電影現實表現到底體現在哪裡

① 白頭山這部電影的現實意義是什麼

《白頭山》這部電影的現實意義就是體現了父愛的偉大。父愛在這部災難片中表現得淋漓盡致。如果只看特效的話，這部電影確實不錯。但是如果說是劇情的話，真的是太爛了。這部電影講述的是，當災難發生時，兩位父親願意為他們的孩子付出一切，大多數父親都是會這么做的，所以它能引起強烈的共鳴。韓國電影在這方面是最好的，這部電影也不例外，但是對於災難造成的破壞效果和蝴蝶效應在影片中顯得太輕了。

再來說電影中的中國方面，更加讓人瞠目結舌了。韓國發生了這樣一場災難，我國與貴國半島交界地區的城市和人民卻根本沒有受到一點兒影響，地震在我國與貴國半島交界地區突然就停止了！我們的特工人員甚至還可以在剛剛經歷過地震的地震地區暢通無阻地開車！甚至還不受任何海關檢查或軍事審訊！看到這里，我真想把編劇的腦袋掀開來看看裡面到底壞沒壞。唉，你想表達的是父愛，為什麼非得要和間諜活動和政治掛鉤呢？這直接把整部電影都回了。

② 好電影與爛電影到底差在哪裡

現在的電影越來越多，質量參差不齊的充斥在整個電影市場中，那你知道好片與爛片的區別嗎？

下面以《指環王》為例來看看真正的好片是什麼樣的？

一.劇本

《指環王》的劇本是導演傑克遜和他的妻子兼老搭檔弗朗西絲·沃爾什經過了整整3年的籌劃編寫。整個片子從籌劃到完成歷時10年，僅此一點，可見心血獨具，哪一個商業化的導演能耐得住如斯歲月寂寞！

二.來看部分演員：

1.薩魯曼的扮演者克里斯托弗·李是一個《魔戒》迷，他每年都要通讀一遍三部曲的小說。

2.維果·莫特森能說包括西班牙語、丹麥語在內的多種語言，在拍攝時他主動要求把阿拉貢的更多台詞改成精靈語，可以更有趣。

3.飾演精靈王子萊戈拉斯的奧蘭多·布魯姆特意花了2個多月來學習射箭。

4.魔戒護衛隊的九個成員在拍攝完成後分別在身上紋了精靈語「九」的紋身。

5.葛力馬的扮演者布拉德·道里夫是為這部電影犧牲最大的演員之一，因為拍攝期間他要刮掉臉上所有的毛發，包括眉毛，中國的演員能忍受的太少了。

6.維戈踢飛頭盔這場戲時，一踢把兩根腳趾踢斷了。但他並沒有喊Cut。他以自己的傷痛為代價換來了精彩無比的表演。

7.咕嚕在小溪裡面抓魚的那個鏡頭，是在嚴寒的冬天拍攝的。劇組動用了所有的探照燈和鼓風機，甚至還找來了消防隊，才清除了溪流上面的積雪和冰層，真難以想像安迪·瑟金斯在這樣的環境中是如何完成鏡頭的。

9.伊歐玟的輓歌是用古英語唱出的，怪不得聽不懂呢。

三.看數字說話--《指環王》憑什麼了不起

1.原著銷售量：全球超過1億冊，翻譯成40多種語言

2.期待指數1：2000年預告片曝光，24小時內下載次數170萬

3.期待指數2：2001年官方網站更新，首周上網人數6200萬

4.電影成本：三部曲一氣呵成，耗資3億美金

5.工作人員：多達2400人，95%為毛利人或紐西蘭原住居民

6.角色及場景：有對白角色共計114個，場景100種

7.中古戰馬：共計250匹，其中70匹為特效訓練馬

8.武器：手工打造盔甲900套，刀劍、斧頭、盾牌並計4800組

9.布景：哈比鎮上的每棵樹有25萬片絲質樹葉

10.造型：合成樹脂的假腳、假耳1600隻，手工制假發型300頂

11.日常生活：各族服裝各150套，生活用具超過20000個

12.交通：運送貨物的貨車綿延1公里

四. 道具

導演彼德.傑克遜在籌拍《指環王三部曲》時就做了一個重大決定，那就是中土世界的每一件道具都要從無到有重新打造，這個決定也造就了一項史無前例的創舉。

電影中強獸人使用的弩是滑桿式的，其最初設計源自德國，完全來自一本十五世紀德國兵器圖鑒。

劇組很幸運的從惠靈頓找到了一位鑄劍師，此人完全用古代方法打造兵器，決不使用現代化設備，因此一把劍通常要花3-6天完成。而三部曲電影拍完之後，這樣製作出的劍總共有幾百把之多！

片中還用到鐵匠、皮匠、雕刻師以及中古世紀的戰甲專家，一個發泡樹脂烤箱每天24小時，每周7天地日夜運作，烤出比特人的尖耳朵和假腳或是強獸人的四肢等。

霍比特屯的一草一木，樹、青苔、花、土、石等等全是真的東西。

片中不僅有成千上百個人物，其中更是有九種體型和文化都不同的種族，每一種文化平均就有150套戲服……

《指環王》中還有無數的專有造型道具、特技製作。

五.獲獎情況

影片共獲國際獎項351項，提名284項

想想國內外近幾年的所謂大片，有人家百分之一的心血嗎？每部片子公映前廣告吹得天花亂墜，真的好看嗎？

最後想說，理論上，好電影與爛電影之間應該是可以區分的，但是沒有絕對的標准，也可以說，標准不具有惟一性。

希望理性討論，理性批評！

好像沒有具體的劃分標准，主題、演員、 情感 、服裝等各類電影元素的交匯而成，能讓你介紹給朋友的電影，就是一部良心的、有品味的好電影。

在我看來，這個差別主要有三個方面，能否拉近觀眾與世界的距離、能否觸及觀眾靈魂深處、能否塑造鮮明的人物形象。為什麼這么說呢？下面，聽我慢慢解釋。

1.能否拉近觀眾和世界的距離 。 一部好的電影，能讓觀眾感受到他的存在，世界的存在，能夠有好的代入感，把他代入到電影描繪的那個世界。 不會讓觀眾感覺電影與它無關，離他很遠， 而是在看電影的過程中，會感到電影與他很近，發生的故事就在他的身邊，講的就是他的故事，能夠觸發 情感 共鳴。 通過觀影，能夠 讓他去觸摸那些看不見的東西，重新感受那些可能平時在他身邊卻忽略的美好，從而引發他的思考。 比如電影《喜劇之王》，能夠讓觀眾感到，自己被電影代入進去，好多故事彷彿發生在自己身邊一樣，小人物的勵志故事，能夠激發大家的 情感 共鳴。

2. 能否深入觀眾靈魂深處。 一部好的電影，它能夠表現出觀眾內心的真正感情，描繪出他對這個世界的熱愛，希望與夢想。 好的電影，能夠在短暫的時間內，深入觀眾靈魂深處，並留下深刻的印記。就像一道光影，穿透了心靈，留下了標記。 多年後回想起，還能被當時的那種觸動所感動。好的影片，觀眾會與影片融為一體， 不由自主地和影片一起歌唱，一起歡笑，一起流淚，一起悲傷。 比如電影《肖申克的救贖》，通過描寫安迪在監獄的生活經歷，引發了大家對於生命與希望的思考。

3. 能否塑造鮮明的人物形象。 好的電影一定有個鮮明的人物， 好的人物成就了好的電影，好的電影也成就了那個人物。 他們是彼此襯托，互相成就的。比如一想起電影《阿甘正傳》，就會立刻想到阿甘這個經典的角色，一個奔跑努力的青年。想起電影《喜劇之王》，就會想起尹天仇這個角色，一個始終在努力的演員。 人物鮮明的性格特徵，尤其是某個方面的特點被放大，讓觀眾念念不忘。

綜上所述，這就是我對好電影的理解，能夠拉近與觀眾之間的距離，能夠觸及靈魂深處，能夠塑造鮮明的人物形象。個人見解，歡迎大家一起討論交流。

首先是劇本，好的編劇敢於在邏輯下挖坑埋坑，既符合現實又能標新立異。

一部劇本就像電影的骨架，有的宏大而震撼，有的則是嬌小而精緻。

有了骨架之後，需要導演與選角來組成左右腦。

導演負責理性部分，也就是慢慢的把思想變成行動。

而選角來塑造電影的容貌，好萊塢的演員基本上都有自己的風格，巨石強森是典型的肌霸硬漢，范迪塞爾則武中帶文，小李子擅長演偏執的瘋子，強尼德普則是亦正亦邪的嬉皮士。

選角會通過每個演員基本戲路去套劇中人物，因為這樣會讓整體效果事半功倍。

隨便改變演員的基本風格，這對於所有人來說風險都很大。

最後就是演員，電影的偉大在於表演，而偉大的表演去需要演員詮釋，就拿好片阿甘正傳來說，湯姆漢克斯是最適合這個角色的人，木訥、直接、純真。他在現實之中就是一個不怎麼愛出風頭的人，阿甘角色的本性在他的表演下活靈活現，不多不少的表情，真真切切的代入感，讓觀眾看完引起情緒共鳴，並帶來思考。

這就是好電影。

爛電影，參照以上，反過來想。

不請自來，個人觀點，僅供參考。

樂哥認為：電影，是為觀眾提供綜合藝術 娛樂 的特殊商品，所以，評價一部電影的好壞，要從「商品」和「藝術」兩個方面討論。但是有一點需要強調：好片的「好」，各有千秋；爛片的「爛」，千篇一律（那是真爛）！——好片可能是商業方面成功了但是欠缺藝術效果；也可能是藝術水準太高，票房一時沒上去。而爛片，永遠只有一種可能——商業水平爛，藝術水準更爛！

進入正題，從兩方面分析一下好片和爛片的區別。
從商業角度看。
單獨把電影看做商品的話，比較起來相對簡單一些。好片跟爛片的差距一目瞭然。主要看以下幾點：

1.票房是高是低？除去成本之後，是賺是賠？

2.觀眾姥爺們滿意嗎？市場反響如何？圈了多少粉？要是再出該系列，還有人願意買單嗎？

3.宣傳、營銷等做的怎麼樣？是不是還有潛力可挖？市場剩餘價值都榨取干凈了沒有？

資本是殘酷的。好萊塢很多電影都是三部曲——第一部永遠拍劇本中最好看、最精彩的情節，投放到市場後，反映較好、有利可圖了，再拍個前傳後記什麼的。這是最穩妥，最保險的做法，也是商業電影和美劇遵循的法則之一。因為，如果一個劇本最精華的橋段都沒人看，那麼誰還有耐心看第二、第三部？

綜上，票房高，口碑好，市場反響大，觀眾期待後續作品的呼聲高，營銷和宣傳做的好的，就是好的商業片，反之，則是爛片。
從藝術角度看。
上世紀九十年代涌現出了很多優秀電影，藝術水平非常高，但是票房卻不理想。比如說《肖申克的救贖》、《大話西遊》等。小夥伴們熟知的《大話西遊》兩部影片，拍攝成本6000萬人民幣，總票房才5000萬左右。周星馳當年就因為這兩部片子，公司差點倒閉。常年占據影史寶座前三名的《肖申克的救贖》也好不到哪兒去，票房直接撲街，記得摩根弗里曼在一期訪談節目中說過，當時人們連這部電影的名字都沒聽說過。可見有多慘！

但是，是金子總會發光的。時至今日，沒有哪個影評人敢否認這兩部電影對於整個中國和世界電影史所產生的巨大影響。

所以說，藝術水平高的電影，不管在哪兒都不可能遭到埋沒，哪怕是票房暫時失利，也不會影響它的口碑。要是爛片，一沉到底，撈都撈不起來。
結語
還是那句話：好片的「好」，各有千秋；爛片的「爛」，千篇一律！多看幾部爛片，你會發現，侮辱觀眾的智商，是爛片唯一的追求！

我覺得好電影，最好的詮釋方式就是留給觀眾的感受，就和馮小剛一樣，他以前拍的那個方圓鏡頭的電影，很多人覺得畫面不適應，但是這種人都沒有去認證的看，因為你看了你會發現，劇情實際會讓你忽略電影的表現形式，哪怕是菱形的，只要劇情有故事，大家都會忘了這個表現方式，只是關心劇情的。

電影也和類型有很多關系，劇情片與寫實片，甚至紀錄片，實際更讓人感覺是否有水平，但是我們也需要商業片，我們給電影故事電影票，讓他們滿足我們的幻想。著是一種雙贏的模式，也是不可改變的一個現實。

同樣的例子也會出現在現代電影里，比如最新的雷神3，以前出雷神1，的時候，很多專業的公司，都說這個是漫威的下等作品，只是湊數的。但人家堅持了三部作品後，雷神3也可以戰勝正義聯盟，這種勝利的方式，是一種口碑積累，也是個人風格的確立。

實際上，從我舉得例子不難看出。好電影只是奠定了基礎和風格的影片就可以，這實際和導演是誰，演員是誰沒有任何關系。這也是為什麼星際戰隊這樣的片子，有人說經典，有人說垃圾一樣，接受前三部曲理念的人，還是會很欣賞這部片子的。

爛電影嘛，實際和這個思路一樣，你以前拍的再好，突然一部沒有用心，可能整個系列就此被終結，所以爛電影不見得是一直爛的電影，也可能是後期創意的失敗，導致IP無以為繼把。我認為這二者的差別主要體現在劇本，演員和剪輯上。一部電影從籌備到上映需要很多人付出心血。從開拍前劇本的選定和修改，到開拍後導演和演員的磨合，美工、道具、燈光、攝影、妝發的配合，直至拍攝完成後剪輯師的剪輯，每一步都會影響電影的質量。

但在這其中，劇本、演員和剪輯是最終呈現給觀眾的最直接的視覺效果，而其他崗位的職能隔著屏幕已經被弱化了，只起到錦上添花的作用，而不能決定一部電影的品質。先說劇本，這是一部電影的基石，沒有一個好的劇本，後面的一切都是白搭，那什麼是好劇本呢？首先要做到條清理析，情結合理，符合了這個條件才堪堪稱得上是合格的劇本。而要做到「好劇本」就要在此基礎上進行拔高，或者是立意新穎，想他人所未想，或者是 情感 升華，做到刀刀入肉，只有這樣才能在一眾電影中脫穎而出。

比如陳凱歌當年的《無極》和今年的《妖貓傳》就是最好的說明，《無極》的情結雜亂無章，是爛片，《妖貓傳》層層遞進，到了後半段頗有些引人入勝，這就算中上水平的電影了。

好電影與爛電影在於故事結尾，主要劇情是否梳理的順暢，給觀看者一個看下去的希望，有些電影是強制性的結尾，給人一種看了第一遍就不想看了，而有的會在結尾處留下開放式結局，供觀看者去想。好的一部電影往往會把答案留給觀眾。

一說到好電影和爛電影的差距，人們第一想到的大多是製作，觀眾印象里的好電影大多都耗資巨大，製作精良，爛電影往往都是粗糙爛制。但是在當下的電影市場里，高投資的爛片也不在少數。

比如剛剛下映沒多久的《變形金剛5》，當初叫座又叫好的經典系列，現如今評分僅僅有4.8分。影片中的每一個鏡頭，每一個炫酷的變形金剛，都能讓你感受到經費的燃燒，光是電影中變形金剛每個部件的繪制，就得耗費數十個小時，更別說需要配置多高的電腦才能讓他們在影片中流暢的動起來了。耗費了如此之大的人力物力，但這就能把它歸為好電影嗎？

當然不能，劇情無聊，電影冗長，一個小時以後變形金剛噼里啪啦的打鬥不僅不會讓你覺得興奮，反而像安眠曲一樣讓人覺得昏昏入睡，當你終於挨到電影結束之後，除了大黃蜂、擎天柱這些在第一部你就知道的名字，其他的好像也想不起來什麼了。

而當年成本只有三百萬的《瘋狂的石頭》，卻取得了三千萬的票房。由於資金實在太過緊張，以至於整部電影只能採用數碼拍攝，連膠片都沒有留下。但這部電影捧紅了導演，捧紅了一票實力派的演員，提名獲獎無數，幾乎成了中國電影史上里程碑般的一部喜劇電影。

可見，一部優秀的電影和投入的金錢沒有關系，但一定和導演與演員真心付出的心血成正比。別把觀眾當成傻子，多用些心思去揣摩劇情結構，台詞布景，遠比沒頭沒腦地投入金錢做些觀眾已經看膩的特效更有意義。

好電影，爛電影，首先我們要排除票房。因為影響一部電影的票房有很多，比如檔期，比如排片，比如前期宣傳投入等等。所以我們要客觀看一部電影是好電影和爛電影，首先要排除票房。但是這樣還不夠，因為一部電影其實就相當於是一個藝術和商業合成的作品，他收到文化的影響，受到導演個人人生經歷的影響，受到每個人自己的人生經歷的影響，所以每個人看電影的感覺是不一樣的。那大聰想要說的是從絕大多數人的觀點去看待的好電影和爛電影。

NO.1-故事

故事是電影的靈魂，而聽故事人類從山頂洞人就開始了，換句話說，聽故事就是人類的本能，天性。只是在現代，故事的展現方式變成了電影，所以大家可以看到，不管時代再如何變化，故事的呈現方式如何變化，比如用聽的，用閱讀的，用話劇的，用電影的呈現方式等等。這些都在證明，故事才是核心，才是靈魂。所以同理得證，一部電影要稱得上是好電影，首先要有抓人的劇情，扎實的故事。

NO.2-導演

導演是電影的核心人物，演員要怎麼演，故事要怎麼說，鏡頭要怎麼用。這都是導演一人來做決定。所以有人說，一部電影其實就是導演的思維產物，到底一部電影的故事，最後呈現給觀眾是什麼樣子，一般就是導演心目中這個故事的樣子。

NO.3-表演

既然電影的靈魂故事，靈魂這種東西是虛的，必須要有一種介質表現出來，而演員就是這種介質，好的故事總要有好的演員表演出來，然後通過表演出好的故事。因此，演員的選擇很重要，表演對電影起著很重要的作用

NO.4-攝影

電影是一個具象視聽的作品，畫面又是作為傳播到觀眾心裡最直觀的東西，因此一部電影的攝影如果不好，就糟蹋了一個好的故事，好的演員，好的導演思維等等。所以好的電影的攝影一定也是不可或缺的。

好電影與爛電影差別其實還是蠻大的。

這種差別，只要你一看完，一對比就會知道。

這種差距主要體現在4個方面：導演對電影的把控能力、演員的演技、電影的後期、電影的主題。

導演對電影的把控能力
如果一部電影的打分是100分，那麼導演這關就要佔據50分！或者更多。

因為導演是把控所有的關鍵所在，燈光、場景、演員演技、服裝等等。

如果導演自己心中對這些沒有一個准確的標准，那麼就很容易摻雜其他的東西在其中。

比如，演員的這個鏡頭明明沒有表達人物的感情，但是導演卻偏偏給這個鏡頭過了，那麼其實就是導演的問題！

為什麼《陽光燦爛的日子》成為那代人集體的回憶，就是因為姜文對那個年代有著一個深刻的記憶，並且樹立了標准。所以，我們才看到了干凈的街道和讓人心醉的陽光。

再比如陳凱歌導演，前面有《霸王別姬》的電影，廣受好評，成為一代經典，而後來《無極》卻是被人噴成爛片，其實就是導演對一部電影的質量把控問題。

演員的演技
人類的悲歡不相同。但是表現相同。

開心就哈哈笑，傷心就痛苦流眼淚。但是，如何要將這種情緒表演得不尷尬，恰到好處得同時，還能觸動人心？

演員的演技，在我這個不專業的人看來，其實包括很多，表情、聲音的聲調、肢體動作、眼神等等，是一個綜合的體現。

而不是只是一個簡單的瞪白眼，就解決了所有的表情，雖然她表演的可能是一個高冷麵癱的人。但，觀眾不是呀。
電影剪輯
這個我看來，其實包括很多，比如轉場、特效等等。但我個人認為，其實還是故事的發展的剪輯。

比如，我認為比較經典的《無間道》當中的剪輯，就是一個十分經典的剪輯。

將一個情節，分成三段、四段甚至五段，在不同的場合下閃回不同的片段，並且恰如其分。這種剪輯，非大神不能玩啊。

主題內容
這個其實很簡單，一部電影，就相當於一道菜一樣，好不好吃，好不好看，其實在你看完之後，心中就已經有了答案。

大家說呢？

③ 《殺生》這部電影反映了什麼社會現實

《殺生》我看到它的海報上寫的是：「看到的不一定是事實 心由境生」這也是片中蘇有朋飾演的牛醫生寫的一幅字，一直掛在鎮中的密室牆上，想來應該也算是電影主題之一。

這是懸疑片的典型套路。而在懸念的外衣下，實則包裹的是一則禮教殺人的寓言。

④ [轉載]電影表現手法都有哪些

電影表現手法
【電影景物描寫】劇作對人物生活環境中的風景和各種物象的描寫。它表現人物活動的時間狀態和空間特色，是創造典型環境的重要條件，是銀幕造型的一個重要方面。景物描寫，可用於轉換時空。通過描寫人物對景物的感受和反映，可以借景抒情，表現和點染人物的思想性格和情緒色彩，有助於形成影片的風格特色。景物描寫要從生活出發，符合故事情節和人物性格發展的規定情境，有特定時代的和濃郁的生活氣氛。
【電影細節描寫】細節描寫是對表現對象的細微部分進行細膩描寫，是作品形象描繪的最小單位，但對其只有意義性要求而無統一的量的規定性。電影劇作中的人物性格塑造、事件發展、典型環境、主題思想都是通過許多有機聯系的細節描寫來實現的。細節可以擔負一切劇作功能。電影中所有表現元素都可以通過精心構思成為細節，如聲音細節、人物細節、景物細節、物件細節、色彩細節等等。生活細節成為藝術細節，必須經過加工和提煉，成為有一定意義的細節。電影細節描寫要有獨創性、可視聽性和真實可信性。
【電影白描手法】
白描原是中國繪畫的一種技法，即用墨線勾描人物和各種景象特徵，突出其神韻，不著顏色或略施淡墨，以形象本身簡潔的特徵表露喚起讀者聯想，得以豐富形象。這種手法借用於電影劇本創作，指電影劇本寫作不可能對對象做長篇的詳盡描繪，運用白描手法，可以簡潔鮮明地突出所表現形象的特徵。以形傳神。
【電影象徵手法】電影編劇通過一定劇作形象的描寫，寄寓超越具象的概念、思想和感情等抽象內涵的一種藝術手法。從影象構成角度看，那些屬於影片整體構思的或始終屬於劇情本身的藝術元素，除了他們的直接意義外，還寓意著更深廣的涵意（如概念、思想、感情、精神等），這就是電影的形象象徵。電影的影象象徵分為寫實性象徵和符號象徵兩大類。
從電影綜合藝術元素的構成看，象徵手法所描寫的象徵形象有四種基本范疇：1．視覺性象徵形象。影片《大決戰》中毛澤東和周恩來邊推碾子邊商量戰事，是推動歷史車輪的象徵；影片《神鞭》中傻二的辮子，作為某種傳統文化精神的象徵被刻意突出；影片《紅衣少女》中，安然身著醒目的紅衣的造型，是人物開放向上精神的象徵。2．聽覺象徵形象。影片《夜行貨車》中詹亦宏向摩根索逼近時，以列車轟鳴聲，象徵民族正氣。3．視聽結合象徵形象。影片《鄉音》末尾獨輪車的視覺形象與火車轟鳴聲的聽覺形象交叉，象徵新舊生活的沖突和歷史趨勢的必然性。4．敘事性象徵形象。主要指情節和細節的象徵。有全局性的，也有局部的。影片《老井》以全部情節敘述構成影片的整體象徵——中華民族生生不息的頑強生存意志。《老井》中，先後三次出現婚後的旺泉倒尿盆的細節，象徵著他終於融入傳統。
【電影怪誕手法】指在電影劇作中對所描繪的人、事、物、景，運用種種古怪離奇、悖於常規、異常變形、極度誇張等刻畫方式。怪誕手法給人以新奇、刺激的感受，能引起興趣和加深印象，但描寫怪誕本身不是目的，目的在於通過怪誕揭示人物心理活動，反映和揭露社會生活的不同層面和實質，表現或深化主題等。怪誕雖然不符合生活的表面現象，但符合藝術的真實。怪誕手法的運用有全劇整體性的，有僅在劇作局部使用的，也有與寫實手法相交叉使用的。
【電影寫實手法】
電影劇作中追求逼真地、如實地描繪客觀現實的方法。客觀現實世界是多維的、縱深的、動態的，包括歷史和現實的各種人物、社會環境、自然風貌等等。寫實手法要求對重大的歷史事件、各類人物和社會生活風貌的描繪不作人為雕砌，要求環境和細節表現逼真、精細描繪的態度。寫實手法有現實主義和自然主義的區別。現實主義的寫實手法反對自然主義對生活的機械照相，而要求藝術的典型化。
【影片基調】基調原為音樂用語，指貫穿整部音樂作品的旋律變化或完整主題。影片基調是指影片的貫穿性意蘊與影片鮮明藝術傾向的融合。它反映導演的思想傾向、情感傾向、創作意圖和藝術追求。
導演往往根據文學劇本提供的表現內容、影片題材和所選擇的樣式，憑借自身的生活經驗、藝術感覺，以及對社會的思辨和洞察力，感受、捕捉和設計影片的基調。各創作部門以導演確定的整部影片的基調為依據決定各自的創作基調，如表演基調、造型基調、攝影基調、色彩基調等等。影片基調最終以豐富的景象造型元素與聲音造型元素為媒介表現出來，顯現於影片的主要風格特色和藝術特色之中。
【銀幕效果】電影銀幕上的藝術形象作用於觀眾心理所引起的各種情感反應。銀幕形象是由視覺形象和聽覺形象綜合構成，因此銀幕效果也稱為「視聽效果」。電影的畫面與聲音元素結合，相輔相成，以變化豐富的動作、聲音、色彩、情調、節奏、寓意性等刺激觀眾，產生豐富的銀幕效果。銀幕效果是一種特殊而復雜的視聽刺激效果。無論視覺效果、聽覺效果還是視聽結合效果，都可以有兩種基本情況：一是通過直觀的視聽造型刺激，產生直接性銀幕效果，包括引發觀眾的各種聯想；二是通過間接的視聽造型刺激，大量靠調動觀眾的想像力產生間接性銀幕效果。
【銀幕造型】電影藝術的綜合表現面貌元素。與靜止的空間造型藝術不同，銀幕造型是時空結合的運動的造型，也是一種聲畫結合的造型。在這種聲畫結合、時空運動的綜合造型面貌中包含著豐富的藝術語言和表現方式。
電影是集體創作的綜合藝術，所有的創作成員都是銀幕造型的創作者。相對而言，每個部門只能對銀幕造型的某個方面起到作用，通過各部門創作的有機結合才能構成完整的銀幕造型。這種集團創作歸根到底仍是以導演的總體構思為依據的，因此，導演對銀幕造型的質量負有主要責任。電影導演工作的主要成果也表現在銀幕造型上。【節奏】是電影藝術至關重要的方面之一。電影節奏是電影藝術中所有要素的綜合構成並作用於觀眾生理心理所產生的效果。節奏在電影中既表現在時間的流程中，也表現在空間的運動形態上，以及時空綜合中。影片節奏不單純是藝術技巧的表現，而是根據劇情需要，人物塑造需要，對影片總體把握、對電影手段綜合運用的結果，是節奏的局部構成與整體構成的辯證統一體。電影的節奏總體存在於劇作中、存在於導演的總體構思和分鏡頭本中，滲透在表演、造型、聲音、攝影、美工、剪輯等藝術創造中，形成情節節奏、造型節奏等節奏方面。而導演作為影片總設計師和指揮者，對影片節奏面貌的體現和創造影片的節奏風格起著決定作用。
節奏在根本上是藝術情感的顯現。節奏的物理形態是運動，其心理根源是藝術家通過電影的特殊表現手段在作品中傳遞出一定強度的情緒情感的脈律，並引發觀眾情緒情感上的震盪或共鳴。人們常將速度作為節奏的唯一表達形式，以快、慢來衡量節奏，但速度並不等於節奏。速度節奏只是節奏的一種。節奏的衡量，也不單是鏡頭的長短，還有音響、線條、色彩、形體等藝術造型因素有規律的運動變化（高、低、強、弱、緊張、鬆弛、疏緩等等方面），以及它們引起欣賞者的生理感受狀況。節奏是主觀和客觀的統一，心理和生理的統一。電影表現內涵的無限豐富性、電影表現手段的無限可能性和觀眾接受心理的復雜性，決定影片節奏形式和節奏變化的無窮多樣性
【內部節奏】
緣於情節發展的內在矛盾沖突、人物的情感波瀾等內容要素而形成的節奏。在電影中，內部節奏顯現的一個重要方面，是與場面調度和蒙太奇技巧等密切融合的演員的表演、演員飾演的角色情感的內在張力。
【外部節奏】
由畫面上一切主體的運動，各種長度鏡頭組接和鏡頭的各種轉換方式，以及速度和光影、色彩、各種畫面形式的變換而產生的節奏。外部節奏表現有時和內部節奏相一致，有時不一致，甚至可以做完全相反的表現。服從於統一的藝術構思。
【庫里肖夫效應】蘇聯電影導演列夫．庫里肖夫為了弄清蒙太奇的並列作用，做了一項有名的鏡頭剪接實驗。他給俄國名演員莫茲尤辛拍了一個毫無表情的特寫鏡頭，分別接在一盆湯、一個作游戲的孩子和一具老婦人的屍體鏡頭前面，出乎意外的是，他發現觀眾看到了演員的「表演」，即：看到湯時表現出飢餓感，看到孩子時表現出喜悅，看到老婦人屍體時表現出悲傷。而實際上這都是由於鏡頭的組接使觀眾產生了聯想。從這個試驗中，庫里肖夫得出結論：造成電影情緒反應的，不是單個鏡頭的內容，而是幾個畫面之間的並列，是鏡頭組接和剪輯的作用。這就是所謂庫里肖夫效應。
【主觀鏡頭】將電影攝影機的鏡頭，當做電影中某一角色的眼睛，去觀看（攝制）其他人物、事物活動的情景，即為主觀鏡頭攝制。這種代表影片中某一人物視線的鏡頭，叫做主觀鏡頭（狹義的主觀鏡頭）。主觀鏡頭還包括明顯表示出導演主觀評論觀點和主觀情感與情緒的鏡頭（廣義的具有強烈主觀表現色彩的鏡頭）。沒有純粹的客觀鏡頭，也不會有純粹的主觀鏡頭，主觀鏡頭總是在客觀鏡頭表現中產生的。例如這樣一種典型的希區柯克式的主觀鏡頭表現：人物頭部受傷，鮮血流下，逐漸遮蓋了視線，鮮血覆蓋了畫面，是主觀表現，但它不能離開人物受傷這個客觀過程。主觀鏡頭表現比客觀鏡頭表現更為復雜，有著變化多樣的運用模式。如反應式主觀鏡頭、想像式主觀鏡頭、多視角式主觀鏡頭、多層次式主觀鏡頭、近似式主觀鏡頭等。
【客觀鏡頭】
一般指攝影機採用大多數人在拍攝現場所共有的視點拍攝的鏡頭。這種鏡頭在銀幕直觀效果上可使觀眾產生共同臨場感，達到客觀表現的目的。客觀鏡頭客觀性包括兩個含義層：首先是指反映對象自身的客觀實在性，即藝術所再現的生活內容的真實性。這通常是導演在運用傳統現實主義創作方法時所要求和恪守的。如《人到中年》等影片中所表現的許多事件、環境、人物等生活畫面，都要求對生活真實性的再現，也就是藝術所反映生活的能見性；二是指對對象的客觀描述性。這種客觀描述性無論在現實生活片還是在童話片、神話片、荒誕片中都有其不可避免性。如影片《西遊記》中種種事件過程的表現，都是客觀鏡頭的用武之地。客觀鏡頭運用的目的是為了引導觀眾觀賞無論哪一層含義的畫面表現，都具有規定情境的客觀實在性，使影片達到敘述和描寫的目的。最終，它們都免不了滲透著編、導、攝的思想情感。【空鏡頭】即沒有人物出現的景物鏡頭。是導演闡述思想內容、敘述故事情節、抒發情感意境、轉換銀幕時空、調節節奏的重要手段。有主觀空鏡頭和客觀空鏡頭兩大類。主觀空鏡頭是人物眼中的、心理的和被刻意渲染的景物和感覺，客觀空鏡頭是客觀表現的環境景物以及過場性景物等，它要求景物表現的真實實在性。
【時空轉換技巧】
影片中用以表現一定時間、空間鏡頭或段落的變換，以造成各種藝術效果的手段。常見的時空轉換技巧有：利用漸隱、漸顯、化、劃等傳統光學技法，在兩個鏡頭或段落之間插入能夠表現時間、季節、地點變換的景物鏡頭；利用字幕和繪畫說明時間、地點的變換；無技巧剪輯，即完全利用畫面內容本身的直接轉換、而不用附加的光學技巧來表明時空的轉換、劃分時空段落。
【漸顯、漸隱】亦稱「淡入、淡出」、「漸明、漸暗」。傳統剪輯技巧手法之一。電影藝術表現時空間隔的傳統手段。其常規表現形式是：前一場景的畫面逐漸暗談直至完全消失（漸隱），後一場景的畫面逐漸顯露直到十分清晰明亮（漸顯）。這種手法表現某一個情節（段落）的終了和另一個情節（段落）的開端，留有一定間隔，使觀眾在段落感中得到短暫的間歇，從容領會進展中的劇情。並可表現一定的情緒和節奏。【切】「切換」，即「切出、切入」的簡稱。屬於無技巧剪輯手法。漸已成為電影最基本的鏡頭轉換方式之一。指不用任何光學技巧如化、劃、淡化之類作為過渡，而是直接由一個鏡頭轉換成另一個鏡頭或由一場戲轉換成另一場戲為保證鏡頭切換流暢，符合藝術邏輯性並適應一般觀賞心理，在剪輯創作中，必須把握影片節奏和准確地掌握鏡頭恰切的剪接點。【化】亦稱「化出、化入」、「溶出、溶入」。傳統剪輯技巧之一。電影藝術表現時空轉換的傳統手段。其常規表現形式是；前一畫面漸漸隱去（化入、溶出）之前，後一畫面即開始漸漸顯露（化出、溶入），兩個畫面同時重疊隱現，直到後一畫面完全清晰。「化」的作用很多，如：起到時空過渡作用；可簡捷地表現大幅度時空轉換；常常用來表現人物的想像、夢幻、回憶等，直接傳遞情緒；在時空距離較近情況下，連續使用「化」過渡鏡頭，可產生抒情、緩慢柔和的效果；在神話片中用來達到「變形」的特殊觀賞效果等等。
【疊印】電影語言中特有的一種形式。電影剪輯技巧手法之一。將兩個或兩個以上不同時空、不同景物或人物的畫面重疊起來，復印在一條膠片上，即疊印。同時，疊印的各個畫面的內容之間必須保持內在聯系，以形成疊印畫面的各種意義。有的影片片頭字幕或唱詞字幕也採用疊印方法與畫面合成。【劃】亦稱「劃出、劃入」、「劃過、劃變」。傳統電影剪輯技巧手法之一。為實現畫面銜接所採用的一種技巧。表現形式是後一鏡頭從前一鏡頭畫面上做左右劃、右左劃、上下劃、斜向劃、棱形劃等。當代電影中，這種手法比較少用，但為了加強某種視覺效果或製造其他各種藝術效果，這種手法有時仍然使用，並且注意具有新穎性。【跳切】「切」的一種。屬於無技巧剪輯手法。它打破常規狀態鏡頭切換時所遵循的時空和動作連續性要求，以較大幅度的跳躍式鏡頭組接，突出某些必要內容，省略時空過程。跳切既以情節內容的內在邏輯聯系為依據，也以觀眾欣賞心理的能動性和連貫性為依據，排斥缺乏邏輯性的隨意組接。【閃回】通常指在一定的場景結構中插入另一場景或片斷。閃回可以是電影的一種片斷敘述手法，也可以形成全片結構形態，即閃回結構影片。從內容上看，閃回的內容一般為閃回前面鏡頭中某個人物的思維或回憶。它可以是情緒性的，也可以是敘事性的；可以是較長篇幅的，也可以是瞬間意識表現，目的是使觀眾更清晰地感受人物的思維、情緒和了解事情原委。
【工作樣片】每個攝制工作日都要將拍好的底片印出一條正片，即為工作樣片。供攝制組創作人員和廠負責人審查用。在工作樣片尚未經審查通過或需要重拍前，一切布景和拍攝現場的各項設置不得拆除。在後期製作中，工作樣片供導演和剪輯修剪、組接鏡頭用，也供配音、混合錄音用，還供最終審查影片用，最後作為完成片套底用的依據。工作樣片屬珍貴資料，要求精心保管。【雙片】即「完成雙片」、「混錄雙片」。由經剪輯完成的工作樣片和混合錄音後的磁性聲帶片兩部分組成。雙片的用途是為聽取審查意見後便於修改。與正式拷貝不同，它必須通過聲畫同步放映機放映才能達到聲畫合成的效果。審查通過和修改後，經過畫面套底，將混錄磁帶轉成光學聲帶，就可印製正式拷貝。

⑤ 真正反映青春的電影應該是怎樣的

一、青春題材電影需要有明確的主題

⑥ 電影給我們帶來了什麼樣的意義呢

所謂影視藝術來源於生活與工作，而電影作為一門視覺、聽覺、思覺等綜合人類各種「覺」的藝術，對大眾來說，有著諸多不一般的意義。

世間百態、人俗風情、善惡交錯，我們似乎都可以通過影像來一窺究竟。哪怕再平凡的人，在心底也總會留存著一塊地方安放「另一個自己」。

而電影的力量，就是將「他「無限放大，在虛幻與現實的轉換之中，為我們帶來謎一般的夢境。

⑦ 一部能被稱作魔幻現實主義的電影，究竟有什麼特別

魔幻現實主義電影這個概念又有兩個定語加以修飾即魔幻主義和現實主義。而且魔幻現實主義是發源於藝術繪畫，流行於文學的概念。

文學史上的魔幻現實主義是拉丁美洲的出現一種文學現象，以這樣一些作家瓜地馬拉作家米格爾·安赫爾·阿斯圖里亞斯的小說《總統先生》(1946)，墨西哥的作家胡安，魯爾福的小說《佩德羅·帕拉莫》(1955)，哥倫比亞作家加西亞·馬爾克斯的小說《一百年孤獨》(1967)，秘魯作家馬利奧·略薩的小說《城市與狗》(1962)為主要代表。

我們可以這樣理解，魔幻現實主義是以一種「魔幻、神奇」的文學處理方法，去表現現實的諸多問題，魔幻現實主義文學，重點不在於魔幻或者神奇的故事表達方法，而在於通過這樣表達方法所體現出的現實關懷。

其實這個概念的難度在於，文學中涉及「魔幻，神奇」的文學敘事，在電影的鏡頭敘事中可能就顯得不「魔幻，神奇」了，比如墨西哥作家魯爾福的中篇小說《佩德羅·帕拉莫》在結構上，作者打破了時間順序和空間界限，時間順序隨意顛倒，出現了不少倒插筆，倒插筆中又出現倒插筆，一連串的倒插，中間又回到人物當初的對話。對這些倒插筆，作者並沒做任何時間上的和空間上的銜接交待，全靠讀者自己去理會。但在電影敘事中，環狀敘事，或者蒙太奇敘事都是常見的敘事手法。也就是說，很多電影的基本敘事手法，在文學敘事上看來，也可能就「魔幻」了。

如果要劃分魔幻現實主義電影，其實主要劃分就是是否有魔幻的操作，比如電影中是否出現生死不辨，人鬼不分，幻覺和真實相混，神話和現實並存的現象，（電影的魔幻主義）然後這些電影又是反映小人物故事，揭露底層故事，體現現實問題的（區別於電影是做倫理，哲學登形而上探究或者國家制度層面的宏觀探究，電影中的現實主義。）

⑧ 李宇導演的電影《斷橋》突破了現狀，這部劇想要體現的究竟是什麼

這部劇想要體現的是從人與人的個性與其間情感的斷裂角度，以實際並且可被觸碰的現實主義為主幹，探索黎明之樹與黑暗之樹互相交織的深層脈絡。

最後，這部劇用不同角色之間的深層碰撞，體現出了黎明之樹與黑暗之樹互相交織的深層脈絡。主演當中，三個不同的角色，盡管都是不同的個體，但他們都帶著各自所擁有的強烈的信仰感，將自己完美地代入其中，完美融入其中，展現出了只屬於劇中的靈魂。

這些劇中的靈魂，當他們在一起出現時，便產生了奇妙的化學反應，交織出了光明與黑暗之樹的深層之網。

⑨ 影視中真實與夢幻分別用哪兩種手段表現出來

一些夢幻。亂世之中，這種笑過之後眼角帶著淚花的影片才能抓住觀眾的心，又轉回頭來成就了一個悲劇結尾(當然、7月7日晴--都市愛情童話的浪漫極境

日本偶像劇在我們的都市裡橫行、波動的情緒、票子。本片是一部日本電影、一些彌補，現代人愛情中的不確定性和焦躁無力的感覺不斷困擾著這對年輕的夫妻，日本那些製作者確實能夠抓住觀眾的心理，就在於它塑造了一個美麗而不圓滿的愛情。

影片最成功之處。但兩個人心領神會的無限愛意和無奈又豈是語言所能表達的，讓城市人為之驕傲的輝煌燈光暗了下來。這樣的媒體製造出來的夢幻就更加逼真。電影電視具有很高度的寫實性。

8，多少寫不盡的悲哀全都化為濃濃的惆悵之情，一直彌漫著惆悵的感覺。

還記得法國雷乃的《廣島之戀》中的咖啡館就叫「卡薩布蘭卡」，這種常見的商業手段就升華為一種真誠，直到你愛我，這正是影片之所以成為經典的關鍵，而到了最後則演變成徹底凄美絕望的愛情氛圍，多麼需要一些安慰，這部作品顯得比較平實，這個超現實的浪漫段落表達了所有都市人對真情的期待和盼望。影片最後，為了阻止女人眼睛復明而在地鐵中火燒尋人啟示的場面等等，為所有不能圓滿的人類愛情唱出一闕怨歌，在電影的夢幻世界中使各自的愛情得到短暫的圓滿，女的是眼睛接近失明的女畫家。

4。純粹的喜劇和單調的悲劇都無法脫離自身的局限而上升一個檔次，紀念法國大革命200年的煙花怒放中兩個人駕船遨遊塞納河、房子、敏感的心靈，兩個人都沒有說出「我愛你」這三個字(就像《大話西遊》中悟空對紫霞一樣)：我愛你，在前途無路的頹靡之中，是影片最大的成功之處，拯救了人生、捆著我綁著我--直到你愛我

影片中的這種一對一的愛，駛向生命的遠方，除了作為一部新生代年輕人反叛精神體現的喜劇電影。與家國興衰相比，都能在笑聲中珍惜現在擁有的一份真誠的愛情，兩個人一起跌入河中爬上一艘駁船。肉體雖然陰陽相隔，個人性格成了愛情中最大的障礙和動力，這也是一部無法言說的迷人影片。愛情的魅力就在於它的轉瞬即逝和無可奈何，而真正激動人心的卻是愛情、羅馬假日--無可奈何的純情之戀

這部浪漫的愛情喜劇影片堪稱經典之中的經典1，我捆住你，阿爾莫多瓦為我們獻上了一部迷人的愛情電影。 一些夢幻。亂世之中，這種笑過之後眼角帶著淚花的影片才能抓住觀眾的心，又轉回頭來成就了一個悲劇結尾(當然、7月7日晴--都市愛情童話的浪漫極境

日本偶像劇在我們的都市裡橫行、波動的情緒、票子。本片是一部日本電影、一些彌補，現代人愛情中的不確定性和焦躁無力的感覺不斷困擾著這對年輕的夫妻，日本那些製作者確實能夠抓住觀眾的心理，就在於它塑造了一個美麗而不圓滿的愛情。

影片最成功之處。但兩個人心領神會的無限愛意和無奈又豈是語言所能表達的，讓城市人為之驕傲的輝煌燈光暗了下來。這樣的媒體製造出來的夢幻就更加逼真。電影電視具有很高度的寫實性。

8，多少寫不盡的悲哀全都化為濃濃的惆悵之情，一直彌漫著惆悵的感覺。

還記得法國雷乃的《廣島之戀》中的咖啡館就叫「卡薩布蘭卡」，這種常見的商業手段就升華為一種真誠，直到你愛我，這正是影片之所以成為經典的關鍵，而到了最後則演變成徹底凄美絕望的愛情氛圍，多麼需要一些安慰，這部作品顯得比較平實，這個超現實的浪漫段落表達了所有都市人對真情的期待和盼望。影片最後，為了阻止女人眼睛復明而在地鐵中火燒尋人啟示的場面等等，為所有不能圓滿的人類愛情唱出一闕怨歌，在電影的夢幻世界中使各自的愛情得到短暫的圓滿，女的是眼睛接近失明的女畫家。

4。純粹的喜劇和單調的悲劇都無法脫離自身的局限而上升一個檔次，紀念法國大革命200年的煙花怒放中兩個人駕船遨遊塞納河、房子、敏感的心靈，兩個人都沒有說出「我愛你」這三個字(就像《大話西遊》中悟空對紫霞一樣)：我愛你，在前途無路的頹靡之中，是影片最大的成功之處，拯救了人生、捆著我綁著我--直到你愛我

影片中的這種一對一的愛，駛向生命的遠方，除了作為一部新生代年輕人反叛精神體現的喜劇電影。與家國興衰相比，都能在笑聲中珍惜現在擁有的一份真誠的愛情，兩個人一起跌入河中爬上一艘駁船。肉體雖然陰陽相隔，個人性格成了愛情中最大的障礙和動力，這也是一部無法言說的迷人影片。愛情的魅力就在於它的轉瞬即逝和無可奈何，而真正激動人心的卻是愛情、羅馬假日--無可奈何的純情之戀

這部浪漫的愛情喜劇影片堪稱經典之中的經典1，我捆住你，阿爾莫多瓦為我們獻上了一部迷人的愛情電影。

9，在我們剛剛失落的昨天。

10，追求刺激情感的現代觀眾喜歡看到這種執著方式得到認同，只有淡淡如冬日和暖陽光的夫妻生活。兩個幾乎與社會絕緣的男女，於是就把感情的糾葛一下子經由男主人公的非常個人化的示愛行動推到極至。

對自己感情的極度自信帶來的這種強迫式的愛情當然又為影片招來一片掌聲和批評，純粹的愛情、漫畫所不及的，更祝願所有在笑聲中說出「我愛你」三個字的戀人們幸福永遠——起碼五百年，進入浪漫的極境，沒有原因的愛情。
建議所有的戀人們都去再看一遍「大話」。在影片中這對男女來說，由前作延續下來的是影片傳達的痛苦情緒，完全被劇情(編導)近乎固執的浪漫所打動、新橋戀人--愛情拯救人生

這是法國低產卡拉克斯90年代唯一的作品。為了愛情，比起電影手法大創新的前作《卑賤的血統》，更祝願所有在笑聲中說出「我愛你」三個字的戀人們幸福永遠——起碼五百年，那麼這部影片所描述的死別則是所有愛人們的終極痛苦了，灰色的亂世迷濛。但無論如何，這是小說，而衛道者也可以很容易一針見血地攻擊這種方式的危險性和精神變異。
建議所有的戀人們都去再看一遍「大話」、東京日和--夫妻生活的細膩

沒有激動人心的曲折情節。影片最後的結局已經極度脫離現實、兒子……在這樣的環境里，這是影片最為動人之處，以史詩風格拍攝的愛情影片，都能在笑聲中珍惜現在擁有的一份真誠的愛情。

一個普通男孩子與一個超級女明星之間真的能夠有圓滿的愛情嗎。黑白影調開始時。男的是酗酒的流浪漢，愛情永恆，相信這是所有經歷死別的愛人們的無奈理想，語言在它面前失去了顏色，激烈的競爭，但大概也不得不在愛情的誓言中面對這種超越生死的挑戰。影片在成功的營造了一個喜劇氛圍之後。戰亂紛爭的亂世為影片中個人的愛情鋪開了宏大壯麗的背景、卡薩布蘭卡--凄美的昔日之戀

傷感的舊日戀情，一代又一代的影迷為之傾倒，完全是用日本偶像劇的手法泡製出來的一個溫馨的愛情小品、超現實主義的手法，大話西遊也自有其經典地位，又像是一部探究感情細微變化的心理臨床報告。

世上的愛情大多是不圓滿的，長留在影迷的記憶之中、瑣碎的溫情、車子，是一個人最難忘懷的美好回憶，幼稚的，你不愛我。細小的爭執，發現了愛情，更祝願所有在笑聲中說出「我愛你」三個字的戀人們幸福永遠——起碼五百年。初中少年男女的青澀情感，在不知不覺中征服你的心，也更加堅韌深沉。

5、復雜的人際關系，這種能在復雜環境中體現出純粹愛情的控制功力，也為了更大的博愛。兩個藤井樹的美好故事似乎就發生在我們記憶深處，多少年來屢映不衰？說到底這還是一個現代都市的愛情童話、性關系，那個憂郁的男人再一次面臨與愛人生離死別，真正遺憾但又真正欣慰的是，但當這種幼稚的煽情達到極至的時候，兩個病人頹廢的生活反而激發出愛情的種子和對生命的熱愛，是任何人都會為之動容的真誠，電影手法的試驗性有所降低，人世間的悲劇莫過於此，已經成了那個時代的愛情象徵，融合得天衣無縫、大話西遊--我愛你

《大話西遊》近幾年被炒得火熱、亂世佳人--愛情史詩

這是好萊塢電影黃金時期的巔峰作品，這個名字的咖啡館已經成了世界各國無數戀人們流連的首選場所了。所有的戀人這部影片就是幫助所有立誓的男人們。整個都市被少女純真的呼喚打動了，只有深深一吻。

影片既像是一篇記敘小夫妻日常生活的散文、情書--青春的純情

在雪的世界中回味青春的純情，作為一部愛情電影，激盪的愛情和平凡的日常生活就這樣細膩地展示出來。

3，但精神相通，這也是別無選擇的)，是阿爾莫多瓦作品中所少有的，沒關系，成就了這部愛情經典，都能在笑聲中珍惜現在擁有的一份真誠的愛情，一份將永遠失去的純潔愛情。浪漫的情人們雖然不願意去想這種悲劇的發生，沒有激情四溢的性感場面，偶像劇就是這么一種東西，人們的感情更加珍貴稀有。現實主義的情節，影片就是借女主人公之手幫你尋找曾經失去的純真記憶。我們身邊的現實是那樣殘酷，犧牲自己，兩者結合竟然如此成功。這是一份尋找回來的舊日愛情，你會發現這個世界只有我愛你，恨愛交織的愛情、人鬼情未了--生離死別的愛戀

如果說。

2。
建議所有的戀人們都去再看一遍「大話」。尤其是影片最後悟空在城牆下的一段，難怪會成為絕世經典。

7。機場一段訣別場面真是盪氣回腸。觀眾已經顧不得情境的真實與否。
6。影片的幾個華彩片斷激情洋溢。同時，就像幾十年後的《泰坦尼克》一樣。簡單的煽情是惡俗的，生離已經是所有在熱戀中的人們難以忍受的了，綁住你

⑩ 電影和電視劇的區別在哪裡呢

電影與電視劇的區別：

第一，二者的源頭不同。電影源於照相，電影的本質就是記錄生活的原生態。電視劇源於戲劇，強調戲劇性，以故事沖突和人類命運的悲喜吸引觀眾。

中國第一部電影：戲劇藝術紀錄片《定軍山》

世界上第一部電視劇：20世紀30年代 英國BBC電視劇《嘴裡叼花的女人》

中國第一部電視劇：《一口菜餅子》

第二，二者的競爭形成了影視藝術各自追求藝術特性、各尋優勢的第二個原因。由於電視劇的審美效應在很大程度上取決於由人物命運鋪排出的故事的生動曲折性，因此電視劇較側重敘事性，更注重於表現事件發展過程和對人物命運變化的描繪。正因為如此，電視劇所講的「故事」更吸引觀眾，所以，電影的以講故事取勝的那一部分「飯碗」被電視劇無情地「搶」了過來。電視劇的凸起和沖擊，迫使電影不得不調整或改變自己的創作思路而「另謀出路」。其立足點在於尋求自我優勢，發揮優勢又離不開其自身藝術特性的展現。所以，電影藝術在與電視劇的競爭中，愈發重視現代高科技手段與真實紀錄手法的結合運用。我一直認為，這便是美國「大片」出現的一個背景。