)、《史密斯先生到華盛頓》(Mr. Smith Goes to Washington)和《古廟戰 茄聲》(Gunga Din)。到20世紀30年代末，好萊塢已經成為「流行文化的主要貢獻者，偶爾也有優秀的文化作品。同時，它也是美國經濟發展的一種雖然可能並不穩定的動力」。
⑦ 美國的20世紀30年代被稱為
電影黃金時代。在美國的20世紀30年代是當時經濟危機影響時期，社會一片蕭條，人們生活在困苦的邊緣，而電影事業能夠對人們起到舒緩壓力的作用，這就是美國電影黃金時代稱號的由來。
⑧ 黃金時代講的是什麼 電影黃金時代講的是啥
1、《黃金時代》講述的是民國女作家蕭紅一生顛沛流離，命運坎坷，在短短的30年生命中從哈爾濱到上海、日本，再到重慶、武漢，最終停留在了香港的完整一生的故事。在上個世紀30年代，為了反對包辦婚姻而逃離家庭的蕭紅（湯唯飾）在與未婚夫汪恩甲（袁文康飾）同居懷孕卻遭背棄後，向報社投稿解決生計的時候結識了同為作家的簫軍（馮紹峰飾），兩人互相賞識很快成為了情侶。1937年，蕭紅與心愛之人簫軍共同前往武漢，並在那裡與幾位東北的流亡作家組建了「東北作家群」，真正開始了寫作之路。
2、而武漢這一站，也成為了她生命重要的轉折點，但她與簫軍卻最終沒能走在一起。1938年，蕭紅與簫軍分手，懷有簫軍孩子的她嫁給了同為作家的端木蕻良，並於1940年前往香港，可最終卻在戰火紛飛的1941年難抵病痛折磨，寂寞地離開人世，享年31年。電影《黃金時代》將重點描述蕭紅在開始寫作後的十餘年，而她復雜的感情糾葛也會一一在片中展現，在體現愛情的同時，也將為我們呈現每個人物在當時那個大時代背景下所遭遇的不同命運。
⑨ 美國勵志電影之《黃金時代》簡介
美國勵志電影之《黃金時代》簡介
電影簡介：
1945年，戰爭的烏雲終於過去了。在美國中部的布恩市，有三位同鄉軍人復員後，乘坐同一架飛機回到了故鄉。這三個人是原銀行職員艾爾中士、原百貨店職員弗雷德上尉和水兵霍默。其中艾爾已過中年，霍默則最年輕，他們分手前約好以後再見，然後各自回家了。
回家後，幸運的艾爾受到妻子米莉、長大成人的女兒與兒子極其熱情地迎接。從此，艾爾和他美麗的妻子可愛的兒女過著安寧、美滿的生活。
但是，弗雷德回家時卻看到自己的父親酒精中毒，母親也已墮落，而出征前才結婚的妻子經常出沒於夜總會，跟別的男人鬼混。
在戰場上失去了雙手的霍默，雖裝上了假手，卻仍給雙親、情人及周圍的人帶來極大負擔。
在約好的那一天，三人在一家酒吧間相見，各談自己的`遭遇：霍默說愛人與親戚的憐憫使他受不了，而弗雷德為自己妻子的離別而憤憤不平……
當天晚上，弗雷德接受艾爾的邀請，去他家做客，與艾爾的女兒一見傾心。後來，弗雷德找到當售貨員的工作，一次偶然的機會，在飛機場他看到那架送他們回來的」空中堡壘」，但現在已成了一大堆廢鐵，觸景生念，決定拿這些廢金屬來做建築材料生意。在霍默的婚禮上，二人又歡聚一堂，弗雷德告訴艾爾的女兒，等他事業成功後一定會娶她的。
三位老兵復員後終於以幸福作為了生活的結局……
;⑩ 關於美國電影發展史
美國電影發展史：
美國是世界第一電影強國，雖然美國只有200餘年歷史，沒有什麼歷史底蘊，但在幾百年的短暫發展中，逐漸形成了具有鮮明特色的美國文化，其核心就是追求夢想，平等，自由，以及包容一切。而這些在其電影中都有著很好的體現，這些都是很多其他國家電影所不具備的。
包容這一點尤其是其他國家望塵莫及的，最典型的例子是2006年的電影《硫磺島來信》，能從侵略者和敵人的角度來表現戰爭，發掘敵人身上的閃光點與無奈，在全球恐怕沒有多少國家能做到。因而美國電影一直引領著世界電影產業發展的潮流。
19世紀末20世紀初，美國的城市工業經濟和中下層居民數量迅速增長，美國電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內，隨後進入小劇場，在劇目演出之後放映。1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院很快遍及美國所有城鎮，到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。
這些影片都是單本一部的，當時的產量是每月400部，主要的製片基地在紐約，如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年鮑特，E.S.的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》使電影從一種新奇的玩意發展為一門藝術。
影片中使用了剪輯技巧，鮑特成為用交叉剪輯手法來造成戲劇效果的第一位導演。電影收益高，競爭激烈。自1897年開始，愛迪生即為爭奪專利進行訴訟。
到1908年，成立了由愛迪生控制的電影專利公司，該公司擁有16項專利權，並與電影膠片專營者之一的伊斯曼柯達公司達成協議：只有專利公司成員組織方能購買伊斯曼膠片。到1910年，電影專利公司壟斷了美國電影的製作、發行和放映。
獨立製片商為擺脫專利公司的壟斷，相繼到遠離紐約和芝加哥的洛杉磯郊外小鎮好萊塢去拍片，這里的自然條件得天獨厚，遠離專利公司的控制，又臨近墨西哥邊境，一旦專利公司提出訴訟便可逃離。
格里菲斯此時開始了他的電影生涯，他於1907年加入比沃格拉夫公司，1908年導演了第一部影片《陶麗歷險記》。至1912年，他已為該公司攝制了近 400部影片，把拍片重心逐漸移向好萊塢，並發現和培養了許多後來的名演員，如塞納-馬恩省特，M.、璧克馥，M.和吉許，L.姐妹等。
到第一次世界大戰爆發前夕，鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所代替；電影專利公司的壟斷權勢也逐漸消失，終於在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。製片中心也從東海岸移到好萊塢。
第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業，卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地湧入歐洲市場。待到第一次世界大戰結束時，美國電影已經建立起在歐洲的霸權地位。
美國電影風格：
1、個人主義是美國價值觀中的核心組成部分，它重視個人成就、崇拜個人奮斗，講究個人價值最大程度地實現。
美國電影是灌輸個人主義的主要工具，從《蜘蛛俠》、《超人》再到《2012》，「救世主們」一次次讓美國扮演拯救世界的角色，英雄來到地球是「為了美國式的真理和正義」，讓觀眾在不知不覺中認同美國具有拯救並主導世界強權地位的天然能力。
2、美國電影很注重鏡頭和敘述場景的精雕細琢，自由女神像、星條旗、曼哈頓街道都是時常出現的鏡頭。
無論是現代科技製作出來的震撼鏡頭，還是藝術浪漫的日常生活場景的展示，都會激起一部分觀眾對美國的嚮往。
3、美國電影善於將精神內核和商業外殼有機結合，價值觀傾向被包裝在具有強烈視聽效果的表層結構之下。
美國影視產業不僅為美國帶來巨額經濟利益，帶動了美國文化產業的發展，同時推銷了美國的價值理念，營造了一個有利於國家形象傳播的「美國文化群落和文化生態」。